música y conciertos

Origen música country

En 1910, el etnomusicólogo John Lomax publicó “Cowboy Songs and Other Frontier Ballads” (que siguió por dos años la primera colección conocida de canciones de cowboy), y en 1916 Cecil Sharp comenzó a publicar cientos de canciones folklóricas de las montañas de los Apalaches (o mejor Cumberland Mountains, en la frontera entre Kentucky y Tennessee), dos eventos que despertaron interés por la herencia musical blanca, aunque el mundo tuvo que esperar hasta 1922 antes de que alguien, el violinista texano Eck Robertson, cortara el primer disco de “música de antaño” . Estas colecciones crearon el mito de los Apalaches como remotos santuarios de vida sencilla y noble, cuyos habitantes, los “montañeses”, aislados de los males del mundo encarnaban el verdadero espíritu americano. Muchas de esas regiones no se establecieron hasta 1835, y luego fueron colonizadas por inmigrantes muy pobres, creando así un paisaje de comunidades más bien atrasadas, todavía atadas a sus tradiciones pero también preocupadas por la lucha diaria por la supervivencia.

conciertos en España

En 1922, una estación de radio con sede en Georgia (WSM) fue la primera en difundir canciones populares a su audiencia. Un poco más tarde, una emisora de radio de Fort Worth, en Texas (WBAP), lanzó el primer espectáculo de “danza del granero”. En junio de 1923, el violinista de Georgia, John Carson, grabó (en Atlanta) dos canciones “hillbilly”, un evento que a menudo se considera la fundación oficial de música country (aunque el violinista de Texas Eck Roberton había Ya registrado el año anterior). La industria de la grabación empezó a dividir la música popular en dos categorías: la música de la carrera (que era sólo negro) y la música del hillbilly (que era sólo blanco). El término “hillbilly” fue introducido en realidad por Hill “Billie Blues” de Dave Macon (1924). En 1924, la estación de radio WLS de Chicago (originalmente “el almacén más grande del mundo”) comenzó a emitir una danza del granero que se podría oír a través del Midwest.

Carl Sprague se convirtió en el primer músico importante en grabar canciones de cowboy (el primer “cowboy cantante” de la música country). Y, por último, en 1925, la primera estación de radio de Nashville (WSM) comenzó a transmitir una danza de granero que eventualmente cambiaría el nombre de “Grand Ole Opry”. La música country estaba avanzando. Las etiquetas se reunieron en el sur para grabar cantando a los vaqueros, y los vaqueros cantores fueron exhibidos en las grandes ciudades del norte.

Entre los compositores más letrados se encuentran Goebel Reeves, nacido en Texas, que escribió The Drifter (1929), Blue Undertaker’s Blues (1930), Hobo’s Lullaby (1934) y The Cowboy’s Prayer (1934), una mezcla de canciones hobo y cowboy Nacido en Tennessee Harry McClintock, el autor de las baladas de hobo Big Rock Candy Mountain (1928) y Hallelujah Bum Again (1926).

La música country era una federación de estilos, más que un estilo monolítico. Sus orígenes se perdieron en las primeras décadas de la colonización, cuando las danzas folklóricas (carretes escoceses, jigs irlandeses, danzas cuadradas, la versión pobre del francés “cotillón” y “cuadrilla”) y la balada británica se trasplantaron a la nueva Mundo y se contaminó con los himnos religiosos de las reuniones de la iglesia y el campamento. Los estilos musicales eran reminiscencias de sus antepasados británicos. Las letras, por otra parte, eran completamente diferentes. A los norteamericanos les disgustaba el tema del amor, al cual preferían cuestiones prácticas como las experiencias del mundo real (ganadería, tala, minería, ferrocarriles) y tragedias del mundo real (robos a bancos, desastres naturales, asesinatos, accidentes de trenes).

