Durante su estancia en el grupo, que solo duraría hasta octubre de 1966, Jeff Beck se revelaría como uno de los mejores instrumentistas de su época, aportando un innovador enfoque guitarrístico a singles de éxito como Heart Full of Soul (1965), Evil Hearted You (1965) o Shapes of Things (1966).

Curiosamente, en el momento de unirse a los Yardbirds, Beck ni siquiera tenía guitarra eléctrica, adquiriendo poco después una Fender Esquire de segunda mano con la que realizará las grabaciones que le harán entrar por la puerta grande en la historia de la música Rock.

Jeff Beck se une a los Yardbirds … sin guitarra

Como contaba el propio Jeff Beck, cuando se unió a los Yardbirds no tenía guitarra: “Al principio usé la Telecaster roja de Eric, creo que pertenecía a los Yardbirds. Me parece que se la alquilaban. ¡Eran unos bastardos!” ¹

Era obvio que Beck, continuamente de gira con el grupo en pleno éxito, necesitaba su propio instrumento.

En aquella época, Fender había empezado a fabricar sus guitarras con diapasón de palorrosa, pero el nuevo guitarrista de los Yardbirds prefería los diapasones de arce de los modelos más antiguos, más difíciles de encontrar en ese momento. Afortunadamente, Beck dió con una guitarra de su gusto cuando los Yardbirds compartieron gira con los Walker Brothers. El regateo con John Walker para comprarle la Esquire fué bastante duro: “Pedía 75 libras, que era mucho dinero – apenas 10 pavos menos que una nueva. Pero él no cedía, asi que saqué los 75 y se los d픲

Fender Esquire, la hermana pequeña de la Telecaster

Aunque mucho menos conocida que la Telecaster, la Fender Esquire fué el primer modelo de guitarra eléctrica comercializado por Fender en 1950. A primera vista, una Esquire no es sino una Telecaster con una sola pastilla, la del puente, tratándose por tanto de un modelo más económico.

En realidad, las diferencias con la Telecaster son mayores, pues el selector de pastillas de estas cumple una función distinta en las Esquire, modificando el tono de la guitarra con un cableado diferente.

La Esquire adquirida por Jeff Beck en 1965 era bastante peculiar: se trataba de un modelo color “blonde” de 1954 al que se le habían rebajado los contornos al estilo de las Fender Stratocaster: un rebaje delantero en la zona donde se apoya el antebrazo derecho, y otro trasero en la parte que descansa sobre el estómago. Esta modificación había sido realizada por el anterior propietario, John Walker (de verdadero nombre John Maus). La guitarra no había sido repintada tras ser modificada, por lo que dejaba al descubierto la madera de fresno del cuerpo en las zonas que habían sido lijadas.

Originalmente, el golpeador era de vinilo blanco, pero Beck lo cambió por uno de color negro con dos “desconchones” que no desentonaban en absoluto con el desastrado aspecto de la guitarra a medio lijar. Así mismo, las selletas de acero del puente original fueron reemplazadas por otras de bronce procedentes de una Telecaster de 1952. El mástil, por su parte, hubo de ser reemplazado más adelante por otro de 1955 (de nuevo con diapasón de arce) a causa de la rotura del mástil original.

Retirada, Regalo y Reedición de la Fender Esquire de Jeff Beck

Pese al gran servicio prestado, figurando en grabaciones históricas de los Yardbirds, la Esquire pasó a segundo plano a mediados de 1966, cuando Jeff Beck adquirió una Gibson Les Paul siguiendo la estela de su antecesor en el grupo, Eric Clapton³.

A mediados de los años 70, Beck regaló la Fender Esquire a su buen amigo Seymour Duncan, el conocido fabricante de pastillas y amplificadores, quien la guardó a buen recaudo para conservarla lo mejor posible, consciente de que tenía en las manos una guitarra histórica.

En 2006, la Custom Shop de Fender ponía a la venta una reedición de la Esquire de 1954 de Jeff Beck, reproduciendo con escrupulosa fidelidad todos y cada uno de los detalles de la guitarra original, lo que incluye desconchones, quemaduras, rayajos, etc. Los detales de la reedición se pueden consultar en la Web de la Custom Shop de Fender

Cuando Jeff Beck recibió de Fender un ejemplar de la reedición, creyó que se habían equivocado y le habían devuelto su antigua guitarra, lo cual pone de manifiesto la enorme calidad de la reproducción … o su mala memoria tras todos estos años rocanroleando

Notas:

1. “I [initially] used Eric’s red Tele, which I think belonged to the Yardbirds.”“I think they leased it to him. Oh, they were bastards!” Extraido de Legendary Guitar: Jeff Beck’s 1954 Yardbirds Esquire
2. “He wanted 75 pounds, which was a lot of money — it was only about 10 quid cheaper than a brand new one. But he wouldn’t shift, and I dug out the 75 and gave it to him.”
3. Ver artículo Gibson Les Paul Standard: Eric Clapton y la Revolución del Blues Eléctrico

El dominio absoluto del Vox Continental sobre sus competidores durante los años 60 se debía a tres factores: su llamativo aspecto, su precio asequible y su estupendo sonido.

La larga lista de grupos que lo utilizaron regular u ocasionalmente viene a confirmar el dominio del Vox Continental: Animals, Them, Dave Clark Five, Monkees, Paul Revere & The Raiders, Sir Douglas Quintet, Question Mark & The Mysterians, Doors, Iron Butterfly, Velvet Underground … incluso los Beatles emplearon un Continental tocado por John Lennon en su gira americana de 1965 y en la grabación en estudio de I’m Down (cara B del single Help!, 1965).

El dominio del Vox Continental sobre los otros “órganos combo” era tan claro que, como se afirma en la web combo-organ.com, si fué en los 60 y no era un Hammond, 9 de cada 10 veces la respuesta es “Vox Continental”.¹

Vox Continental : Características

El diseño del Vox Continental tuvo lugar a finales de 1961 y se debió a Les Hill y Derek Underdown, de la empresa británica Jennings Musical Industries (JMI). El objetivo era crear un “órgano de escenario”, un instrumento de teclado que pudiera trasladarse fácilmente pero a la vez ofreciera una calidad sonora aceptable.

En esta época predominaban los Hammond y los pesados órganos de válvulas, cuyo sonido se consideraba más profesional, pero presentaban el incoveniente de su difícil portablidad.

La calidad de sonido del Vox Continental, sin embargo, favoreció que su uso no se limitara al escenario, siendo numerosos los grupos que lo utilizaron también en el estudio de grabación. A ello debemos grandes clásicos de la música de los 60 que no serían los mismos sin el sonido del Vox Continental, como House of the Rising Sun (Animals, 1964), Light My Fire (Doors, 1967) o In A Gadda Da Vida (Iron Butterfly, 1968) por citar solo los más conocidos.

El impacto visual del Continental era impresionante para su época: tamaño reducido (4 octavas), teclado estilo clavicordio con los colores invertidos, las patas cromadas en forma de “Z”, la cubierta roja …

En cuanto a las posibilidades de moldear el sonido, la condición de teclado portátil del Continental no impedía que dispusiera de algunos mecanismos sencillos. Inspirado en los órganos Hammond, los Vox incorporaban tiradores, también llamados barras (“drawbars”), aunque en el caso de este último eran tan solo 6 los tiradores. Dos de ellos permitían seleccionar las dos voces o timbres de que disponía: flauta e instrumentos de lengüeta (“reed”). Los otros cuatro regulaban el tono de las voces: 16′, 8′, 4′ y IV, que era una mezcla de 4 tonos más agudos (2-2/3′, 2′, 1-3/5′ y 1′).

