Surgidos durante el apogeo del Folk – Rock en 1965, los Youngbloods iniciarán su carrera discográfica en 1967. Durante los años 60 publicarán tres interesantes álbumes repletos de buenas canciones y muy variadas influencias que incluyen el Folk, Bluegrass, Country, Blues, Rock’n'Roll, Jazz, Psicodelia y la música de Jug Band.
Su único éxito comercial importante fué el single Get Together, grabado en 1967 y que triunfará en 1969, convirtiéndose con el paso de los años en un himno hippy. Pero su mejor obra es el álbum Elephant Mountain (1969), uno de los grandes tesoros perdidos de la música de los años 60.

Jesse Colin Young

El neoyorquino Perry Miller quería ir a la Universidad y ser escritor, pero la música Folk hizo que sus planes cambiaran a principios de los años 60. Abandonó la Universidad, adoptó el nombre de Jesse Colin Young y comenzó a frecuentar los clubes del Greenwich Village, donde cantaba y tocaba la guitarra. Su voz suave, agradable y su modo de cantar sincero y emotivo pronto le valieron un contrato discográfico como solista con Capitol.

Su primer álbum, el completamente acústico The Soul of a City Boy (1964), no alcanzará el éxito pese al personal estilo de Young y a contener buenas canciones como Four in The Morning.

Tras abandonar Capitol, Young ficha por Mercury, publicando su segundo álbum Youngblood (1965), en esta ocasión acompañado por otros músicos como Pete Childs y John Sebastian, aunque de nuevo sin éxito.

Los Youngbloods

En 1965, Young conoce a Jerry Corbitt, un Folk -singer con antecedentes en el bluegrass procedente de Cambridge (Massachussets), y se inicia entre ambos la colaboración que desembocará en la formación de los Youngbloods.

En el verano de 1965, en plena explosión del Folk – Rock e influidos por los Lovin’ Spoonful (con los que comparten la afición por la música de Jug Band), Young y Corbitt deciden electrificarse e incorporar a su proyecto nuevos músicos. También de Cambridge era el extravagante Lowell Levinger III, más conocido como Banana, otro ex-folkie que dejará el banjo y la mandolina para tocar la guitarra eléctrica y los teclados con Young y Corbitt. El grupo se completa con el batería Joe Bauer, procedente del Jazz. Al no encontrar ningún bajista adecuado para el grupo, el propio Jesse Colin Young tocará el bajo durante los primeros años, manteniéndose Jerry Corbitt como guitarrista.

Los Youngbloods pronto destacan en la naciente escena del Folk – Rock neoyorquino, y en 1966 tocan en los principales clubes de la ciudad: Gaslight, Gerde’s Folk City, y el Cafe Au Go Go, en el que se convierten en la banda residente.

Las discográficas comienzan a rondarles, especialmente Elektra, pero el contrato previo de Young con Mercury reserva a esta un derecho de opción sobre el grupo. Tras evaluar una maqueta grabada para la ocasión, Mercury (sorprendentemente) rechaza a los Youngbloods, quedando Jesse libre por fin para firmar con quien desee.

Los Youngbloods firmarán contrato finalmente con RCA, en una decisión equivocada que condicionará la carrera del grupo. Como explica Jesse Colin Young: “No es que nadie en RCA fuera malo de verdad ni nada de eso: es que todos parecían estúpidos. Nunca supieron que hacer con nosotros, y trataron de convertirnos en un grupo bubblegum… nunca supieron lo que éramos, y nunca supieron como comercializarnos”.¹

Get Together

Pese a la falta de sintonía entre grupo y discográfica, el primer álbum, titulado simplemente The Youngbloods (1967) resultará realmente prometedor. Producido por Felix Pappalardi (más tarde productor de Cream y miembro de Mountain), el disco refleja una cierta falta de dirección que se compensa con una gran variedad, buenas canciones y grandes interpretaciones. Esto se refleja en la diversidad de estilos musicales contenidos en el álbum, que van del Folk al Rock’n'Roll, pasando por el Blues e incluso por el Pop más comercial.

Pero si la mezcla de estilos daba lugar a un interesante eclecticismo en grupos como los Lovin’ Spoonful, en el caso que nos ocupa el resultado es un álbum algo inconexo y heterogéneo, aunque con grandes canciones. De todas ellas destacan Four in The Morning (rescatada del álbum en solitario de Jesse The Soul of a City Boy), Other Side of this Life (de Fred Neil) y, sobre todo, Get Together.

Get Together fué compuesta por Dino Valenti² y grabada por el grupo de Folk Kingston Trio en 1964. Una versión Folk – Rock había aparecido en el álbum inicial de Jefferson Airplane, Takes Off (1966). Los Youngbloods graban la versión definitiva, con tempo lento, atmósfera ligeramente psicodélica, y la relajante y emotiva voz de Jesse Colin Young.

Pero ni el single previo al álbum, la canción de Corbitt Grizzly Bear, ni Get Together consiguen pasar de la mitad de la tabla en las listas de éxitos. Habrá que esperar a 1969 para que esta última triunfe al lograr una nueva e inesperada difusión.

Earth Music y Elephant Mountain

1968 verá la publicación del segundo álbum del grupo, Earth Music, que repite la misma fórmula con similares resultados: buenas canciones, estupendas interpretaciones, pero falta de dirección musical, agravada por la dependencia material ajeno y el no bien casado contraste entre las canciones de Jerry Corbitt y las de Jesse Colin Young. El álbum de nuevo se salva por algunas grandes canciones como Euphoria, All My Dreams Blue o Sugar Babe.

Tras Earth Music ocurrirán dos hechos fundamentales para la carrera del grupo: el abandono de Jerry Corbitt, y el traslado de los Youngbloods a la costa oeste, que se instalarán en California.

El cambio de aires y la reducción del grupo a trío parecen favorecer la creatividad de Jesse Colin Young y los Youngbloods. Así, el primero compondrá la mayoría de las canciones de su siguiente álbum, y el grupo comienza a experimentar con largas jams instrumentales en las que Banana se revela como un excelente instrumentista. De todo ello queda constancia en el álbum Elephant Mountain (1969), con grandes canciones como Darkness, Darkness, Sunlight o la atmosférica Ride The Wind.

Comercialmente, Elephant Mountain se beneficiará además del inesperado éxito de Get Together, que resurge al ser utilizada como sintonía de una campaña de anuncios televisivos y radiofónicos del Consejo Nacional de Cristianos y Judíos. Reeditada en single por RCA, Get Together alcanza el nº 5 en el Billboard en 1969.

Los Youngbloods en los años 70

En la cumbre del éxito expira el contrato con RCA y los Youngbloods, esperando alcanzar mayor libertad artística, firman con Warner Brothers, que pone a su disposición un sello especial, Raccoon Records. La incorporación al grupo de un bajista (Michael Kane) dá también mayor libertad como cantante a Young.

Sin embargo, los álbumes siguientes no lograrán alcanzar el nivel de la obra del grupo en los años 60. Así, Rock Festival (1970), Good and Dusty (1971) o High on a Ridgetop (1972) contienen algunas buenas canciones, pero en general resultan decepcionantes.

Tras la separación del grupo, Jesse Colin Young tendrá cierto éxito como solista con álbumes como Together (1972), Song For Juli (1973), Lightshine (1974) o Songbird (1975) entre otros.

Notas:

1. “Nobody at [RCA] was really mean or anything; everybody was just kind of stupid. They never knew what to make of us, and tried to set us up as a bubblegum act… they never knew what we were, and never knew how to merchandise us. Extraido de Artículo sobre los Youngbloods en la Wikipedia
2. Ya hablamos en su día de Dino Valenti y su papel en la difusión de Hey Joe en el artículo Jimi Hendrix – Hey Joe (1966) : Un Clásico Interpretado Por Una Leyenda

La banda del teclista y saxofonista británico Graham Bond nunca obtuvo un éxito comercial que le permitiera desarrollar una carrera musical estable, pese a ser una figura decisiva en la difusión del Rhythm’n'Blues en Gran Bretaña a principios de los años 60, y auténtico precursor del Jazz – Rock y del Rock Progresivo.

En contraste, la crítica lo respetaba, y músicos como Elton John, Keith Emerson o Tony Kaye (del grupo Yes) lo citaron expresamente como una influencia importante. Entre sus méritos se encontraba ser uno de los primeros teclistas en utilizar el órgano Hammond en el Rhythm’n'Blues, y el primero en utilizar el melotrón en la música pop. Su talla artística queda así mismo patente por el enorme nivel de los músicos que formaron parte de su banda a lo largo de los años: John McLaughlin, Jack Bruce, Ginger Baker, Dick Heckstall-Smith, Jon Hiseman.

Del Jazz al Rhythm’n'Blues: Del Don Rendell Quintet al Graham Bond Quartet

A principios de los años 60, Graham Bond tocaba el saxofón alto en grupos de Jazz como el Don Rendell Quintet. En 1962, todavía como saxofonista, se incorporó al Johnny Burch Octet, grupo de Jazz en el que también tocaban Jack Bruce (bajo), Ginger Baker (batería) y Dick Heckstall – Smith (saxofón). Estos tres últimos también formaban parte del grupo de Alexis Korner, Blues Incorporated, formación pionera en la música de Rhythm’n'Blues británica. Antes de acabar 1962, Bond se unirá a Alexis Korner en los teclados. Durante los descansos de Blues Incorporated, Bond tocará como trío (teclado – bajo – batería) con Baker y Bruce, formando así el núcleo de la futura Graham Bond Organisation.