La instrumentación incluía el banjo, introducido por los esclavos africanos a través de los espectáculos de trovadores, el violín escocés (el violín del pobre, simplificado para que el violinista también pudiera cantar) y la guitarra española (un instrumento que se hizo popular en el Sur solamente Alrededor de 1910). Irónicamente, a medida que más y más negros abandonaban el banjo y adoptaban la guitarra, el banjo terminó siendo identificado con la música blanca, mientras que la guitarra terminó siendo identificada como música negra. Por ejemplo, Hobart Smith aprendió a jugar con el bluesman negro Blind Lemon Jefferson, pero siguió tocando el banjo mientras Jefferson tocaba la guitarra.

El papel de estos instrumentos era más rítmico que melódico, ya que la mayoría de las actuaciones eran solo, sin percusión. Algunas regiones agregaron sus propias especialidades (como el acordeón en Louisiana), pero la mayor parte de la música blanca se basaba en instrumentos de cuerda. Cuando no se interpretó en solitario, fue interpretada por bandas de cuerdas, sobre todo después de la década de 1920, cuando las primeras grabaciones permitieron a los músicos ganarse la vida con su “música de antaño”. Las bandas de cuerda de los años 20 incluyeron a los Ramblers de Carolina del Norte de Charlie Poole, que aumentaron el repertorio de la música vieja con las canciones de los demostraciones del trovador y del vodevil, de Dixie Mountaineers de Ernest Stoneman, y finalmente (pero los verdaderos set- Supergroup Skillet Lickers, formado en 1926 y con Riley Puckett en la guitarra, Gideon Tanner y Clayton McMichen en violines (y todos ellos en la voz),

El formato “hillbilly” (dirigido por la guitarra y un poco más “cosmopolita”) era más popular en las llanuras, mientras que el formato de “montaña” de los Apalaches (dominado por el violín Y el banjo) se mantuvieron relativamente protegidos de las influencias urbanas y afroamericanas. Los artistas de sátira, o “ramblers”, se hicieron populares después de la Primera Guerra Mundial, pero a menudo tuvieron que mudarse a Nueva York para hacer grabaciones. Algunos de ellos se especializaron en canciones de “eventos”, canciones que narraban eventos contemporáneos, como The Wreck Of The Old 97 (1923) de Henry Whitter, que pudo haber sido la primera “canción de ferrocarril” (pero en realidad utilizó la melodía del tradicional The (Quizás el primer éxito de la música country), Death Of Floyd Collins de Andrew Jenkins, también grabado por primera vez por Dalhart (1926), sobre un (1928), Dry Votin ‘(1929), y especialmente Twentyone Years (1930), quizás la primera “canción de la prisión”. Miller era, con mucho, el más prolífico, escribiendo miles de canciones de hillbilly.

Los músicos de Hillbilly también trataron con el género opuesto, la canción de la novedad: la novedad del ukulele de Wendell Hall No va a la lluvia ningún Mo (1923), Carson Robison que silba la novedad Nola Vernon Dalhart, Carson Robison y Bob Miller eran cantantes de Nueva York que se hicieron famosos cantando canciones de hillbilly (ya veces componiéndolas, Como en el caso de Robison y Miller). Los verdaderos músicos de campo habían sido conocidos principalmente por su bravura instrumental. Ya se había organizado un concurso nacional de violín en Georgia en 1917 (por la Old Time Fiddlers Organization). Dos músicos importantes en la transición de la “montaña” silenciosa y linear del estilo y del estilo “bluegrass” rápido y syncopated eran banjoists Charlie Poole de los Ramblers de Carolina del Norte (no deje su reparto abajo, 1925; White House Blues, 1926 , Más conocido como Cannonball Blues), y “Uncle” Dave Macon, el principal “coleccionista” de la música antigua y uno de los artistas más vendidos durante los años de los locos (Keep My Skillet Good and Greasy, 1924, Chewing Gum, 1924; Sail Away Ladies, 1927).