Además de los tiradores, el Vox contaba con un interruptor para activar un efecto de vibrato de velocidad fija, no regulable.

A la derecha, en la imagen, detalle de los controles: los tiradores amarillos son de tono, y los marrones de voces (“~” onda sinusoidal para flauta, “M” onda de diente de sierra para lengüeta). Debajo, interruptor de encendido y apagado (“mains”), piloto rojo, interruptor de vibrato.

Exito y difusión del Vox Continental

El primer gran impacto del Vox Continental en el público inglés se produjo en 1962, cuando los Tornados aparecieron con él en una película promocional de su éxito instrumental Telstar, nº 1 tanto en Gran Bretaña como en USA. Paradójicamente, el órgano de Vox no se había utilizado en la grabación de Telstar, cuya melodía de teclado había sido interpretada con un clavioline.

Pero el gran primer gran triunfo del Vox Continental en todo el mundo fué, sin duda, la interpretación de Alan Price de los Animals en House of The Rising Sun, nº 1 en el verano de 1964 . El poderoso arreglo de órgano y el extenso solo dejaron patente que no se trataba de un juguete para aficionados ni un instrumento de segunda. Este sonido de órgano, lleno y potente se convertiría en una de las señas de identidad de los primeros Animals, y contribuirá a definir toda una época de la música pop.

El teclista y cantante de los Dave Clark Five, Mike Smith se conviritió en otro valedor importante del Vox Continental, especialmente teniendo en cuenta que su grupo disfrutó de numerosos éxitos en EEUU y Europa entre 1964 y 1967, algunos claramente dominados por el sonido de teclado, como Can’t You See That She’s Mine (1964).

A lo largo de los años siguientes, el Continental se extenderá por todo el mundo, y se desarrollarán nuevos teclados Vox basados en el mismo concepto.

El salto a América y Europa Continental, modelos derivados

El éxito de ventas del Continental motivó que J.M.I. / Vox alcanzara acuerdos con otras compañías para su fabricación y distribución fuera del Reino Unido. En Estados Unidos, la elegida fué la Thomas Organ Company. Para el mercado continental europeo, la empresa británica J.M.I., la americana Thomas y la italiana Eko habían constituido la empresa, E.M.E. (Elettronica Musicale Europea), que asumirá la fabricación de los órganos Vox en el año 66. Las unidades fabricadas por E.M.E. tenían teclas de plástico que a menudo se rompían fácilmente, a diferencia de las teclas de madera de los modelos británicos originales. Pese a ello, y debido a la imparable demanda, los modelos fabricados en Italia por E.M.E. serán exportados también a Estados Unidos al cesar la producción de Thomas Organ en 1966.

El éxito también propició el desarrollo de nuevos modelos, como el Continental II (denominado Super Continental en su versión italiana) con dos teclados en vez de uno y la incorporación de percusión y reverberación.

Otras variantes fueron el Vox Jaguar (versión económica del Continental fabricada en Italia que incorporaba teclas en vez de tiradores), el Corinthian, similar al Jaguar, y el Continental ’71, modelo final que marcará la desaparición del Vox Continental a principios de la década de los 70.

Notas:

1. If it was in the 60′s, and it wasn’t a Hammond, then 9 times out of 10 the answer is “Vox Continental”

En realidad, ambas guitarras habían sido encargadas a Estados Unidos dos meses antes, y habían llegado a tiempo para entrar por la puerta grande en la historia de la música pop a través de Love Me Do, primer single de los Beatles para Parlophone.

Cada guitarra costó 161 libras, y dado que la situación financiera de los Beatles todavía era poco boyante, el manager Brian Epstein avaló con su firma la compra a plazos de los dos instrumentos. En los años siguientes, John Lennon hará de la Gibson J-160-E su guitarra acústica favorita, y su peculiar sonido será habitual en las grabaciones de los Beatles hasta 1968.

Gibson J-160E

Gibson venía fabricando modelos de guitarra acústica “Jumbo” desde los años 30, y con ellos pretendía competir con las guitarras “Dreadnought” del fabricante C.F. Martin. Frente a los hombros rectos de las Martin, las Jumbo de Gibson tenían los hombros redondeados, pero en lo restante el diseño era muy similar en unas y otras. Tras la segunda guerra mundial, las Gibson J-45 y J-50 estuvieron entre los modelos más populares de guitarra acústica.

La cuestión de la sonorización de las guitarras acústicas en directo era una cuestión delicada en los años 50 y 60. La utilización de micrófonos exigía inmovilizar el instrumento frente al soporte del micrófono, por lo que pronto se buscaron sistemas de captación del sonido que pudieran fijarse al cuerpo de la guitarra.

Gibson introdujo el modelo J-160E en 1954 con la idea de ofrecer un instrumento que pudiera sonorizarse de modo semejante a una guitarra eléctrica, para lo que disponía de una pastilla situada en la parte superior de la boca, al final del diapasón. Los potenciómetros de volumen y tono estaban colocados sobre la caja de la guitarra de modo semejante a como lo estarían en una guitarra eléctrica de cuerpo sólido, y en el lateral de la caja se situaba la entrada de jack para conectarla a un amplificador. Visualmente, el aspecto de la J-160e era inmejorable. Técnicamente, la guitarra no era para tanto, como veremos a continuación.

La pastilla colocada para amplificar el instrumento era una P-90 sin cubierta. Aunque las P-90 figuran entre las mejores pastillas de bobina simple de todos los tiempos, su sonido dista mucho del que produce una guitarra acústica sin amplificar.

Por otra parte, la caja abierta de las guitarras acústicas amplificadas las hace especialmente propensas al feedback, por lo que en el diseño de la J-160e se introdujo el “ladder bracing”¹ , perdiendo parte de la resonancia característica de otras Gibson “Jumbo” como la J-45 o la J-50.

Para acabar, los materiales de la J-160e también eran mejorables. Aunque los primeros modelos de 1954 disponían de una tapa de madera de abeto sólida, a partir de 1955 Gibson fabricó estas guitarras con madera laminada, más resistente pero con cualidades sonoras inferiores a las de la madera sólida.

Resumiendo: en su compromiso por diseñar una guitarra acústica que pudiera amplificarse fácilmente, Gibson tuvo que sacrificar algunas de las cualidades precisas para obtener un óptimo sonido acústico.

Las restantes características de la J-160e eran las siguientes: cuerpo de 16″, fondo y aros de madera de caoba, puente ajustable en altura, diapasón de palisandro con marcadores en forma de trapecio, acabado en sunburst.

la guitarra acústica favorita de John Lennon

Aunque no fuera la mejor guitarra acústica del mundo, lo cierto es que John Lennon sintió a lo largo de los años 60 una clara predilección por este modelo, con tan solo un intervalo en 1968 en el que su Martin D-28 ocupó el lugar de la favorita. En la foto de la derecha podemos ver el momento en que George Harrison y él reciben oficialmente sus Gibson J-160e, momento “inmortalizado” por la publicación de la época Mersey Beat.