La posibilidad de actuar como trío con independencia de Blues Incorporated no tardará en presentarse, y al ser tan solo tres músicos (y por tanto menos a repartir), Bond descubre que resulta más rentable actuar con Baker y Bruce que con el grupo de Alexis Korner. Como consecuencia, tras una acalorada discusión con Korner, Bond le anuncia que los tres han decidido abandonarlo. Lo mejor de todo es que ni Bruce ni Baker conocían las intenciones de Bond, pero como diría más tarde Ginger Baker, “¡El abandonó por mí y por Jack!”¹.

En marzo de 1963 se incorporará al grupo el guitarrista John McLaughlin, pasando la banda a denominarse Graham Bond Quartet. Durante esta época realizan actuaciones constantemente.²

En septiembre de 1963 por fín se constituirá la formación clásica de la Graham Bond Organisation cuando se incorpore el saxofonista Dick Heckstall – Smith para sustituir a McLaughlin. Este último había sido despedido por Ginger Baker debido a que, según el propio Baker, era un “quejica miserable”³.

Graham Bond Organisation

En abril de 1964 el grupo abandona la denominación de Graham Bond Quartet y por fín adopta el nombre de Graham Bond Organisation (a veces escrito Organization).

En esta época el Rhythm’n'Blues está ganando popularidad gracias a grupos como los Rolling Stones, los Animals o Manfred Mann, y el grupo consigue contrato discográfico con Decca para publicar su primer single: Long Tall Shorty / Long Legged Baby (1964). La repercusión comercial del single será mínima, pero el prestigio de Graham Bond seguirá creciendo por su sonido único de Rhythm’n'Blues dominado por el órgano y plagado de referencias jazzísticas. Durante el resto de 1964, además de actuar en directo incansablemente, el grupo participará en la película Gonks Go Beat, en la que interpretan el tema Harmonica (compuesto por Marty Wilde) y aparecen en el L.P. recopilatorio R’N'B (1964). El álbum póstumo Live At Klooks Kleek (1978) recoge actuaciones de esta época.

1965: EMI publica The Sounds of ’65 y There’s a Bond Between Us

Tras abandonar Decca, el grupo firma por EMI, que no escatimará esfuerzos para promocionarlos en pleno auge del Rhythm’n'Blues. El primer single para EMI será Tammy en enero de 1965, seguido en febrero del primer álbum, The Sounds Of ’65. Pese a las críticas favorables de la prensa musical británica, los resultados comerciales son pobres, poniendo en peligro la continuidad del contrato con EMI. Un nuevo single en abril, Tell Me (I’m Gonna Love Again) no consigue mejores resultados.

Pero en verano de 1965, Bond vuelve a mostrar su lado más innovador al incorporar a su instrumental el melotrón, siendo el primer músico en utilizarlo en directo⁴, y el primero en grabar con él en un disco de música pop, el single Lease On Love. En esta época el grupo graba su segundo álbum, el formidable There’s A Bond Between Us, con uso intensivo del melotrón, que se publicará en diciembre. Las críticas son de nuevo entusiastas, pero las ventas son decepcionantes. EMI pronto desistirá de su empeño de aupar al éxito a la Organisation.

El declive de la Graham Bond Organisation

En septiembre de 1965, con anterioridad a la publicación de su segundo álbum, Ginger Baker había expulsado del grupo a Jack Bruce en uno de muchos incidentes protagonizados por las disputas entre ambos. En una extraña jugada del destino, y por mediación de Eric Clapton, ambos coincidirán de nuevo en el grupo Cream cuando Baker abandone a Bond pocos meses más tarde.

Rota la formación clásica de la Graham Bond Organisation, Bruce es sustituido por el trompetista Mike Falana. En febrero de 1966, y con la nueva formación, se publicará el single St. James Infirmary, el último para EMI y un nuevo fracaso comercial.

En verano de 1966 se producirá el abandono de Baker, y pronto Falana abandonará también, incorporándose un batería extraordinario, Jon Hiseman. Reducidos a trío (Bond, Heckstall – Smith, Hiseman), el grupo se meterá en el estudio con un nuevo contrato discográfico, esta vez con Polydor, que les adelanta una importante suma para cubrir los gastos iniciales. Estas grabaciones, realizadas a finales de 1966 en los estudios Olympic de Londres, suenan a puro Jazz – Rock y se aproximan a lo que después se denominará Rock Progresivo, mostrando en plena forma a la última gran formación de la Graham Bond Organisation.

Pero las cosas no salen como estaban previstas, pues cuando Olympic Studios le presenta la factura, Bond se ha gastado todo el anticipo de Polydor. Al no poder pagar, el estudio retiene las cintas, y Polydor rescinde el contrato. Afortunadamente, estas grabaciones verán la luz finalmente en el álbum Solid Bond (1970), demasiado tarde para mejorar la declinante fortuna de Bond, pero dejando patente su condición de auténtico pionero de la música.

Graham Bond ya no levantará cabeza. La oportunidad del éxito comercial ha pasado, y aunque su prestigio es enorme, su figura como músico maldito será la que prevalezca a partir de ahora, alimentada por su adicción a las drogas, su inestabilidad emocional y su afición por el ocultismo.

Fichado por la pequeña discográfica Page One, un único single, You’ve Gotta Have Love Babe se publica en enero de 1967. Esta vez al fracaso comercial se suman las críticas negativas de la prensa musical, por lo que Page One cancela los planes para publicar más grabaciones de Bond. La Organisation no tardará en desintegrarse.

A mediados de 1967, Jon Hiseman y Dick Heckstall- Smith abandonan, el primero para unirse a la banda de Georgie Fame y el segundo a los Bluesbreakers de John Mayall. En 1968 ambos fundarán Colosseum, grupo pionero del Jazz – Rock claramente deudor de las enseñanzas de Graham Bond, y que alcanzará el éxito con el auge del Rock Progesivo a principios de los años 70. Por el grupo de Graham Bond ya no pasarán grandes figuras, y la Graham Bond Organisation no volverá a grabar.

En los años siguientes Bond publicará algunos álbumes en solitario de escasa repercusión, y colaborará en proyectos de sus antiguos discípulos como Ginger Baker’s Air Force, Jack Bruce & Friends o el gran álbum en solitario de Dick Heckstall – Smith A Story Ended (1972).

El 8 de mayo de 1974, a sus 36 años, y sumido en una profunda depresión, Graham Bond ponía fin a su vida arrojándose a la vía del metro londinense. Para el gran público la repercusión fué mínima, pero para sus compañeros músicos se perdía uno de los personajes más influyentes y menos reconocidos de la década de los 60.

Notas:

1. He left for me and Jack! Extraido de grahambond.net
2. Grabaciones en directo de este periodo se incorporarán al recopilatorio Solid Bond, publicado en 1970.
3. “a miserable moaner”. Extraido de grahambond.net
4. La fragilidad del melotrón y su dificultad para afinarlo con otros instrumentos motivarán que hasta principios de los 70 pocos grupos se atrevan a llevarlo de gira.

Tras su triunfal paso por el Spencer Davis Group, en abril de 1967 el cantante, teclista y guitarrista Steve Winwood formaba el grupo Traffic para dar rienda suelta a su creatividad sin las limitaciones a que estaba sometido en el grupo liderado por Spencer Davis. Dave Mason (guitarra, bajo, sitar, cantante), Jim Capaldi (batería) y Chris Wood (instrumentos de viento), tres músicos desconocidos para el gran público, se convirtieron en los compañeros de Winwood en su nuevo proyecto. Lejos de ser el simple grupo de acompañamiento de Steve Winwood, Traffic resultó ser un auténtico nido de talentos que produjo dos grandes álbumes de los años 60: Mr. Fantasy (1967) y Traffic (1968). Pero la confluencia de talentos se tradujo en choque de egos, por lo que a comienzos de 1969, Winwood disolvió el grupo. En 1970, Traffic resurgirá para producir nuevas obras fundamentales en la historia del Rock.

Formación de Traffic

Dave Mason, procedente de Birmingham al igual que Steve Winwood, trabajaba como roadie del Spencer Davis Group, y había coincidido con el batería Jim Capaldi en un grupo local, The Hellions. Winwood, Mason y Capaldi solían tocar juntos informalmente en un club de Birmingham, el “Elbow Room” con otro músico local, Chris Wood. Tras abandonar el Spencer Davis Group, Winwood reclutará a los tres para Traffic.

Dave Mason resultará una pieza clave en la música del nuevo grupo, pues sus canciones pronto alcanzarán el éxito en igual o mayor medida que las de sus compañeros. En cuanto a su papel como instrumentista, será decisivo especialmente en el estudio de grabación, donde desplegará su condicion de multi-instrumentista tocando bajo, guitarra, teclados y sitar. El contraste entre las composiciones de Winwood / Capaldi y las de Mason enriquecerán la música del grupo por el tono jazz /soul de los primeros y pop / folk del segundo.