Si estos dos ya usaban el banjo mucho más que un mero dispositivo rítmico, Dock Boggs fue quizás el primer banjoist blanco a tocar el instrumento como una guitarra de blues (en 1927 grabó seis números de blues de plantación y Sugar Baby, que era rockabilly ante- Litteram). Sam McGee fue uno de los primeros en tocar la guitarra como un bluesman, comenzando con Railroad Blues (1928). El guitarrista ciego de Georgia Riley Puckett, autor de My Carolina Home (1927), desempeñó un papel clave en la transformación de la guitarra del instrumento de percusión al instrumento de acompañamiento. Hasta finales de la década de 1920, los artistas de hillbilly eran considerados comediantes tanto como músicos. Muchos de ellos tenían un repertorio de canciones y sketches. El Skillet Lickers fue probablemente instrumental en la creación del carisma del músico del país, en contraposición a la imagen del payaso hillbilly. La guitarra de acero de Hawai, inventada por Joseph Kekuku alrededor de 1885 en Honolulu, fue una adición tardía a la línea de cuerda alzacuello. La música incidental a la obra de Richard Walton Tully Bird of Paradise (1912) popularizó el ukelele y la guitarra de acero en los EE.UU., al igual que el pabellón hawaiano en la “Exposición de Panamá Pacífico” de San Francisco en 1915. On The Beach At Waikiki ), Compuesto por Henry Kailimai y Sonny Cunha, comenzó una locura nacional. En 1916, todas las discográficas empezaron a vender discos de música hawaiana, incluyendo Everybody Hula de Sonny Cunha (1916), “Along the Way to Waikiki” de Richard Whiting (1917), Hawaiian Butterfly (1917), compuesto por Billy Baskette y Joseph Santly y Walter Blaufuss ‘My Isle of Golden Dreams (1919).

El virtuoso hawaiano de la guitarra de acero Frank Ferera viajó internacionalmente. Había debutado en el registro con My Old Kentucky Home de Stephen Foster (1915). La manía cayó en los años 20, pero la guitarra de acero (primero registrada por un músico del montañés en 1927) se haría más y más popular en el repertorio de la música country. Las primeras estrellas del género hillbilly eran los miembros Carter La familia, básicamente un trío vocal (Sara en voz principal y autohapr, Alvin en voz de bajo y Maybelle en voz de alto y en guitarra) que comenzó en 1926 y primero grabado en 1927. A diferencia de sus compañeros, que enfatizaron el sonido instrumental, La Familia Carter se centró en las canciones. Colectivamente, escribieron más de 300 canciones, incluyendo clásicos como Will You Miss Me When I’m Gone (1928), Keep On The Sunny Side (1928), una portada de la canción de Theodore Morse en 1906, Foggy Mountain Top (1929), My Clinch Mountain Home (1929), Worried Man Blues (1930), Puede El Círculo Ser Ininterrumpido (1935), No Depresión (1936), y especialmente Wildwood Flower (1928), un tradicional publicado por primera vez en 1860 que Maybelle se convirtió en una obra maestra de guitarra. Su estilo vocal era la quintaesencia del estilo de “estrecha armonía” de la música country. Más tarde, Maybelle formó su propio cuarteto con sus tres hijas (entre las que June escribió Ring Of Fire y Helen escribió Poor Old Heartsick Me). En 1924 con su primera grabación, Rock All Our Babies To El guitarrista de Georgia, Riley Puckett (ya una estrella de radio), introdujo el estilo “yodeling” de cantar (originalmente de los Alpes suizos y austriacos) en música country, el estilo adoptado en 1927 por la primera estrella de la música country, el Jimmie Rodgers de Mississippi , Que lo llevó a la guitarra de diapositivas hawaiana y, de hecho, inventó el equivalente blanco de los blues con T For Texas (1927), Waiting For A Train (1928), In The Jailhouse Now (1928), Mule Skinner Blues ).