En Diciembre de 1963, los Beatles actuaban en el Teatro Astoria de Finsbury Park en Londres, cuando la Gibson de Lennon fué robada. En realidad, y dado que eran idénticas, Harrison y Lennon tocaban indistintamente ambas guitarras, por lo que parece ser que la robada realmente fué la registrada a nombre de George, aunque era John quien venía utilizándola antes del robo. En cualquier caso, Lennon no dudó en reemplazarla por otra J-160e igual a la sustraída, y mientras llegaba la nueva, en el estudio solía utilizar la de su compañero George Harrison.

En 1967, John Lennon encargó a los artistas Simon & Marijke (The Fool) que decorasen con pinturas psicodélicas su guitarra acústica favorita, y así lo hicieron. Así mismo, se retiró el golpeador, y la pastilla se movió de la parte superior a la inferior de la boca de la guitarra. En esta configuración, la J-160e aparece en los ensayos para la retransmisión por televisión de All You Need Is Love, pero finalmente no fué utilizada.

La pintura psicodélica no duró mucho y Lennon mandó decapar la guitarra, devolviéndole el color natural de la madera, perdiendo así mismo el acabado sunburst original de la guitarra. En esta última “encarnación”, la Gibson ganaría notoriedad por ser la utilizada por John y Yoko en 1969 durante los “Bed In”² , y sobre su tapa John dibujaría dos caricaturas suyas con Yoko.

En Fab Guitars Of The Beatles – John Lennon se pueden observar fotografías de todas las configuraciones de la Gibson J-160e de John Lennon a lo largo de los años.

Notas:

1. El bracing es una estructura interior de la caja acústica que le sirve de refuerzo para soportar la tensión a que está sometida e influye en el sonido del instrumento
2. Los “Bed- In” fueron la manera de protestar contra la guerra de Vietnam de John y Yoko, consistentes en meterse en la cama de un hotel durante varios días e invitar a los medios de comunicación a visitarlos

Gibson Les Paul Junior

Ya se ha mencionado en este blog como la Gibson Les Paul había resultado un fracaso comercial en los años 50 frente a las más funcionales y económicas guitarras de otros fabricantes, especialmente Fender². En realidad la Les Paul era un instrumento caro de producir, por lo que pese a su calidad, resultaba poco atractiva por su precio. Para ofrecer una alternativa económica, la Les Paul Junior prescindió de muchos de los detalles de su hermana mayor. Su especificaciones eran las siguientes:

• Cuerpo de madera de caoba plano, frente al cuerpo de caoba con tapa arqueada de arce de la Les Paul. Al suprimir la tapa de arce, se suprimía también el “binding” alrededor del cuerpo de la guitarra.
• Una sola pastilla de bobinado simple P-90, frente a las dos pastillas de la Les Paul. Cuando en 1957 el modelo Les Paul comience a utilizar pastillas humbuckers, la Les Paul Junior seguirá utilizando una P-90, convirtiéndose en uno de sus principales signos de identidad. Al montar una única pastilla, se utilizan tan solo dos potenciómetros (volumen y tono) frente a los cuatro de la Les Paul, y se suprime el selector de pastillas de tres posiciones.
• Puente “wraparound”, de una sola pieza y sin ajuste individual de cada cuerda. En 1955, las Les Paul comenzarán a usar puentes ABR y pieza de cola independiente, pero la Junior mantendrá su primitivo modelo de puente hasta nuestros días.
• Mástil de caoba encolado.
• Diapasón de palisandro.
• Sobrio golpeador negro y plano, frente al golpeador elevado sobre el cuerpo de la Les Paul.
• Acabado únicamente en sunburst, al menos inicialmente. En 1955 se pondrá a la venta con acabado “TV” (blanco amarillento) denominado así porque se veía mejor en los televisores en blanco y negro de la época que el oscuro acabado sunburst. En 1958 surgirá el acabado en rojo cereza y el modelo de doble cutaway.

Cabe destacar que la Les Paul Junior era un buen instrumento a pesar de su sencillez, pues pese a renunciar a muchos detalles, la guitarra contaba con los elementos esenciales que le darían un sonido profesional a precio de aficionado: madera de caoba, mástil encolado y pastilla P-90. Pero además, la Les Paul Junior contaba con otro elemento a su favor, y que además la distinguía de las guitarras más caras de dos pastillas: al no existir la cavidad en el cuerpo para acomodar una segunda pastilla junto al mástil, la unión del cuerpo y el mástil ofrecía más superficie de contacto, lo que potenciaba el sustain.

Leslie West, Mountain

A mediados de los años 60 Leslie West tocaba en los Vagrants, grupo neoyorquino de moderada repercusión que publicó unos pocos singles. En esta época entra en escena Felix Pappalardi, productor que había trabajado con grandes de la música de los 60 como Cream, Youngbloods o Joan Baez. Felix Pappalardi se convertirá en un personaje decisivo en el éxito de Leslie West, produciendo su primer álbum, Mountain (1969) y convirtiéndose en bajista del grupo formado a raíz de dicho álbum, Mountain, que triunfará en los años 70 con álbumes como Climbing (1970) y Nantucket Sleighride (1971).

Durante las sesiones de grabación del álbum, Leslie West entrará en contacto con primera vez con la Gibson Les Paul Junior, y será precisamente de la mano de Felix Pappalardi, que le prestará un ejemplar dado que la guitarra que Leslie estaba utilizando no era capaz de mantenerse afinada. A partir de ese momento y durante los años siguientes, West obtendrá su sonido característico mediante guitarras Gibson Les Paul Junior y amplificadores Sunn distorsionados al máximo. Este sonido, bronco y sucio, se materializa en manos de West en riffs y solos ágiles, punzantes y nítidos. La voz desgarrada de West complementa a la perfección el sonido de rock duro obtenido con su guitarra, y de ello dan fé cortes como Blood of The Sun, Better Watch Out o Dreams Of Milk And Honey en su álbum de debut. Pero además, y para alterar el sonido, West utilizaba cuidadosamente el control de tono, que en una guitarra de una sola pastilla era la única vía para obtener sonidos distintos. Así, por ejemplo, colocando el potenciómetro en la posición mínima obtenía un sonido cercano al “woman tone” creado por Eric Clapton con los Cream.

Una vez encontrado su sonido característico, comenzó la búsqueda de nuevos ejemplares de la guitarra que lo hacía posible, y, según cuenta el propio Leslie West, el lugar para encontrarla era en las casas de empeños. Tengamos en cuenta que las Les Paul Junior originales, de un solo cutaway, dejaron de fabricarse en 1958, y siendo instrumentos de bajo precio, en 1969 no se consideraban piezas de colección precisamente. De este modo, durante sus primeros años con el grupo Mountain, West dispuso de al menos dos ejemplares: una sunburst de 1954 y otra con acabado TV de fecha posterior.

A mediados de los años 70, Leslie West comenzó a utilizar guitarras Gibson Flying V modificadas con pastillas P-90, y posteriormente ha ido cambiando sus preferencias en cuanto a guitarras, aunque su sonido característico siempre ha sido el obtenido con la Les Paul Junior.

En la actualidad, West utiliza una guitarra Dean Soltero Leslie West Signature con una sola pastilla humbucker, cuyo cuerpo tipo Les Paul y acabado sunburst recuerdan sospechosamente a la Gibson Les Paul Junior de 1954 con la que se le solía ver allá por 1969.