Jim Capaldi, además de un competente batería, también canta y toca la guitarra, y formará equipo creativo con Winwood, escribiendo letras para las composiciones de aquel.

Chris Wood, por su parte, tendrá un papel definitivo en el sonido de Traffic, con su original y a veces arriesgado uso de los instrumentos de viento. Con el saxofón, contribuirá a crear una atmósfera cercana al Jazz. Con la flauta, añadirá un aire Folk, y desarrollará una técnica espectacular que puede apreciarse en toda la obra de Traffic y en algunas colaboraciones¹.

Primeros singles

Al más puro estilo hippie, los cuatro miembros del nuevo grupo se irán a vivir juntos a una cabaña en Aston Tirrold (Berkshire)², donde comenzarán a ensayar y a componer canciones. Mientras tanto, Chris Blackwell, que en su momento descubrió al Spencer Davis Group³, se convierte en manager de Traffic y los contrata para su discográfica Island, a la vez que alcanza un acuerdo para publicar su música en Estados Unidos a través de United Artists.

El primer single del grupo se publica en mayo de 1967, con una composición de Winwood y Capaldi en la cara A, Paper Sun. Esta primera grabación muestra a un grupo con un sonido propio e innovador, enormemente influido por la psicodelia. El single alcanzará el nº 5 en las listas inglesas.

El rápido éxito motivó que Chris Blackwell demandara material para un segundo single cuanto antes. De los temas presentados, Blackwell eligió para la cara A la composición de Dave Mason Hole In My Shoe, que, publicado en agosto, superó el éxito de su predecesor, alcanzando el nº 2.

El tercer single, publicado en noviembre de 1967, Here We Go Round The Mulberry Bush (Incluida en la Banda Sonora de la película del mismo nombre), compuesta por los 4 miembros del grupo, se quedará en el nº 8 de las listas.

Mr. Fantasy y la primera salida del grupo de Dave Mason

En diciembre de 1967 se publicará en Gran Bretaña el primer álbum de Traffic, Mr. Fantasy, con un éxito moderado (nº 16 en las listas inglesas) pero una influencia notoria entre los músicos de su tiempo, especialmente por su carácter experimental y su sonido a medio camino entre el pop, el jazz, la psicodelia y el folk. En Estados Unidos el disco producirá un efecto semejante, convirtiéndose en un álbum de culto pese a sus modestas ventas, si bien la edición americana contendrá notables diferencias con la edición inglesa. Así, la primera tirada del álbum se denominará Heaven Is In Your Mind, aunque posteriormente se publicará con su título original. Pero los cambios más importantes de la edición americana se deben a la salida del grupo de Dave Mason, que animado por el éxito de Hole In My Shoe, abandona el grupo en diciembre de 1967. Así, la portada de la edición americana sustituye la fotografía de los miembros del grupo en la cabaña de Berkshire por otra en la que solo aparecen Winwood, Capaldi y Wood. Pero la alteración más importante es la supresión de dos canciones de Mason (Hope I Never Find Me There y Utterly Simple), que se sustituyen por Paper Sun, Hole In My Shoe y Smiling Phases (cara B de Hole In My Shoe).

Un nuevo single extraído del álbum, No Name, No Face, No Number, publicado en febrero de 1968, tendrá un resultado pobre en las listas inglesas (nº 40).

Entretanto, el grupo se encuentra con que en las actuaciones en directo, y con una primera gira americana en la agenda, Steve Winwood se ve obligado a suplir como puede la ausencia de Dave Mason tocando el órgano, cantando … y tocando con los pies un teclado de bajos. Por acrobática y estresante que pueda parecer la tarea, Winwood la desempeña con profesionalidad y efectividad, como quedará reflejado posteriormente en la cara en directo del álbum Last Exit (1969), que recoge actuaciones en vivo de la formación de trío de Traffic.

Una vez fuera del grupo, Dave Mason publicará sin éxito en febrero de 1968 el single Little Woman / Just For You.

Segundo álbum: Traffic, el regreso de Dave Mason

Pero el principal problema derivado de la ausencia de Mason no iban a ser las actuaciones en directo. La presión para publicar un segundo álbum puso de manifiesto que Winwood, Capaldi y Wood no disponían de suficiente material para grabar un L.P. completo, con lo cual, en mayo de 1968 pidieron a Mason que se reincorporase, aceptando aquel. El resultado fué Traffic(1968), un álbum excepcional, no tan experimental y psicodélico como Mr. Fantasy, pero desde luego igualmente original, y con un sonido muy personal, en esta ocasión más cercano al Folk que al Jazz, con grandes melodías Pop y excepcionales guitarras de Winwood y Mason. El álbum, publicado en Octubre de 1968, contendrá entre otras grandes canciones el clásico escrito por Mason Feelin’ Alright, convertido posteriormente en éxito mundial por Joe Cocker.

En diciembre de 1968 se publicará un nuevo single no incluido en el álbum, Medicated Goo / Shangai Noodle Factory.

Disolución, Last Exit, Refundación de Traffic

Tras la publicación de su segundo álbum, Traffic se embarca en una segunda gira americana, pero las desavenencias entre Dave Mason y sus compañeros pronto vuelven a aparecer, originando su expulsión del grupo. Al finalizar la gira, y tras el estrés de tener que volver a actuar como trío, Steve Winwood decide que es el momento de disolver Traffic. Así lo anuncia a la prensa musical en enero de 1969.

Pero Blackwell e Island tienen cuentas pendientes con el grupo, pues Steve Winwood había firmado contrato para la grabación de cinco álbumes. De modo que la discográfica reúne material para llenar a duras penas las dos caras de Last Exit (1969) incluyendo out-takes, singles no incluidos en los álbumes previos, grabaciones en directo, e incluso la cara B del single en solitario de Dave Mason de febrero del 68, Just For You , en la que Winwood, Capaldi y Wood participaron como grupo de acompañamiento⁴.

Tras la disolución, Jim Capaldi y Chris Wood formarán el grupo Wooden Frog con Dave Mason y el teclista Wynder K. Frog (pseudónimo de Mick Weaver), aunque no llegarán a grabar.

Por su parte, Steve Winwood formará Blind Faith con Eric Clapton, Ric Grech y Ginger Baker (Ver artículo Blind Faith : El Fallido Supergrupo de Eric Clapton y Steve Winwood).

Tras la debacle de Blind Faith, Steve Winwood se ve en la obligación de terminar de saldar su deuda de cinco álbumes con Island, por lo que se embarca en su primer proyecto en solitario, que debía dar como resultado un álbum titulado Mad Shadows (“sombras locas”). Pero Winwood invitará a las sesiones a Jim Capaldi y Chris Wood, y el resultado será un nuevo álbum de Traffic, el fenomenal y jazzístico John Barleycorn Must Die (1970). Los reformados Traffic, con la adición de otros músicos en años sucesivos, publicarán varios álbumes fundamentales en los años 70: Welcome To The Canteen (1971), en directo y con Dave Mason reincorporado brevemente por tercera vez al grupo, The Low Spark Of High Heeled Boys (1971), Shoot Out At The Fantasy Factory (1973), On The Road (1973) de nuevo en directo, y el más flojo When The Eagle Flies (1974), que marca la disolución de Traffic.

Por su parte, Dave Mason gozará de una exitosa carrera en solitario durante los años 70, iniciada con el estupendo álbum Alone Together (1970).

Traffic, reducido al dúo Winwood / Capaldi a causa de la muerte de Chris Wood en 1983, resurgirá con un álbum de material nuevo, Far From Home en 1994.

Notas:

1. Por ejemplo, en el tema 1983 … A Merman I Should Turn To Be del álbum Electric Ladyland (1968) de Jimi Hendrix, en el que la flauta de Wood en nada desmerece a la guitarra de Hendrix.
2. El interior de la famosa cabaña aparecerá en la portada del primer álbum del grupo, Mr. Fantasy
3. Ver artículo Spencer Davis Group – Autumn ’66 (1966) : La Evolución de Steve Winwood
4. En la cara A, Little Woman, el grupo de respaldo de Dave Mason era nada menos que Family, cuyo primer álbum fue producido por el guitarrista de Traffic

A mediados de 1966 se formó el primer supergrupo de la historia del rock, compuesto por tres musicos geniales: Eric Clapton (guitarra, cantante), Jack Bruce (bajo, cello, teclados, armónica, cantante) y Ginger Baker (batería). Musicalmente, la obra de Cream está entre lo mejor de su tiempo debido tanto a las inspiradas composiciones de Bruce (con letras del poeta Pete Brown) como a la pericia como músicos de sus tres miembros, considerados los mejores instrumentistas de Inglaterra en 1966. A ellos se deben clásicos como Sunshine of Your Love, White Room o Badge.
Comercialmente, Cream fué un gran negocio explotado al máximo, publicando 4 albumes en tan solo 2 años y medio, y realizando giras agotadoras. Pero en el aspecto personal, Cream se convirtió en un infierno en el que las rencillas entre Baker y Bruce fueron minando el grupo (y la paciencia de Clapton) hasta la inevitable disolución a finales de 1968.

La formación de Cream

Cuando Ginger Baker le propuso formar un grupo juntos, Eric Clapton ya era un reputado guitarrista de Blues¹ que había abandonado en su día a los Yardbirds porque se estaban volviendo demasiado comerciales, incorporándose a los Bluesbreakers de John Mayall.