Irónicamente (pero también revelador), Jimmie Rodgers se convirtió en la primera estrella de este fenómeno muy blanco por ser el más influenciado por la música muy negra de los blues. El año en que murió (1933) fue un año decisivo para la música country. Rodes fue influyente en la creación del mito del Lejano Oeste, que ya había sido alimentado por las canciones de vaqueros de Carl Sprague y Goebel Reeves. Así, la música country se convirtió en música country y western. Originalmente, la música country era principalmente de los estados del sureste (Virginia, Tennesse, Kentucky y estados vecinos). Pero ahora la audiencia se estaba volviendo fascinada con los estados del suroeste (estados de Texas y neihboring). El encanto romántico del habitante de la montaña estaba siendo reemplazado lentamente por el encanto romántico del vagabundo vaquero. Otro músico country que, como Rodgers, volvió al blues, fue el cantante y compositor de Luisiana Jimmie Davis cuyo cancionero no fue menos impresionante: Pistol Packin ‘Papa (1929), Blues de Grinder de órgano (1929), Pussy Blues (1929), Nadie es Darling But Mine (1935), no hace diferencia ahora (1938), You Are My Sunshine (1939). Los estilos emergían: honky-tonk y western-swing. Y dos instrumentos debutaron en esos años que se convertirían en el elemento básico de bandas de rock: Adolph Rickenbacker inventó (1931) la guitarra eléctrica y Laurens Hammond inventó (1933) el órgano de Hammond. La guitarra de acero fue electrificada poco después, y con entusiasmo abrazado por los músicos del país (otra señal de que la tendencia estaba lejos de los puristas de la montaña). Fue un gran hit que lanzó el Silver Hairde Daddy Of Mine (1931), del cantante y compositor de Texas Gene Autry “Honky-tonk” estilo de la música country. Debutando en la película Tumbling Tumbleweeds (1935), Autry (quien en la vida real no era un vaquero en absoluto) fue también el primero de los “cowboys cantores” de Hollywood (antes de Roy Rogers, Tex Ritter, Johnny Bond, Jimmy Wakely) que Contribuyó a mover la música country (originalmente un fenómeno oriental) al “lejano oeste”, al menos en la imaginación popular.

También grabó Mother Jones (1931), una canción de trabajo, además de una larga lista de canciones de sabor occidental, como Mexicali Rose (1936). Roy Rogers y los compositores Bob Nolan y Tim Spencer formaron el supergrupo del género, los Sons Of Pioneers, quienes compusieron algunos de los clásicos del género, comenzando con Tumblin ‘Tumbleweeds de Bob Nolan (1927) .Clyde “Red” Foley era la estrella de Chicago popularizando La música country en la gran ciudad con Old Shep (1935) y Chattanooga Shoeshine Boy (1950). Ahora “hillbilly” ya no era un atributo positivo, sino más bien un derogatorio, y por lo tanto “country & western” llegó a connota todos los blancos Música del sur. Los intérpretes vestían trajes de campo e imitaban la jerga de los vaqueros. La fascinación con Occidente se extendió a las grandes ciudades del norte gracias a las falsas canciones de hillbilly escritas por compositores profesionales de Tin Pan Alley, como The Last Roundup de Bill Hill (1933), en realidad una melodía pegadiza en el estilo de Broadway, pero sin embargo influyente en Creando la moda del Lejano Oeste. Esto permitió a Tex Ritter, que nunca había sido un vaquero sino simplemente una atracción rodeo, convertirse en una estrella en Nueva York, gracias a su acento texano, y luego (1936) en Hollywood (Rock’n’Rye Rag, 1948). -tonk y western-swing fueron, de hecho, subproductos del cambio de música country hacia los estados occidentales (es decir, Texas). En 1932, el vocalista Milton Brown y el violinista Bob Wills cortaron los primeros discos de una especie de música country influenciada por Jazz que más tarde fue doblado “swing occidental” (por Foreman Phillips en 1944). Básicamente, el país y la música occidental de las ciudades rurales se fusionó con el swing de las grandes bandas de jazz urbano. Los dos pioneros entonces se dividieron. Brown, con el violinista Cecil Brower (que introdujo el estilo de Joe Venuti a la música country), el pianista de jazz Fred Calhoun, Bob Dunn en una de las primeras guitarras de acero amplificadas y una sección rítmica influenciada por el ragtime, gobernada en Texas. Wills ‘Texas Playboys, con sede en Oklahoma y con una sección de cuerdas de país y una sección de trompa de jazz, y ahora dirigida por Tommy Duncan.

Deja un comentario

Tu dirección de correo electrónico no será publicada. Los campos obligatorios están marcados con *