Notas:

1. A tree with a mike
2. ver artículo Gibson Les Paul Standard : Eric Clapton y la Revolución del Blues Eléctrico

La prolongadísima relación de Alvin Lee con Big Red, sobrenombre de su Gibson ES-335 de 1959, solo encuentra parangón en la fidelidad mostrada por Rory Gallagher hacia su Fender Stratocaster de 1961. Hasta hace unos pocos años que Lee decidiera no volver a llevarla de gira a causa de su valor económico (supuestamente 500.000 $), Big Red era su guitarra principal y siempre le acompañaba en directo. Pero a lo largo de los años, Big Red también ha sufrido varias modificaciones, algunas tan importantes como el cambio de mástil, o la incorporación de una tercera pastilla. La historia empieza en 1964 …

La adquisición de Big Red

Alvin Lee, originario de Nottingham, militaba en 1964 en el grupo local The Jaybirds. En esta época, su guitarra era una Grimshaw SS Deluxe, un modelo de caja¹. Animados por la popularidad alcanzada en Nottingham, los Jaybirds decidieron mudarse a Londres, donde según el propio Lee, casi se mueren de hambre. Antes de regresar a Nottingham, Alvin Lee comprará por 45 libras la Gibson ES-335 de 1959 que después se convertirá en Big Red².

Gibson ES-335, características y primeras modificaciones

Sin entrar en gran detalle, la Gibson ES-335 es una guitarra semi-sólida, caracterizada por la profundidad de la caja de resonancia menor que la de una guitarra de jazz tradicional, y con un bloque de madera (el llamado “sustain-block”) bajo las pastillas desde el mástil hasta el puente, el cual contribuye a mejorar el sustain y a reducir el feedback producido por la caja hueca. Así mismo, la unión del mástil con el cuerpo se produce en el traste 19, y no en el 15 como en las guitarras de caja convencionales, facilitando el acceso a las notas más agudas. Durante los años 60 fué utilizada por muchos grandes de la música de los 60, entre ellos Carl Wilson de los Beach Boys, Eric Clapton (en los días finales de Cream, y durante algún tiempo con Blind Faith),y Justin Hayward de los Moody Blues.

La preferencia por este modelo sobre otras guitarras, la explica el propio Alvin Lee: “La 335 vino de Chuck Berry, de veras. Pero descubrí que si le dabas caña subiendo el volúmen la volvías incontrolable, y la Les Paul pesaba mucho, mientras que la Strat sonaba demasiado fino.”³
Al poco de adquirirla, Alvin Lee ya realizó algunas modificaciones importantes a su guitarra:

• Retiró las cubiertas cromadas de las pastillas humbuckers de serie, con la intención de obtener más pegada y agudos⁴.
• Le dió la vuelta a la pastilla del mástil, para ganar algo de brillo⁵.
• Instaló una tercera pastilla, de bobina simple, entre las dos humbuckers pero más próxima a la pastilla del puente. Con ello quería acercarse al sonido de una Fender Stratocaster. Alvin Lee afirmaba al respecto: “Me gustaba el sonido Fender y siempre pensé que sería genial tener una guitarra mitad y mitad, así que le puse la pastilla central de una Strat, que tiene un agradable sonido hueco”⁶
• Con bastante probabilidad, le añadió un vibrato Bigsby, aunque no abunda la información sobre Big Red con anterioridad a su aparición en Woodstock, por lo que es posible que la adquiriese ya con el citado mecanismo.
• Con el paso del tiempo, además, Lee fué adhiriendo pegatinas sobre Big Red, haciéndola inconfundible. Así, las pegatinas con el símbolo de la paz proceden de las actuaciones de Ten Years After en el Fillmore West de San Francisco en 1967, y durante el propio Festival de Woodstock Alvin recibió una pegatina con el logotipo del festival que colocó sobre Big Red.

Modificaciones posteriores a Woodstock

Con el paso de los años, Big Red ha ido experimentando sucesivas modificaciones respecto a la que podríamos llamar la “Configuración de Woodstock”:

• Retirada del Bigsby y sustitución por una pieza de cola standard, sin mecanismo de vibrato. En la actualidad Big Red lleva una pieza de cola Gibson TP-6 con ajuste fino de la afinación (“fine tuning”) que en combinación con una pieza de sujección de las cuerdas por encima de la ceja (“nut lock”) permite mantener mejor la guitarra afinada.
• Cambio de mástil. Esta modificación, realizada por la propia casa Gibson, se produjo a causa de la rotura del mástil en 1973, y ha dado lugar a confusiones. El mástil original de la ES-335 de 1959 llevaba sobre el diapasón marcadores tipo “dot” sencillos, simples puntos circulares. El nuevo mástil, en cambio, era un modelo de los años 60 con marcadores rectangulares, más vistosos, y lo que es más importante, con un perfil más delgado y por tanto más cómodo y más rápido. Al ser tan claramente diferentes los marcadores del diapasón de ambos mástiles, a menudo se han confundido con guitarras distintas.
• La incoporación de un quinto potenciómetro junto a los 4 de serie, un “blender” para mezclar el sonido de la pastilla central de bobinado simple con las humbuckers.
• Por supuesto, la adición de nuevas pegatinas . Cuando se reparó el mástil roto en 1973, la guitarra recibió una nueva capa de barniz, con lo cual las pegatinas quedaron permanentemente adheridas a la madera.

La reedición de Gibson

La custom shop de Gibson ha replicado Big Red, poniendo a la venta un modelo de ES-335 a imagen y semejanza de la guitarra de Alvin Lee, con las siguientes especificaciones:

• Tapa, fondo y aros de madera laminada de arce
• Mástil de 1960 de una pieza de caoba con “long tenon”
• Diapasón de palisandro con binding
• Acabado negro en la parte trasera del mástil.
• Pastillas ’57 Classic humbuckers sin cubierta en el puente y el mástil.
• Pastilla de bobinado simple Seymour Duncan en la posición central.
• Binding en la tapa y el fondo.
• Pegatinas de Alvin Lee sobre el acabado.
• Partes metálicas cromadas.
• Clavijas de afinación en forma de riñón.
• Puente ABR-1.
• Pieza de cola TP-6.
• Escala de 24-3/4″
• Anchura en la ceja de 1-11/16″.

Notas:

1. Grimshaw era un fabricante británico, sus guitarras, casi olvidadas hoy día, tuvieron propietarios ilustres como Pete Townsend de los Who, Francis Rossi de Status Quo, el músico de estudio Joe Moretti o el solista de inicios de la década Joe Brown
2. Datos extraidos de la Web Oficial de Alvin Lee
3. The 335 came from Chuck Berry, really. But I found that if you cranked the 335 up loud you just made it uncontrollable, and the Les Paul was too heavy, while the Strat was too thin sounding. Extraido de esta Web sobre Alvin Lee
4. “kick and top end”, Extraido de Web sobre Alvin Lee
5. “extra bite”
6. I liked de Fender sound and always thought it would be great to have a half-and-half guitar, so eventually I put in a middle Strat pickup, which has a nice hollow sound. Extraido de Web sobre Alvin Lee

Farfisa

A lo largo de la década de los años 60, el fabricante italiano Farfisa fué junto a los ingleses Vox y Hammond, uno de los principales proveedores de instrumentos de teclado para los grupos de música pop y rock de la época. Los Farfisa, fabricados con primitivos transistores, se caracterizaban por su precio asequible y su (relativa) portabilidad, aunque la variedad de modelos existente incluía posibilidades para todos los gustos.