Ginger Baker, por su parte, era un prestigioso percusionista de Jazz y Rhythm’n'Blues que tocaba en la Graham Bond Organisation, grupo que deseaba de abandonar a causa de la inestabilidad de su líder, y del que pocos meses antes se había marchado el bajista Jack Bruce, precisamente a causa de sus disputas con Baker. Una noche, Bruce y Baker habían tenido una pelea a puñetazo limpio sobre el escenario, y Baker, ante la pasividad de Graham Bond, expulsó a Bruce. Este siguió acudiendo a las actuaciones de la banda, pues no se consideraba fuera del grupo mientras el propio Bond no le despidiera en persona. Baker solo consiguió que Bruce dejara de acudir a las actuaciones amenazándole con un cuchillo. Posteriormente, Jack Bruce tocó brevemente con los Bluesbreakers de John Mayall, coincidiendo con Clapton, el cual quedó impresionado con la técnica y habilidad de aquel. Tras unas semanas con Mayall, Bruce se unió a Manfred Mann².

Una noche de marzo de 1966, tras una actuación de los Bluesbreakers, Ginger Baker se ofreció a llevar en coche a casa a Eric Clapton. Por el camino, Baker propuso a Clapton la formación de un grupo, a lo que este accedió con la condición de que Baker propusiera a Jack Bruce participar como bajista. El futuro batería de los Cream casi estrella el coche en ese momento, pero, con tal de poder formar el grupo con Clapton, accedió.

Baker y Bruce acordaron dejar de lado sus diferencias para no perder la oportunidad que se les presentaba, y el grupo comenzó a ensayar. Cada uno de los miembros siguió tocando con sus respectivas bandas para poder mantenerse mientras el nuevo grupo no fuera capaz de obtener ingresos. En el caso de los Bluesbreakers, su líder John Mayall se enfadó enormemente cuando se enteró de que Clapton participaba en otro grupo por la revista Melody Maker, la cual publicó en junio de 1966 una breve reseña filtrada por Baker. Ello aceleró los acontecimientos: el grupo se metió en el estudio de grabación y comenzó a a tocar en directo en julio de 1966.

Primeros Singles, Primer album: Fresh Cream

En octubre verá la luz el primer single del grupo, Wrapping Paper, el cual alcanzará el nº 34 en las listas inglesas, decepcionando a crítica y público por su sonido inesperadamente comercial, muy diferente de como sonaba Cream en directo. En realidad, había sido Robert Stigwood, manager del grupo, el responsable de la publicación de Wrapping Paper, en la esperanza de que un sonido más comercial les facilitara acceder al gran público … gran error, pues Cream acabará triunfando precisamente por su sonido duro, de Blues psicodélico, aunque sus grabaciones en estudio siempre contarán con mayor refinamiento que sus actuaciones en directo.

El segundo single, I Feel Free, y el album Fresh Cream, publicados en Diciembre de 1966, vendrán a poner las cosas en su sitio, acercando el sonido del grupo en disco y en directo, con grandes riffs y solos de guitarra, bajos dinámicos y baterías plenas de redobles que apuntan al estilo cada vez más barroco de Baker. La mayoría de los temas son grabados en una sola toma, con escasos overdubs, y el repertorio incluye versiones de piezas de Blues así como composiciones de Jack Bruce y (en menor medida) Ginger Baker con letras de Pete Brown o de Janet Godfrey, esposa de Bruce. En realidad, el sonido casi en directo del álbum se debió a la impericia de Robert Stigwood, que asumió el papel de productor sin experiencia previa. Sin embargo, tanto el single (nº 11) como el álbum (nº 6) alcanzan buenos resultados en las listas de ventas inglesas.

Disraeli Gears y la conquista del mercado americano

En marzo de 1967, Cream viajaron por primera vez a Estados Unidos, donde el impacto de Fresh Cream había sido moderado, para participar en una serie de conciertos organizados por el Disc Jockey Murray The K, junto con los Who. Los conciertos fueron un fracaso debido a la mala organización, pero el grupo aprovechó su estancia para grabar en los estudios de Atlantic Records el que será su segundo L.P., Disraeli Gears (1967).

En esta ocasión la producción fué asumida por el americano Felix Pappalardi, y las grabaciones duraron apenas unos días en el mes de mayo. De estas sesiones saldrá en junio, como adelanto del álbum, el single Strange Brew, con un interesante riff de guitarra y bajo que sigue avanzando en la dirección del Blues psicodélico. Pero si hablamos de riffs, tenemos que referirnos inevitablemente a Sunshine Of Your Love, uno de los platos fuertes del álbum, con uno de los riffs más memorables de la historia del rock y un solo antológico. Disraeli Gears, publicado en noviembre, alcanzará el nº 5 en las listas inglesas y americanas.

Wheels of Fire y el triunfo mundial

A diferencia de Disraeli Gears, las sesiones de Wheels of Fire(1968) se prolongaron durante un extenso periodo de tiempo entre julio de 1967 y junio de 1968, alternando entre estudios de grabación en Gran Bretaña y América y realizando numerosos overdubs. Cream estaba evolucionando por dos caminos diferentes: en directo practicaban auténtico Rock duro mezclado con Blues psicodélico; en el estudio experimentaban con las posibilidades de la grabación multipista, añadiendo complejidad a su obra y aproximándose al Rock Progresivo. Quizá para reflejar esta dualidad, Wheels of Fire se publicó como álbum doble: un vinilo en estudio y otro en directo, el cual recogía actuaciones del grupo en el Fillmore y en Winterland en marzo de 1968. Como anticipo del álbum se publicó en mayo el single Anyone for Tennis, una canción pretendidamente más comercial, compuesta por Eric Clapton y Martin Sharp que no figurará en el doble álbum. El verdadero clásico en este disco será White Room, con un estupendo solo de guitarra con wha-wha.

Publicado en agosto de 1968, Wheels of Fire alcanzó el nº 1 en las listas a ambos lados del Atlántico y colocó en la cima a Cream.

Pero para entonces ya era demasiado tarde. Antes de la publicación del doble álbum, Clapton ya había decidido que el grupo debía separarse. La segunda y agotadora gira americana del grupo había hecho que las disputas entre Baker y Bruce volvieran a aparecer en toda su crudeza, exasperando a Eric Clapton, el cual, además, empezaba a darse cuenta de que, en lo musical, Cream se estaba convirtiendo en un callejón sin salida.

Goodbye y los conciertos de despedida

La separación de Cream era inevitable, pero ya se ocupó Stigwood de que, ademas, resultara rentable. Para retirarse por todo lo alto se planeó un álbum de despedida y algunos conciertos, para que los fans del grupo pudieran verlos en directo por última vez. Tras unos meses de descanso, en septiembre comenzaron las sesiones de grabación del álbum final, Goodbye Cream (1969). Aunque inicialmente se planeó un doble vinilo al estilo de Wheels of Fire, pronto se hizo evidente que los tres músicos, a pesar de estar durante tres meses sin verse, apenas eran capaces de mirarse a la cara. Cada uno de ellos compuso una canción, y los restantes miembros grabaron sus instrumentos por separado, con la excepción de Badge, compuesta por Clapton y el Beatle George Harrison, en la que tocaron todos juntos en el estudio.³

Finalmente, entre octubre y noviembre se realizaron los conciertos de despedida, aunque en el caso de Estados Unidos, se trató de una gira en toda regla. Del concierto de Los Angeles del 19 de octubre se extrajeron las canciones que ocuparán la segunda cara de Goodbye, el cual finalmente se publicará en marzo de 1969, con el grupo ya disuelto y embarcado en otros proyectos (Ver artículo Blind Faith : El Fallido Supergrupo de Eric Clapton y Steve Winwood). El 26 de noviembre de 1968, Cream realizará sus dos últimas actuaciones en el Royal Albert Hall de Londres.

Pero la maquinaria empresarial no dejó de funcionar ni siquiera con el grupo disuelto. Posteriormente se publicarán dos álbumes de grabaciones en directo: Live Cream (1970) y Live Cream Volume II (1972), tratando de sacar partido a todo el material grabado por el grupo.

Notas:

1. Ver artículo Gibson Les Paul Standard : Eric Clapton y la Revolucion del Blues Electrico
2. Sobre Jack Bruce, ver artículo Fender Bass VI : El Insolito Bajo de Jack Bruce, El Mejor Bajista de los 60
3. Como se insinúa en esta Web sobre Cream, parece ser que la presencia de un miembro de los Beatles en el estudio de grabación fué el único motivo capaz de evitar que Bruce y Baker se escabulleran.

Concurso y contrato con Decca

Los miembros de los Zombies eran estudiantes en el Instituto de St. Alban y llevaban tocando por diversión desde 1961. El grupo lo formaban Rod Argent (teclados, 2ª voz), Chris White (bajo), Colin Blunstone (cantante), Paul Atkinson (guitarra) y Hugh Grundy (batería). En 1964 terminaban el Instituto, con lo cual el grupo se separaría y cada uno de ellos seguiría su propio camino en la Universidad o en sus futuros trabajos. Pero antes de que eso suceda, se presentan a un concurso cuyo premio consiste en un contrato de grabación con la discográfica Decca. Y así las cosas, en abril de 1964, los Zombies ganan el concurso. Decca, por su parte, no espera a la final y les ofrece contrato antes de que acabe el concurso, con lo cual los miembros del grupo cambian sus planes en bloque, iniciando una accidentada carrera discográfica.

She’s Not There

El primer single de los Zombies será She’s Not There , una de las primeras canciones compuestas por el teclista Rod Argent y dirigida por el sonido característico de su piano eléctrico. Colin Blunstone se revela como un vocalista técnicamente competente y expresivo, que aporta un aire melancólico a la historia de desengaño amoroso de la letra. El virtuoso teclado “jazzy” de Argent y la personal voz de Blunstone se convertirán en los dos principales activos del grupo durante toda su carrera. Para completar la fórmula, los restantes miembros del grupo ofrecían sólidos acompañamientos instrumentales sin grandes aspavientos pero con personalidad propia. En el caso del bajista Chris White , este además será el segundo gran compositor del grupo, junto a Rod Argent .

Publicado en julio de 1964, She’s Not There es todo un éxito en las listas inglesas, alcanzado el puesto nº 12. Y dado que en aquel momento al otro lado del Atlántico se vivía la Invasión Británica en todo su esplendor, el single es publicado también en EEUU, donde llega incluso más álto en las listas, alcanzando el nº 2.

Tell Her No

El inicio de la carrera de los Zombies no podía ser más prometedor: en pocos meses habían pasado de grupo amateur a triunfar rotundamente en medio mundo. El segundo single, previsiblemente obtendría el éxito fácilmente. Pero no fue así. Leave Me Be (compuesta por Chris White ) salió a la venta en Octubre de 1964, y pese a su encantadora melodía y su elegante arreglo fue un completo fracaso en las listas. Por suerte para el grupo, el tercer single, Tell Her No , decididamente más comercial, les devolverá a las listas de éxitos en enero de 1965 (nº 42 en Gran Bretaña y nº 6 en EEUU).

La agonía del éxito

Quizá a consecuencia del fracaso de Leave Me Be , en los siguientes discos del grupo se tomarán una serie de decisiones equivocadas que provocarán su caída en picado, más pronunciada en el mercado británico que en el americano.

Por lo pronto, y gracias al éxito de Tell Her No , el grupo publica su primer larga duración, titulado simplemente The Zombies en enero de 1965 … pero solo en Estados Unidos. En Gran Bretaña se publicará Begin Here en abril del mismo año, con algunas canciones distintas y el mismo planteamiento erróneo, en opinión de quien esto escribe. Y es que, ya fuera el productor Ken Jones , Decca o (menos probablemente) el propio grupo quien decidió las canciones a incluir, en muchos casos el material estaba más próximo a las modas musicales vigentes que al potencial y las cualidades de la banda. Así, los Zombies interpretando Rhythm’n'Blues son incapaces de hacer sombra a los Animals , los Rolling Stones o los Kinks , por lo que canciones como Roadrunner o You Really Got a Hold On Me / Bring It On Home To Me suenan bien … pero no son capaces de sacar a la luz lo mejor del grupo. Por el contrario, la melódica versión de Summertime de Gershwin, o las composiciones propias I Don’t Want To Know o What More Can I Do muestran a los Zombies en plena forma. El álbum tiene buenos resultados en EEUU, pero en Gran Bretaña la caída es ya imparable.

A partir de este momento, y hasta principios de 1967, se suceden uno tras otro varios singles, con resultados comerciales cada vez peores. She’s Coming Home , I Want You Back Again , Whenever You’re Ready y Just Out Of Reach serán éxitos menores en las listas americanas durante 1965, alcanzando los puestos 58, 95, 110 y 113 respectivamente. Durante 1966 y hasta principios de 1967, la agonía es todavía peor: Is This The Dream? , Indication , Gotta Get A Hold Of Myself y Goin’ Out Of My Head ni siquiera entran en las listas americanas. En Gran Bretaña la situación es todavía peor, pues después de Tell Her No los Zombies han desaparecido por completo de las listas de éxitos.

A estas alturas, a principios de 1967, Decca no tiene inconveniente en dejar marchar al grupo, que parece completamente acabado.

Odessey and Oracle

En 1967, los Zombies están frustrados por la rápida ascensión y la dura caída, pero todavía se sienten capaces de producir buena música. Creen que no son capaces de alcanzar el éxito con la música que quieren hacer, pero desean grabar sin las presiones comerciales que han tenido que sufrir hasta entonces. Milagrosamente consiguen contrato con CBS, y en verano entran en los míticos estudios de Abbey Road para grabar su mejor obra. Como el presupuesto no da para contratar músicos de estudio, Argent empieza a experimentar con un melotrón (ver artículo El Melotrón : La Electrónica en el Pop de los 60 ), pensando emular sonidos de instrumentos reales. En manos de un virtuoso como Rod Argent , el resultado está muy por encima de la simple emulación.

En cuanto al repertorio, en esta ocasión todas las canciones son obra de Argent o White. La libertad creativa de la que goza el grupo queda patente en cortes poco convencionales como A Rose For Emily , interpretada tan solo con piano acústico y voces o A Butcher’s Tale (melotrón y voz, cantada por Chris White ), pero también joyas de perfección pop como Care of Cell 44 , Beechwood Park o Friends of Mine , todo ello aderezado con el toque psicodélico aportado por el melotrón.

En un último intento de recuperar el éxito perdido, antes de la aparición del álbum se publican en Gran Bretaña dos singles (Friends of Mine , Care Of Cell 44 ) que fracasan rotundamente. Tras la publicación del álbum en abril de 1968, se extraerán dos más (Time Of The Season y A Butcher’s Tale ), que también fracasan. Al grupo no le queda otra opción que la separación, aunque con la satisfacción de haber grabado una gran obra sin presiones comerciales.

Time of the Season

Pero el destino tiene guardada una última carta en la manga. El músico americano Al Kooper , que también forma parte del equipo de Artistas y Repertorio de CBS, visita Gran Bretaña en 1968 y adquiere unos cuantos álbumes que no se han publicado en EEUU. Entre ellos, Odessey and Oracle . Kooper queda fascinado por el álbum, y hace todo lo posible para que CBS lo publique en Estados Unidos. Tal es su insistencia, que al final lo consigue.

Sin embargo, el gran público no responde como Kooper esperaba, y el álbum y los singles extraídos del mismo no acaban de despegar. Pero, como ha ocurrido con tantos clásicos del pop, es un disc-jockey el que descubre una joya en el álbum, y la emite insistentemente: Time of the Season . La canción comienza a ser popular, y CBS publica una segunda tirada del single, que triunfa por todo lo alto a principios de 1969. Los Zombies llevan más de un año separados. Y lo que es más llamativo: Time of the Season , con su original patrón de bajo / batería y su órgano jazzy suena en perfecta consonancia con el emergente rock progresivo, pese a haberse grabado a mediados de 1967. A eso se le llama adelantarse a su tiempo.

Tras el éxito, llueven las ofertas para reformar los Zombies . Pero Argent y compañía están sobradamente escarmentados con la industria discográfica y se niegan. Pese a todo, todavía se publicarán dos singles procedentes de grabaciones anteriores: Imagine The Swan y If it don’t Work Out . Por otra parte, Rod Argent y Chris White tienen un nuevo proyecto en mente, el grupo de rock progresivo Argent , que triunfará merecidamente durante la primera mitad de los años 70.

El grupo Blind Faith ("Fé Ciega") reunía cuatro grandes talentos de su época: Eric Clapton , Steve Winwood , Ginger Baker y Ric Grech . Comercialmente su éxito fué rotundo, vendiendo medio millón de copias de su único L.P., Blind Faith en tan solo unos días. Sin embargo, el grupo apenas duró unos meses durante 1969, y resultó enormemente frustrante para Clapton y Winwood.

El fin de Cream

A finales de 1968, la convivencia entre los miembros del grupo Cream era insoportable. Ginger Baker (batería) se llevaba mal con Jack Bruce (bajo, voz) desde antes incluso de formar el grupo, y Eric Clapton (guitarra, voz) estaba ya harto de mediar entre ambos. Clapton había pensado incorporar a su amigo Steve Winwood¹ a Cream para introducir otro elemento estabilizador en el grupo, pero Winwood formaba parte de Traffic en aquellos momentos y no estaba disponible. A pesar de las desavenencias personales, Cream se había convertido en una monstruosa máquina de hacer dinero y no iba a resultar tan fácil acabar con ella. Tras grabar un último álbum (Goodbye Cream ) y realizar varios conciertos de despedida, el grupo por fin se disolvió a finales de 1968. Clapton y Bruce acordaron no volver a tocar en un grupo con Baker sin llamar al otro. Así se evitaba que Cream surgiera de nuevo sin alguno de sus miembros originales.

Clapton, Winwood y Baker

Liberado de presiones comerciales, y hastiado del tratamiento de superestrella que le había reportado Cream , Eric Clapton recurre de nuevo a su amigo Steve Winwood , con quien Clapton ya había colaborado ocasionalmente en 1966 en Powerhouse , grupo fantasma que grabó unos pocos temas para un disco recopilatorio del sello Elektra. Al principio Clapton y Winwood se toman las cosas con calma y durante unas semanas se dedican a hacer jams en la casa de campo de Clapton en Surrey, con participación de otros músicos que cambian de un día para otro. Ginger Baker , que mantenía el contacto con Clapton, les acompaña informalmente en algunas ocasiones, hasta que Winwood sugiere formar un grupo con él.