Estos instrumentos fueron exportados a Gran Bretaña y Estados Unidos, y numerosos músicos los adoptaron: Los estadounidenses Sam The Sham & The Pharaohs, por ejemplo, ya lo utilizaron en su éxito de 1965 Wooly Bully. Otro teclista ilustre, el músico de estudio Spooner Oldham, utilizará un Farfisa en clásicos como When A Man Loves A Woman, de Percy Sledge, o I Never Loved A Man (The Way I Love You) de Aretha Franklin.

En el caso de Rick Wright, su primer órgano fué un Farfisa Combo Compact, un modelo portátil de un solo teclado y cuatro octavas que le permitió dejar de depender de la existencia de un piano en las salas donde actuaban. Wright utilizará el Combo Compact a partir de 1965 con las formaciones pre – Pink Floyd, como Sigma Six, Screaming Abdabs, T-Set y Pink Floyd Sound.

Farfisa Compact Duo

A finales de 1966 o principios de 1967, Wright adquirió el que sería su Farfisa definitivo durante los primeros años de Pink Floyd, un Compact Duo de dos teclados.

Las características de este modelo eran las siguientes:

• Carcasa de tolex gris y negra.
• Teclado superior de cuatro octavas con 9 selectores: Bajo 16′, Cuerdas; Flauta 8′, Oboe, Trompeta, Cuerdas; Flauta 4′, Cuerdas; 2-2/3′ (Flauta), Brillo.
• Teclado inferior de cuatro octavas con 3 selectores: Dolce, Principale, Ottavo.
• Dos octavas inferiores en la parte para la mano izquierda del teclado inferior. un conjunto de octavas podía controlarse mediante un interruptor para elegir un sonido grave o agudo.
• 4 Ajustes de vibrato.
• 3 ajustes de reverberación.
• Multi-Tone Booster (potenciador de tono múltiple)
• Pedal Swell (expresión) + control con la rodilla para el Multi-Tone Booster.
• Control de Volumen de los bajos, sustain, agudo y percusión.
• Salida de bajos de 1/4″.
• Control de volumen del teclado inferior.
• Control de brillo que solo funciona con el selector de 2-2/3′ (Flauta).
• Algunos modelos, probablemente el de Rick Wright entre ellos, incluían funciones de repetición, tremolo y percusión para cada uno de los dos teclados separadamente.
• Fuente de alimentación / preamplificador de transistores / unidad de reverberación de muelles independiente (también llamada Farfisa F / AR)

Llama la atención especialmente como las teclas de las dos octavas más graves del teclado inferior son de color distinto (negro la primera, gris la segunda). Ello se debía a la posibilidad de seleccionar sonidos y funciones diferenciadas para cada una de estas secciones del teclado inferior.

En directo y en el estudio

Para completar su sonido característico, Wright solía añadir al Farfisa una unidad de eco, concretamente una Binson Echorec que siempre le acompañaba tanto en directo como en el estudio. En el caso de las actuaciones en directo, el equipo del teclista de Pink Floyd se completaba con otro peculiar dispositivo: el Azimuth Coordinator, cuya función consistía en “panear” por medio de una palanca la salida sonora del instrumento por toda la sala donde estuvieran actuando. Imaginemos las posibilidades psicodélicas de dicho dispositivo en manos de Richard Wright …

El Farfisa Compact Duo será el único teclado llevado de gira por Wright entre 1967 y 1969, y en directo solo utilizaba otro instrumento (complementariamente) en caso de que existiera un piano acústico en la sala. Será ya en 1970 cuando un Hammond M-102 comience a acompañar al Farfisa en las actuaciones en directo. En 1975, el Farfisa Compact Duo aparecerá por última vez en directo en la actuación realizada el 5 de julio en Knebworth. A partir de entonces, el Farfisa dejará de acompañar a Pink Floyd en las giras. En la imagen de la derecha podemos ver el Farfisa en segundo plano, con el eco Binson sobre él, mientras Wright toca un Hammond.

En cuanto a su uso en el estudio, y ante las posibilidades mucho mayores de utilizar otro instrumento durante las grabaciones, el Farfisa no gozó de una supremacía equivalente a la que disfrutaba en directo. Así, en las grabaciones iniciales del grupo el Farfisa comparte protagonismo con otros teclados (pianos acústicos y eléctricos, órganos varios, primitivos sintetizadores a comienzos de los 70, e incluso un melotrón). Pero no por ello dejaba de ser indispensable en la música de Pink Floyd, de la que formará parte hasta la grabación de Dark Side of the Moon (1972).

Pero el veterano Farfisa Compact Duo no podía acabar sus días olvidado: en 1994, sus sonidos fueron sampleados para incorporarlos a los sintetizadores Kurzweil propiedad de Wright. Finalmente, el Farfisa reaparecerá también en directo en 2006, cuando Richard Wright forme parte de la banda de David Gilmour, su ex – compañero de Pink Floyd.

Desde finales de 1965 hasta mediados de 1967, el grupo de Spencer Davis tuvo varios éxitos importantes en las listas, especialmente Keep On Running (nº 1 a principios de 1966), así como Somebody Help Me y When I Come Home (ver artículo Spencer Davis Group – Autumn ’66 (1966) : La Evolución de Steve Winwood).

Aunque el joven Steve Winwood (18 años en 1966) acaparaba casi toda la atención, el fundador del grupo, Spencer Davis, ocupaba generalmente el centro del escenario.

Durante estos primeros años de fama, Davis utilizaba un instrumento inconfundible: una guitarra Harmony H49 Stratotone Jupiter.

Harmony, fabricante de guitarras y bajos

La compañía Harmony era uno de las más antiguos fabricantes de instrumentos musicales de Estados Unidos. Fundada en 1892, había llegado a ser el mayor fabricante de guitarras del país en los años 40, produciendo la mitad de los instrumentos que llegaban a las tiendas en 1941. Sin alcanzar los niveles de exquisitez de Gibson o de funcionalidad de Fender, sin tener la personalidad de Gretsch o Rickenbacker, las guitarras Harmony tenían la cualidad de ser realmente asequibles, lo que motivó que muchos grandes músicos de los años 60 tuvieran una guitarra o bajo Harmony en los inicios de su carrera. Es el caso de Dave Davies de los Kinks , que fué propietario de una guitarra de caja Harmony Meteor ; Ronnie Lane de los Small Faces y  Muff Winwood que poseyeron bajos Harmony H22, o Brian Jones de los Rolling Stones , que tuvo una H45 Stratotone Mars.

H49 Stratotone Jupiter

En el caso de Spencer Davis , su modelo de Harmony era de la gama alta de la casa. La familia de guitarras Stratotone  incluía varios modelos (Mars, Mercury, Jupiter). El creador de La Bamba Ritchie Valens , por ejemplo, solía utilizar una Harmony H44 Stratotone de una sola pastilla.