Para Clapton, la incorporación formal de Ginger Baker al proyecto supone un conflicto, dado que de ese modo incumple su compromiso con Jack Bruce . Además, la unión de otra primera figura al futuro grupo incrementa el riesgo de que se les convierta en otra máquina de hacer dinero, que es lo que Clapton pretende evitar a toda costa. Pero Winwood está tan entusiasmado con la participación de Baker que acaba venciendo la resistencia de Clapton.

Sin embargo, los temores de Clapton están bien fundados. Mientras el trío ensaya en la casa de campo de Surrey, los managers de Eric Clapton (Robert Stigwood ) y Steve Winwood (Chris Blackwell ), muy conscientes de que tienen un nuevo filón entre manos, se ponen en marcha, reservando fechas en los estudios Morgan de Londres, donde se grabarán sus primeras maquetas. En realidad se trata de simples ensayos de los que saldrán algunas ideas para sus futuras canciones, pero todavía no hay material publicable. Fruto de estas sesiones es el rarísimo single "Change Of Address ", que no se comercializó y que fué enviado por Chris Blackwell a sus contactos para comunicarles el traslado de su oficina en Londres.

La incorporación de Ric Grech

Entre abril y mayo de 1969, las grabaciones continúan, esta vez en los Olympic Studios. Pese a haber trascurrido tres meses desde la formación de Blind Faith , las grabaciones no acaban de concretar la forma final de los temas grabados, y a menudo se trata de largas jams. El potencial del grupo es enorme, pero les falta concreción.

En medio de las sesiones, durante el mes de mayo, se une al grupo Ric Grech , que al principio se limita a participar en las jams informales que el trío realiza habitualmente. Al recibir la invitación para incorporarse a Blind Faith , Grech no duda en dejar colgado a su grupo, Family , en plena gira por Estados Unidos.

Una vez completo el grupo, la prensa británica no tarda en hacerse eco de su existencia. Ya se les conoce como Blind Faith , y se habla de un supergrupo capaz de superar a los propios Cream , creando en el público enormes expectativas que arrojan todavía más presión sobre sus miembros. Los temores de Clapton se van confirmando poco a poco.

El concierto de Hyde Park

En este ambiente de enorme expectación, la presentación del grupo en directo el 7 de junio de 1969 en un concierto gratuito en Hyde Park, Londres, supone todo un acontecimiento. Sin embargo, Clapton y Winwood tienen la sensación de que les falta algo de ensayo, y su repertorio es todavía muy limitado. Para poder ofrecer un concierto de una duración aceptable se ven obligados a incorporar canciones de sus grupos anteriores, Cream y Traffic , y versiones de otros artistas. Pero al público no parece importarle que el grupo esté todavía algo verde, y les acogen con euforia. Clapton empieza a tener la sensación de que, al igual que ocurría con Cream , dá igual que toque bien o mal, pues la respuesta del público es siempre la misma.

El álbum: Blind Faith

En junio se publica su primer y único álbum, Blind Faith , alcanzando el nº 1 en USA y Gran Bretaña. Sin embargo, ha sido el productor Jimmy Miller el que ha canalizado las ideas del grupo para poder lograr un producto terminado, salvando los escollos de falta de concreción y escasez de material propio. Ello queda patente en el contenido del álbum: solo 6 temas, de los cuales uno es una versión de Buddy Holly , tres composiciones de Winwood, una de Clapton y otra de Baker que ocupa casi toda la cara B. Los largos desarrollos instrumentales parecen ser el remedio preferido para suplir la escasez de material.

Pese al triunfo comercial, la obra dista mucho de lo que podría haberse conseguido si el grupo hubiera dispuesto de más tiempo para madurar. En cuanto a la portada del álbum, su carácter artístico es considerado demasiado arriesgado fuera del mercado británico, por lo que para favorecer las ventas, es sustituida por otra más conservadora en el mercado norteamericano y en algunos países europeos.

La fatídica gira americana

Mientras, Blind Faith sale de gira por Escandinavia, donde actúa en locales de pequeño aforo calentando motores para su posterior gira americana, que se inicia en julio, y durará hasta finales de agosto. La gira americana reúne las condiciones idóneas para repetir la frustrante experiencia de Cream . Pese al éxito comercial, el grupo no acaba de cuajar, dado que han dispuesto de poco tiempo para componer y ensayar antes de salir de gira. La sensación de fracaso va haciendo mella en Clapton y Winwood. Este último describirá la gira americana como "vulgar, cruda, desagradable y falta de integridad"²

Pero la decepcionante experiencia ha servido para algo: Eric Clapton comprende que la ruptura de Cream no le ha servido de nada, pues Blind Faith se ha convertido en un "Super – Cream" manejado por los managers que solo ha conseguido frenarle artísticamente y arrojar más presión sobre el. Clapton sigue siendo Dios³ , pero no puede hacer la música que desea. Al final de la gira, Clapton se ha distanciado de sus compañeros y alterna con los miembros del grupo de Delaney & Bonnie , que son sus teloneros. Clapton siente la tentación de convertirse en uno de ellos, pues la falta de éxito les dá una libertad de la que él no dispone. Convertirse en un segundón en un grupo desconocido le daría la oportunidad de empezar de nuevo, sin la presión a la que está sometido en Blind Faith .

Y eso es exactamente lo que hace. Eric Clapton se une a Delaney & Bonnie en un papel secundario … convirtiéndolos en estrellas en poco tiempo, con lo que la huida del estrellato de Eric Clapton parece no tener fín.

En cuanto a Winwood, Baker y Grech, durante un tiempo colaboran en el grupo Ginger Baker’s Air Force , articulado en torno al batería de Blind Faith , pero pronto Steve Winwood reformará Traffic , que producirá algunas de sus mejores obras, empezando con el fenomenal John Barleycorn Must Die (1970).

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Notas:

1. Steve Winwood es una de las figuras clave del pop de los 60: cantante, teclista y guitarrista del Spencer Davis Group desde 1964, formó Traffic en 1967 y con ellos grabó dos álbumes cruciales (Mr. Fantasy en 1967 y Traffic en 1968) antes de disolverse temporalmente.
2. Winwood later describes the tour as "vulgar, crude, disgusting" and "lacking in integrity". Cita extraida de esta Web sobre Steve Winwood
3. La frase "Clapton es Dios" había aparecido en el metro londinense en sus días con los Bluesbreakers de John Mayall, y se había convertido en un símbolo de su condición de superestrella

Formados en 1965, los Small Faces eran auténticos mods cuyo amor por la música solo rivalizaba con su afán por vestir a la última moda. Se cuenta que durante 1966 gastaron nada menos que 12.000 libras en las Boutiques de Carnaby Street, pues una de las condiciones de su contrato incluía que se les abriera cuenta en las principales tiendas de la conocida calle londinense. Pero frivolidades aparte, los Small Faces fueron uno de los grupos británicos más comerciales de los años 60, y a la vez uno de los más salvajes. Pese a la reducida estatura de los miembros del grupo (De ahí el nombre, “caras pequeñas”), la potencia instrumental del grupo y la intensidad vocal de su cantante los hacía destacar entre los grupos de su época. Entre 1965 y 1968, los Small Faces entraron en las listas de éxito inglesas en 10 ocasiones, y publicaron 3 álbumes enormemente influyentes.

Ronnie Lane conoce a Steve Marriott

A principios de 1965, Ronnie Lane (bajo) fué a comprar una guitarra a la tienda de instrumentos musicales donde trabajaba Steve Marriott (cantante, guitarra), a quien reconoció pronto, pues las bandas en las que ambos tocaban habían coincidido anteriormente en alguna actuación. Entre ambos surgió instantáneamente la chispa de la complicidad: los dos eran mods, les gustaba la misma música … incluso ambos eran bajitos. Ese mismo día, cuando Marriott salió del trabajo, Lane le acompañó a su casa para escuchar discos de Rhythm’n'Blues. Ronnie Lane pronto se dió cuenta de que había encontrado en Steve Marriott un cantante excepcional, y aunque este apenas era capaz de tocar la guitarra (estaba todavía aprendiendo), formaron el grupo junto con Kenney Jones (batería), compañero de grupo de Lane y de pequeña estatura como aquellos y con Jimmy Winston (teclado), quien, a diferencia de los demás, era más alto. Con esta formación actuaron en pequeños locales interpretando sobre todo versiones de canciones de Rhythm’n'Blues. Sin embargo, ya desde el principio el grupo escribía material propio. En menos de un año, Marriott y Lane compondrán la mayoría de sus canciones.

El contrato con Don Arden

El grupo destaca desde el principio, y a sus primeras actuaciones acudieron miembros de los Rolling Stones y Sonny & Cher. Incluso Kit Lambert, manager de los Who, intentó ficharlos. Pero fué el empresario de dudosa reputación Don Arden quien se convirtió en su manager en junio de 1965. Las condiciones parecían ser realmente ventajosas para los chicos: Arden les puso un sueldo de 20 libras semanales a cada uno, les alquiló un apartamento y les abrió cuenta en las mejores tiendas de moda londinenses. Pero como era previsible, el que mejor negocio acabaría haciendo no sería otro que el propio Arden.

Primeros singles

El acuerdo con Arden dio frutos de inmediato en la forma de un contrato discográfico con Decca, y en agosto se publicó el primer single, Watcha Gonna Do About It, canción escrita por compositores profesionales (Ian Samwell y Brian Potter) para potenciar el “mod appeal” del grupo y favorecer las ventas entre el colectivo mod. La jugada supone un completo acierto, pues el disco alcanza el nº 14 en las listas de ventas inglesas. Sin embargo, el éxito inicial despierta afanes de protagonismo inesperados: en una actuación televisiva, durante el solo de guitarra de Marriott, el teclista Jimmy Winston llama la atención de las cámaras con grandes aspavientos. En noviembre, Winston es despedido del grupo. Su sustituto será Ian McLagan, cuya estatura … sí, seguro que lo habéis adivinado: es similar a la de los otros tres Small Faces. Poco antes de la incorporación de McLagan se publica el segundo single: I’ve Got Mine, compuesto por Lane y Marriott y que pretende continuar el éxito de Watcha Gonna Do About It. Sin embargo, esta vez el single es un fracaso, por lo que Don Arden recurre de nuevo a compositores profesionales para el tercer sencillo. En esta ocasión, la pegadiza canción Sha La La La Lee (compuesta por Kenny Lynch y Mort Shuman) les devuelve a las listas de éxito, alcanzando el nº 3 a principios de 1966. Sin embargo, las tensiones empiezan a aflorar: Arden mantiene al grupo actuando constantemente, y el cansancio comienza a pasar factura. Además, el grupo está descontento con el hecho de que sus primeros éxitos sean canciones ajenas y quieren grabar material propio.

Primer álbum: Small Faces

A estas alturas, y gracias al éxito de Sha La La Lee, los Small Faces se han ganado el derecho a grabar un disco de larga duración. El primer álbum, titulado simplemente Small Faces es realmente significativo tanto en cuanto al sonido como en cuanto a las canciones. En el sonido, los Small Faces suenan más duros que en sus anteriores singles, y las voces de Marriott son más agresivas. La dureza en la interpretación destaca especialmente en las composiciones propias, como E to D, Come On Children o You Need Loving¹. Por otra parte, en las canciones ajenas queda patente el difícil pero acertado equilibrio entre su amor por el Rhythm’n'Blues negro (Shake) y el pop más comercial (Sorry She’s Mine, You Better Believe It, escritas por Kenny Lynch), interpretando unas y otras con energía y sinceridad.

Con el álbum, el grupo ha recuperado la confianza para lanzar singles escritos por ellos mismos, y los resultados les dan la razón: Hey Girl sale a la venta en mayo, simultáneamente con el álbum y alcanza el puesto nº 10. Pero sobre todo All Or Nothing, que se publica en agosto, llega al nº 1, convirtiéndose en un clásico del pop de los 60, perfecto ejemplo de equilibrio entre la influencia de la música negra, el enérgico sonido del grupo y la necesaria dosis de comercialidad.

El contrato con Inmediate

Para entonces, el grupo empieza a darse cuenta de que, a pesar de actuar en vivo constantemente y vender miles de copias de sus discos, sus ingresos dejan mucho que desear. La relación con Don Arden también tiene otros motivos de queja: éste lleva a Decca una cinta de My Mind’s Eye para que sea publicada en single sin el consentimiento del grupo (pese a lo cual llega al nº 4 de las listas). La gota que colma el vaso es una reunión en la que Arden informa a los miembros del grupo y a sus padres (pues eran menores de edad) que el dinero ganado se había esfumado debido al “hábito de la aguja” de los chicos². La ruptura con Arden es inevitable, y a mediados de 1967 los Small Faces fichan por Inmediate, el sello de Andrew Loog Oldham, que se convierte en su manager. Pero Arden y Decca no pierden ocasión de hacer caja a costa del grupo, y todavía publican los singles I Can’t Make It y Patterns y el álbum From The Begining (una recopilación de éxitos y grabaciones inéditas) entre marzo y junio de 1967.

Llega la psicodelia

El cambio de management y discográfica tiene consecuencias importantes: cansados de las giras constantes, el grupo se concentra en el estudio de grabación. A la vez, se alejan de su sonido inicial de Rhythm’nBlues para aproximarse cada vez más al pop e incorporar influencias de la psicodelia, aunque sin perder en absoluto su enorme energía. El primer single con Inmediate refleja estos cambios: Here Comes The Nice (nº 12, junio de 1967) muestra un sonido más pulido, una producción más cuidada y unos arreglos más elaborados. Los siguientes singles siguen en esta línea, y se pueden calificar como auténticos clásicos de los años 60: Itchycoo Park (nº 3, agosto 1967), Tin Soldier (nº 9, diciembre 1967). Así mismo, con Inmediate publican su segundo álbum, de nuevo titulado simplemente Small Faces en julio de 1967, y en el mismo queda sobrada constancia de su cambio de orientación musical.

Ogden’s Nut Gone Flake

Pero es en 1968, último año en que el grupo permanece unido, cuando publican su mejor obra, el álbum Ogden’s Nut Gone Flake (junio de 1968, nº 1 en las listas inglesas durante 6 semanas). Como adelanto del mismo se había publicado el single Lazy Sunday (abril de 1968), compuesta como una broma por Steve Marriott, pese a lo cual la discográfica la publicó (sin el consentimiento del grupo), alcanzando nada menos que el nº 2 en las listas. Volviendo a Ogden’s, las dos caras del álbum presentaban planteamientos diferentes. La primera era una simple colección de canciones sin relación entre ellas (algunas memorables, como Afterglow Of Your Love o Song of a Baker). En la segunda cara, en cambio, las canciones tenían relación entre sí, iban unidas entre ellas, y la voz de un narrador contaba una historia que servía de hilo conductor a la música del grupo.

La separación

Un último single no incluido en el álbum, The Universal (nº 16, junio de 1968) será su último disco antes de la separación. Tras una actuación desastrosa en Nochevieja de 1968, Steve Marriott abandonará a sus compañeros para formar Humble Pie (Ver el artículo Humble Pie – As Safe As Yesterday Is (1969) : Pioneros Del Rock Duro). El resto del grupo permanecerá unido, reclutando a los ex-Jeff Beck Group Rod Stewart (cantante) y Ron Wood (guitarra) y pasando a denominarse Faces.

Tras la separación, la discográfica Inmediate tampoco pierde ocasión de seguir haciendo caja, y publica el doble álbum recopilatorio The Autumn Stone, en el que se incluyen algunas interesantes canciones inéditas grabadas antes de la separación (Red Balloon, Wham Bam Thank You Mam, y la propia Autumn Stone).

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Notas:

1. Whole Lotta Love de Led Zeppelin, publicada tres años más tarde suena sospechosamente parecida a You Need Loving … aunque ambas se parecen demasiado a You Need Love, de Willie Dixon.
2. Aunque la insinuación de Arden se interpretó como referente a las drogas, cabría plantearse si no se refería en realidad a la aguja de coser, dado el elevado gasto en ropa del grupo

En los mismísimos orígenes de la psicodelia, Moby Grape fue uno de los grupos pioneros de San Francisco junto a Grateful Dead y Jefferson Airplane.

De hecho, la figura central del grupo, Skip Spence, había sido batería de los Jefferson, pese a que él era guitarrista, cantante y compositor¹

Estamos a finales de 1966. Skip Spence acaba de dejar a los Jefferson Airplane y busca músicos para completar un grupo en el que él sería la figura central.

Los músicos

Sin embargo, en vez de rodearse de musicos de segunda fila que no puedan hacerle sombra, Skip reune a su lado a 4 grandes músicos, cantantes y compositores, creando un supergrupo de desconocidos con un potencial impresionante.

Peter Lewis (voz, guitarra rítmica) posee una voz melódica con inclinación a la balada que sirve de contrapunto a la voz desgarrada y la energía apenas contenida de Spence.

Bob Mosley es un eficaz bajista y cantante, que firma e interpreta algunas grandes composiciones y añade en el bajo líneas melódicas y escalas vertiginosas a las canciones del quinteto.

Por su parte, Jerry Miller (guitarra solista y voz) y Don Stevenson (batería y voz) forman un tándem creativo que escribe algunas de las mejores canciones del grupo, sin olvidar su calidad como instrumentistas. Miller, particularmente, puede considerarse un virtuoso del instrumento en una época en que todavía había mucho por descubrir con las seis cuerdas.

El primer álbum: Moby Grape

Con esta plantilla de lujo se graba el primer LP, Moby Grape (1967), con composiciones de todos los miembros repartidas más o menos proporcionalmente, lo que da al L.P. una gran variedad de sabores y estados de ánimo: furia de distinta intensidad en Omaha, Fall On You, Changes o Come In The Morning, toques country en 8:05 o Ain’t No Use, sin olvidar baladas de ambiente melancólico como Sitting By The Window o Someday, y temas próximos al Soul (Mr. Blues) o al Rhythm’n'Blues (Hey Grandma, versioneada eficazmente por los ingleses Move de Roy Wood)

El álbum reune 13 temas sin desperdicio, bien compuestos, bien arreglados, con un sonido compacto y uniforme y unas interpretaciones magistrales.