La H49 Stratotone Jupiter, cuya producción se inició en 1958, era un instrumento peculiar, y pretendía alcanzar los niveles de calidad de Gibson o Fender. Como puede apreciarse, la forma del cuerpo era similar a la de una Gibson Les Paul, pero ahí acababan las similitudes: frente al cuerpo sólido de caoba con tapa de arce de la Les Paul, la Harmony H49 tenía la caja hueca, su fondo y laterales eran de madera de arce, y la tapa de abeto. Además, frente a la tapa arqueada de la Les Paul, la tapa de la H49 era plana, característica poco frecuente en una guitarra eléctrica de caja hueca.

Otra peculiaridad era que la parte trasera de la guitarra llevaba un vistoso acabado sunburst, mientras que la tapa delantera era de color madera natural. En cuanto al golpeador, el mismo era de tortuga, color marrón, y el mismo material adornaba el contorno de las pastillas, dándole una apariencia más vistosa.

La electrónica de la Jupiter también pretendía destacar: las dos pastillas (diseñadas por DeArmond y fabricadas por Industrias Rowe, al igual que las utilizadas por los fabricantes de guitarras Gretsch y Guild) se manejaban con 6 controles: 1 selector de pastilla de tres posiciones, y cinco potenciómetros giratorios: dos controles de volumen y dos de tono (uno por pastilla) y un “blender” (mezclador). Según un catálogo de 1962, con ello se conseguían “¡Variaciones de tono practicamente ilimitadas, con técnica simplificada!”¹

Sin embargo, todos estos detalles lujosos contrastaban con otros elementos más propios de guitarras económicas:

• El cordal era un simple trapecio, funcional pero poco vistoso.
• Las clavijas de afinación iban destapadas.
• El puente no permitía ajustar individualmente la entonación de cada cuerda.

En cuanto al sonido, sin duda es 100% años 60, muy apropiado para la música del Spencer Davis Group, como puede apreciarse en los éxitos  de 1965 y 1966 Keep On Running , Somebody Help Me y When I Come Home . La guitarra rítimica de Spencer Davis puede distinguirse fácilmente de la guitarra solista de Steve Winwood por su manera de tocar: golpes secos de arriba abajo, a menudo a ritmo con la caja.

Las guitarras Harmony, tan extendidas en los años 50 y 60, y con las que se iniciaron en la música muchos jóvenes de su época, desaparecieron en 1975, al cerrar la empresa que las producía. Sin embargo, en el año 2008 volvieron a fabricarse algunos de los modelos emblemáticos de la casa, entre ellos la H49 Stratotone Jupiter, cuyas características pueden examinarse en este enlace de Harmony Guitars .

Notas:

1. “Practically unlimited variations of tone, with simplified technique !”, extraido de Harmony Database

Antes de comprar la Futurama, George Harrison había utilizado una Hofner Club 40, una guitarra de aspecto semejante a la Gibson Les Paul, aunque semi sólida y sin agujeros en efe. Pero la guitarra que Harrison deseaba en aquel momento era una Fender Stratocaster como la que tocaba su ídolo Buddy Holly. Adquirir una Fender en 1959 en Gran Bretaña, sin embargo, era caro, y difícil (encontrar una era la primera dificultad, pues había que encargarla, y tardaba meses en llegar desde EEUU). De modo que, el 20 de noviembre de 1959, cuando Paul McCartney y George Harrison se presentraron en la tienda de instrumentos de Frank Hessy en Liverpool, lo más parecido a una Stratocaster era la Resonet Grazioso. Más adelante la empresa británica Selmer, importadora de las Resonet, las comercializará bajo el nombre “Futurama”, mucho más atractivo y pegadizo que “Resonet” o “Grazioso”. Por este motivo, la Grazioso de George Harrison se suele conocer como “Resonet Futurama”, o simplemente “Futurama”.

Características y especificaciones

Las Resonet Grazioso empezaron a importarse a Gran Bretaña por Selmer hacía 1957 o 1958. Llevaban fabricandose desde 1955 en Blatn, Checoslovaquia, por la cooperativa Drevokov, y su diseño se debía al Sr. Ruzicka, quien se había inspirado en una Fender Stratocaster auténtica importada desde Estados Unidos. Sin embargo, Ruzicka no se había limitado a imitar la Fender, sino que había introducido algunas novedades.

Las características del instrumento inspiradas en la Stratocaster eran las siguientes:

• Contaba con tres pastillas de bobinado simple.
• La forma del cuerpo también se asemejaba al modelo de Fender, aunque menos estilizada, y sus dos cutaways eran menos pronunciados.
• El conector metálico para el cable de jack se situaba inclinado sobre una hendidura en el cuerpo.
• El puente y la palanca de vibrato eran cláramente deudores del modelo de Fender, con sus caballetes individuales para cada cuerda y los muelles en la parte trasera del cuerpo de la guitarra.

En cuanto a las diferencias más significativas con la Fender, estas eran:

• En vez de un selector de pastilla mediante una palanca, la Grazioso contaba con 3 enormes interruptores que activaban cada pastilla individualmente, lo que permitía 7 combinaciones distintas. Obviamente, también permitía desactivar las tres pastillas a la vez, lo que, como veremos más adelante, produjo un pequeño accidente cuando Paul y George probaron la guitarra en la tienda de instrumentos.
• El clavijero estaba formado por dos pares de tres clavijas, a diferencia de las 6 clavijas en fila de la Stratocaster.
• Frente a los tres potenciómetros de la Strato, la Resonet tenía solo dos, volumen y tono.
• El golpeador, de color blanco, ocupaba casi toda la superficie del cuerpo.

En cuanto al material, se fabricaban en madera de arce o de haya, con cuerpo, mástil y diapasón del mismo material. Más adelante, y para imitar los diapasones de palisandro de otras marcas, se comenzó a teñir de marrón oscuro el diapason, aunque el material seguía siendo el mismo. Según la publicidad de Selmer, estaba fabricada con “las mejores maderas seleccionadas” y era “prácticamente indestructible”.

En los primeros instrumentos importados a Gran Bretaña, entre ellos el adquirido por Harrison, en la parte superior izquierda del golpeador figuraba el logotipo en relieve de la marca, “Resonet”. En los instrumentos importados con posterioridad, esto se sustituirá por “Futurama”.

La adquisición de la Resonet Futurama

Pero sigamos donde lo habíamos dejado. Como contaba el propio George Harrison: “Paul vino conmigo cuando compré la Futurama. Estaba colgada en la pared con todas las otras guitarras, y Paul la enchufó al amplificador, pero no sonaba, así que subió el volumen a tope. La guitarra tenía tres interruptores, y yo pulsé uno y se oyó un enorme “boom” desde el amplificador, y todas las otras guitarras se cayeron de la pared”¹. Al pulsar el interruptor, se activó una de las pastillas, y al estar el volúmen del amplificador al máximo, os podeis imaginar el trueno que debió escucharse …

El instrumento, de todos modos no era barato en absoluto, pues costaba 55 guineas, una cantidad importante para un adolescente de 16 años, y fué la madre de George Harrison la que firmó la compra a plazos. Más adelante será Brian Epstein, manager de los Beatles, quien termine de pagarla.

Y tampoco era cómoda de tocar, pues según el propio Harrison “it was a dog to play”, lo cual podría traducirse como que “era un penco a la hora de tocar”. En una entrevista en la revista Guitar Player en 1987, el guitarrista de los Beatles afirmaba, además de lo anterior, que “Tenía el peor ajuste de la altura de las cuerdas. Sin embargo, tenía un gran sonido, y un modo realmente bueno de seleccionar las tres pastillas en todas las combinaciones”²

El sonido de la Resonet se puede escuchar en la grabación de Cry for a Shadow, realizada por los Beatles para Bert Kaempfert en Hamburgo en Junio de 1961, durante la segunda visita a Alemania de los de Liverpool.

Poco después de regresar de este segundo viaje a Hamburgo, George adquirió de segunda mano una Gretsch Duo Jet, una guitarra muy superior, por lo que la Resonet Futurama pasó a segundo plano, aunque no se desprendió de ella inmediatamente. Con la ascensión a la fama de los Beatles durante 1963, la colección de guitarras de George Harrison comenzará a crecer durante los meses siguientes (especialmente modelos de marca Gretsch).

Será en 1964 cuando la Futurama se separe definitivamente del guitarra solista de los Beatles, al ser entregada por este a la revista Beat Instrumental para ser sorteada entre los lectores. Cabe deducir fácilmente que Harrison entregó la guitarra que menos pena le daba perder. En cualquier caso, el director de la revista, Sean O’Mahoney, con bastante buena perspectiva de futuro, le compró la guitarra al ganador de la rifa. Hoy en día, aún la conserva y su valor actual, como puede imaginarse, es muy superior a la cantidad que en su día pagó al “afortunado” ganador del sorteo.

Notas:

1. Paul came with me when I bought the Futurama. It was on the wall with all the other guitars, and Paul plugged it into the amp but he couldn’t get any sound out of it, so he turned the sound right up. The guitar had three rocker switches, and I just hit one and there was an almighty boom through the amplifier, and all the other guitars fell off the wall. Extraido de Las Guitarras de George Harrison
2. It had the worst action. It had a great sound, though, and a real good way of switching in the three pickups and all the combinations

En 1957, siendo Ted McCarty presidente de Gibson, el dominio del mercado de guitarras eléctricas de cuerpo sólido lo tenía Fender, con sus modelos Telecaster y Stratocaster. La Gibson Les Paul no acababa de despegar en ventas (ver artículo Gibson Les Paul Standard : Eric Clapton y la Revolución del Blues Eléctrico), por lo que se hacía preciso diseñar nuevas guitarras eléctricas que pudieran competir con Fender. Para los nuevos modelos se puso especial énfasis en el diseño vanguardista. Los tres modelos diseñados fueron la Flying V, la Explorer (inicialmente denominada Futura) y la Moderne, aunque solo las dos primeras se comercializarán en 1958.

Inicialmente, la Flying V había sido diseñada en madera de caoba y con la parte trasera redondeada, pero el peso resultaba excesivo, por lo que la parte trasera quedó plana en el diseño definitivo. Así mismo, en vez de caoba se utilizó madera de korina (limba africana), cuyas propiedades sonoras eran similares a las de la caoba. Otro de los elementos característicos de la Flying V de 1958 era que las cuerdas atravesaban el cuerpo del instrumento, emergiendo de una placa en forma de V invertida antes de apoyarse en el puente, de tipo tune-o-matic. Contaba también con diapasón de palisandro brasileño, long tenon, dos humbuckers “PAF”, clavijas Kluson con asidero de plástico, dos controles de volumen y uno de tono.¹

Lonnie Mack, Albert King

El primer guitarrista de cierto renombre en adquirir una Gibson Flying V fué Lonnie Mack, quien ya en 1958 adquirió una, pues le recordaba la forma de una flecha y de ese modo hacía honor a su ascendencia india. Mack pidió su Flying V al verla en el catálogo de Gibson, y según le dijeron, la suya era la nº 7 de las producidas hasta entonces. Sin embargo, la carrera de Mack no arrancará hasta mediados de los años 60, siendo mientras tanto músico de estudio, y sin obtener tampoco un éxito multitudinario, por lo que la Flying V tendrá que esperar unos años más para salir a la primera fila de la música pop.

Albert King, por su parte, era toda una figura del Blues, pero como Mack, desconocido del gran público. King puso a su Flying V de 1958 el nombre de “Lucy”, y siendo zurdo, la tocaba del revés, pero con las cuerdas colocadas para diestros: es decir, con el bordón abajo y la prima arriba. No será hasta finales de los 60 cuando la popularidad de King aumente entre el público blanco, especialmente a causa de su influencia sobre guitarristas como Eric Clapton.

Dave Davies de los Kinks

El verdadero salto a la primera fila del pop para la Flying V se produce en 1965 de la mano de Dave Davies, guitarrista de los Kinks y responsable de algunos riffs memorables, como el de You Really Got Me (Ver artículo Kinks – Kinks (1964) : El Rhythm’n'Blues Según Ray Davies).

Durante la primera gira americana de los Kinks, en 1965, Dave viajaba con una sola guitarra, una Guild hecha a medida. Cuando el grupo viajaba a Los Angeles para aparecer en el programa televisivo Shindig, la aerolínea extravió su guitarra, de modo que Dave se vió obligado a adquirir una nueva en Los Angeles. Como el propio Davies cuenta en su web: “Entré en una tienda y no tenían nada que me gustara. Ví un estuche viejo y polvoriento y dije: ¿Que tienes ahí? Me dijo:”Oh, no es más que una ridícula guitarra vieja”. La sacó y la compré por unos 60$”.²

Lo que Dave Davies no sabía en aquel momento es que en realidad estaba adquiriendo un prototipo de la Flying V, con el cuerpo ligeramente diferente y más pesada que los modelos de producción. Aquel prototipo, en una práctica común de Gibson en la época, había sido puesto en circulación, y había permanecido sin venderse durante años.

Davies utilizará la Flying V como su instrumento principal hasta finales de la década. Con ella aparece en numerosas actuaciones televisivas, y en la portada del álbum The Kinks Live At Kelvin Hall (1967).

Jimi Hendrix y la reedición de 1967

En 1966, los directivos de Gibson pensaron que, al igual que había ocurrido con la Les Paul que había triunfado años después de dejar de fabricarse, quizá fuera el momento idóneo para la V voladora. Con algunas diferencias de diseño, en 1967 comenzó a comercializarse la primera reedición de la Flying V:

• Se sustituyó el golpeador original del modelo de 1958 por uno más ancho, que se extendía a ambos lados de las pastillas.
• En vez de atravesar el cuerpo, las cuerdas se sujetaban a una vibrola o a una pieza de cola tipo Les Paul.
• A diferencia del modelo de 1958, en el que la salida de jack figuraba en el extremo inferior derecho de la V, sobre una pieza de plástico encajada en la madera, en la reedición del 67 la conexión se trasladó al golpeador.
• El material del cuerpo cambió de korina a caoba.
• Los tres potenciómetros de volumen y tono pasaron de estar en fila a disponerse formando un triángulo.

Jimi Hendrix, aunque más conocido por su uso de guitarras Fender Stratocaster, tuvo en su poder 3 ejemplares de este modelo:

• Ya en 1967, el primer año de su merecido triunfo en las listas, Hendrix adquirió una Gibson Flying V nueva de color negro, la cual decoró con figuras psicodélicas (ver imagen de  la derecha).
• En 1969 adquirió una segunda, regalando la primera a Mick Cox. Este segundo modelo, también una reedición de 1967, era de color sunburst marrón.
• También en 1969, Hendrix encargó a Gibson que le fabricara una Flying V a medida. Se trataba de un modelo para zurdos con algunas pecularidades como la incrustación del logo de Gibson en madreperla en la pala y los inlays con forma de diamante partido en el diapasón. La recibió en mayo de 1970, pocos meses antes de morir, y con ella actuó en el Festival de la Isla de Wight.

Los tres modelos de Jimi Hendrix se pueden admirar en esta web dedicada a la Gibson Flying V

Notas:

1. Las especificaciones se han extraido de flyingvintage.com
2. I went into a store and they didn’t have anything I liked. I saw this dusty old guitar case and I said ‘What have you got in there?’ he said ‘Oh, that’s just some silly old guitar.’ He got it out and I bought it for about $60. Extraido de la Web de Dave Davies

Ese sonido suave, dulce y expresivo procedía de una guitarra relativamente modesta, una Epiphone FT-79N “Texan” adquirida por McCartney en diciembre de 1964. Este ejemplar fue fabricado en la factoría de Gibson en Kalamazoo, de la cual salió el 23 de mayo de 1964, con número de serie 194959. El precio de lista de la Epiphone Texan en aquella época era de 175 $, sin incluir estuche.

En el libro sobre los Beatles Anthology, Paul afirmaba que, aún cuando habían alcanzado la fama y podían permitirse adquirir instrumentos caros, los tiempos difíciles no se olvidaban fácilmente, y algo en su interior le hacía pensar que no podía permitirse comprar, por ejemplo, una Fender. Por este motivo, durante mucho tiempo McCartney utiliizó “freebies” (instrumentos regalados, como el bajo Rickenbacker 4001) o instrumentos de reducido coste, como su famoso bajo Hofner 500/1 o las guitarras Epiphone. Así, por ejemplo, también se debió a Paul la adquisición en esta misma época de 3 ejemplares de guitarra semi-caja Epiphone Casino, una para él mismo y otras dos para los guitarristas de los Beatles, John Lennon y George Harrison.
La Epiphone Texan aparece en numerosas grabaciones de los Beatles entre 1965 y 1967, y es la guitarra acústica utilizada por Paul en las sesiones de grabación desde Help! en 1965 hasta Magical Mistery Tour en 1967, figurando en clásicos como I’ve Just Seen A Face, Michelle, Here There and Everywhere, Yellow Submarine, o The Fool On The Hill.

Yesterday

Paul McCartney había comenzado a escribir Yesterday a principios de 1964, cuando se despertó en medio de la noche con la melodía en la cabeza. Durante mucho tiempo la canción estuvo incompleta, sin letra y sin nombre. Su título provisional era “Scrambled Eggs” (huevos revueltos) y los demás miembros de los Beatles solían bromear con el empeño que McCartney ponía en su composición, entusiasmo que no compartían debido a que consideraban la melodía demasiado blanda, alejada del estilo más rockero del cuarteto. Paul finalizó de escribir la canción en mayo de 1965, justo a tiempo para incluirla en las sesiones de grabación del álbum Help!, que llevaban en marcha desde febrero y que finalizarían, precisamente, con la grabación de Yesterday.

Pero la participación de los demás Beatles en Yesterday resultó infructuosa, quizá debido a la aversión que aquellos habían desarrollado a causa de la insistencia de McCartney y la diferencia de estilo musical con el repertorio del grupo. Tras intentar sin éxito un arreglo en el que intervinieran otros componentes, el productor George Martin sugirió que McCartney grabara en solitario con su guitarra acústica y un cuarteto de cuerda.

El 14 de junio de 1965, Paul grabó dos tomas de Yesterday cantando a la vez que tocaba la Epiphone Texan, sin más instrumentos. La segunda toma fue la buena. Posteriormente, Paul McCartney y George Martin escribir¡eron un acompañamiento para cuarteto de cuerda que se grabaría por músicos de estudio el 17 de junio. Paul aprovecharía para grabar de nuevo la voz solista. El clásico estaba completo: el éxito posterior sería abrumador, con incontables versiones y ventas millonarias del single en Estados Unidos. Sin embargo, John Lennon, George Harrison y Ringo Starr vetaron la publicación del single en Gran Bretaña, pues seguían considerando Yesterday poco representativa del estilo de los Beatles.

Fingerpicking, tocando con los dedos

En la interpretación de Yesterday podemos apreciar, especialmente, el estilo de “fingerpicking” de Paul McCartney: mientras con el dedo pulgar pulsa una cuerda grave, con los dedos índice y medio pellizca o rasga las cuerdas agudas, logrando un arreglo sencillo pero no monótono. En el caso de las notas graves, puede escucharse como en ocasiones, al pulsar fuertemente con el pulgar, la cuerda produce un sonido de “slap” o rebote, al golpear contra el diapasón, enturbiando las notas, pero añadiendo cierta dinámica a la interpretación.

Este estilo de tocar puede observarse en el vídeo de la intervención de los Beatles en el Ed Sullivan Show el 12 de septiembre de 1965, cuando Paul interpreta Yesterday solo, con la Epiphone Texan. Mientras su antebrazo permanece inmóvil sobre la caja de la guitarra, su muñeca y sus dedos se mueven ágilmente arriba y abajo para pulsar las cuerdas.

Tras intervenir en otros muchos clásicos, la Epiphone Texan pasó a segundo plano a mediados de 1968, cuando fué sustituida por una Martin D-28 similar a la adquirida por John Lennon un año antes. En las sesiones de grabación del álbum The Beatles (más conocido como doble blanco), serán las Martin D-28 las que aporten los sonidos acústicos junto con las Gibson J-160E y J-200 de Lennon y Harrison. Frente al tono frágil, dulce y casi “amateur” de la Epiphone Texan, la Martin D-18 traerá un sonido rotundo, sólido, con cuerpo: un timbre completamente diferente, y que puede apreciarse, por ejemplo, en Blackbird (1968), también interpretada en solitario por Paul McCartney.

Especificaciones

En 2006, Gibson (propietaria de Epiphone desde 1957) lanzó, en colaboración con el propio Paul McCartney, una reedición de la Epiphone Texan del ex-Beatle respetando hasta el más mínimo detalle del instrumento, lo que nos permite conocer cuales fueron las especificaciones originales:

• Tapa sólida de madera de abeto.
• Aros y fondo de caoba.
• Mástil de caoba en forma de “C”.
• Clavijas de afinación Kluson con asidero de plástico.
• Acabado en color madera natural, lacado.
• Talón del mástil con forma de cola de paloma aplanada.
• Diapasón de palisandro.
• Puente ajustable en altura mediante tornillos.
• Escala de 25,5″ (648 mm)
• Anchura del mástil en la ceja de 1,68″ (43 mm)
• Incrustaciones de madreperla en el diapasón, con forma de paralelogramo inclinado e incrustación tipo “Dot” en la pala.
• Marcadores con forma de punto en el borde del diapasón.
• Incrustación de madreperla en la pala, con el antiguo logo de Epiphone.
• Golpeador de caparazón de tortuga con logo “E” de Epiphone.
• Partes metálicas de níquel.¹

Notas:

1. Las especificaciones completas, en inglés, se pueden consultar en la Web de Epiphone