La discográfica, sin embargo, dilapidará el potencial comercial de este álbum extraordinario con una jugada arriesgada: 5 son los singles extraídos simultáneamente del álbum, lo que suponía tener a la venta a la vez 10 de las 13 canciones del disco, más el propio álbum completo. Pero como dice el refrán español, “El que mucho abarca poco aprieta”, de modo que tan solo el single Omaha alcanza cierta repercusión.

Wow! y la caída de Skip Spence

Este mal comienzo (comercial, que no artístico) sería ya imposible de corregir. La segunda entrega discográfica del quinteto será de nuevo arriesgada… y fallida. En esta ocasión se publica un disco doble: Wow! / Grape Jam (1968). Pero si el primero, grabado en estudio, contiene muy buenas canciones (Motorcycle Irene, Bitter Wind, Murder In My Heart For The Judge), el segundo, en directo, es perfectamente prescindible. Comercialmente, el resultado es mucho peor que el del album inicial.

Para empeorar las cosas, el abuso del LSD por Skip Spence empieza a pasar factura y finalmente será diagnosticado de esquizofrenia. Durante un episodio psicótico, Skip intenta derribar con un hacha contra incendios la puerta de la habitación de hotel de Jerry Miller mientras persigue a Don Stevenson convencido de que este ha sido poseído por Satán. En estas condiciones, Spence es apartado del grupo. Miller recuerda así lo ocurrido: “Skippy cambió radicalmente cuando estábamos en Nueva York. Había gente metida en drogas más duras, y en un estilo de vida más duro, y en algo de mierda muy rara. Y el se lió con esta gente. Eran muy raros, medio nazis. Skippy se perdió de vista una temporada. La siguiente vez que le vimos se había cortado la barba y llevaba una chaqueta de cuero negro, con el pecho saliéndose, con cadenas y sudando como un cerdo. No se qué demonios se apoderó de el, pero le machacó. Y lo siguiente que sé es que tiró abajo mi puerta en el Hotel Albert con un hacha. En recepción decían que un chalado había amenazado con un hacha al portero”.²

A causa de este incidente, Skip pasa seis meses recluido en un hospital psiquiátrico. Tras ser dado de alta grabara su única obra en solitario, el delirante álbum Oar (1969), disco de culto de difícil escucha pero que esconde joyas como Little Hands o War In Peace, y en el que él toca todos los instrumentos, con arreglos a veces aventurados y no pocos “cazos”.

Moby Grape sin Skip Spence

Mientras tanto, Miller, Mosley, Lewis y Stevenson mantienen el grupo con vida, pero la chispa de la genialidad ya ha desaparecido. Graban Moby Grape ’69 y Truly Fine Citizen en 1969, este ultimo sin Mosley. Son álbumes con algunas buenas canciones, pero ya nunca volverán a la primera línea del pop. Tras un intrascendente disco de reunion del quinteto original, 20 Granite Creek (1971), Moby Grape desaparece durante una larga temporada. Problemas legales con su manager Matthew Katz (que les hizo firmar la cesión del derecho de uso del nombre del grupo) les impiden volver a presentarse como Moby Grape.

Sin embargo, el paso de los años les convierte en un grupo de culto, y periodicamente se producen reuniones de varios de sus miembros bajo nombres como Legendary Grape, Mosley Grape, o The Melvilles. La muerte de Skip Spence en 1999, lejos de poner fin al grupo, sirve para que el hijo de este, Omar Spence tome su puesto junto a los restantes miembros de este grupo legendario.

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Notas:

1. Se cuenta que el cantante de los Jefferson, Marty Balin “le vió pinta de batería” y le convenció para aprender a manejar las baquetas, a lo que él accedió, aprendiendo en pocas semanas.
2. Skippy changed radically when we were in New York. There were some people there that were into harder drugs and a harder lifestyle, and some very weird shit. And so he kind of flew off with those people. They were really strange, almost Nazi-ish. Skippy kind of disappeared for a little while. Next time we saw him he had cut off his beard, and he had a black leather jacket on, with his chest hanging out, with some chains and just sweating like a son of a gun. I don’t know what the hell he got a hold of, man, but it just whacked him. And the next thing I know, he axed my door down in the Albert Hotel. They said at the reception area that this crazy guy had held an axe to the doorman’s head, extraido de Wikipedia

El 6 de abril de 1966 se formaba uno de los grupos más influyentes de los años 60, tras una complicada historia que incluía varias busquedas infructuosas y un encuentro casual.

Neil Young (Guitarra, voz) y Bruce Palmer (Bajo), ambos canadienses, se habían presentado en Los Angeles tras conducir desde Toronto en un coche fúnebre propiedad de Young. Este sabía que su amigo Stills estaba en Los Angeles, pero después de varios días no había conseguido localizarlo, y ya estaba pensando en dirigirse hacia San Francisco.

Stephen Stills (Guitarra, voz) y Richie Furay (Guitarra, voz) se habían mudado a Los Angeles desde Nueva York. Ambos habían cantado juntos en los Au Go Go Singers y compartían apartamento en Nueva York cuando Stills decidió ir a buscar suerte a Los Angeles. Ya en California, Stills convenció a Furay para que se trasladara él también, lo que éste hizo unos meses más tarde.

Stills y Young se habían conocido en 1965 en Canadá y habían entablado amistad. Más tarde, Young había ido a buscar a Stills a Nueva York, pero en el apartamento de Stills no encontró a este (que ya había emigrado a California), sino a Furay, con quien se quedó unos días antes de regresar a Canadá.

El 6 de abril de 1966

Aquel 6 de abril de 1966, unos y otros se encontraban atrapados en un atasco de tráfico en Sunset Boulevard, solo que iban en direcciones opuestas. Cuando Furay vió el coche fúnebre con matrícula canadiense, supo que se trataba de Neil Young, y tras cambiar de sentido en medio del embotellamiento, ambos vehículos se detuvieron en el parking de un supermercado. Stills y Furay mostraron a Young y Palmer su propio arreglo de Nowadays Clancy Can’t Even Sing, una composición de Young que este había enseñado a Furay durante su estancia en Nueva York, y los cuatro decidieron formar un grupo. Billy Mundi se les unió como batería, pero fué reemplazado a los pocos días por Dewey Martin (batería, voz). En menos de un mes estaban tocando en los locales de Los Angeles.

Ya en aquellos primeros momentos, Buffalo Springfield era un espectáculo digno de ver: tres guitarristas, dos de ellos estupendos solistas (Stills y Young), cuatro cantantes (Stills, Young, Furay, Martin) y abundante material original de primera calidad compuesto por Young, Stills y en menor medida también Furay. No es de extrañar, por tanto, que Chris Hillman de los Byrds se convirtiera en uno de sus primeros admiradores, facilitándoles buenos contactos en el mundillo musical californiano. Charlie Greene y Brian Stone (managers de Sonny & Cher) se convierten en sus representantes y productores, y les consiguen contrato discográfico con Atco (filial de Atlantic) acompañado de un suculento anticipo de 22.000 $.

Primeras grabaciones

En julio de 1966, apenas tres meses después de formarse, el grupo comienza a grabar en los Gold Star Studios de Los Angeles. Pero si Greene y Stone se revelan como estupendos representantes, como productores su labor no satisface a los miembros del grupo, y los resultados tampoco están a la altura: publicado el 31 de julio de 1966, el primer single, Nowadays Clancy Can’t Even Sing / Go And Say Goodbye pasa sin pena ni gloria, pese a tratarse de un estupendo tema de Neil Young con una interpretación vocal perfecta de Richie Furay, cambios de compás (2/4 y 3/4), buenas armonías vocales y un magnífico trabajo de guitarras. El sonido, por el contrario, es bastante pobre incluso para los estándares de la época.

Peor suerte corre el segundo sencillo, Burned / Everybody’s Wrong. En este caso el single es retirado al poco tiempo de publicarse.

Primer álbum: Buffalo Springfield

Pese a la falta de éxito inicial, el grupo termina la grabación de su primer álbum bajo la supervisión de Greene y Stone. La tónica del álbum es similar a la de los dos primeros singles: buenas canciones de Stephen Stills y Neil Young, arreglos complejos, guitarras solistas superpuestas, estupendas armonías vocales y predominio de Richie Furay como cantante solista, aunque Stills y, en menor medida, Young también interpretan algunas de sus propias composiciones. El sonido, sin embargo, sigue siendo pobre para las expectativas del grupo. A estas alturas, Stills y Young ya han aprendido lo suficiente como para considerarse capaces de mejorar la mezcla realizada por Greene y Stone, por lo que se encierran en el estudio y realizan una nueva mezcla en mono del álbum. Sin embargo, acabará prevaleciendo el criterio de Greene y Stone, y el álbum se publicará con la mezcla en stereo realizada por ellos mismos. Esta es la gota que colma el vaso, y el grupo decide librarse como sea de Greene y Stone lo antes posible.

En diciembre de 1966, el primer álbum, titulado simplemente Buffalo Springfield, sale a la calle. No obtiene éxito alguno.

El fracaso comercial, sin embargo, no es la única dificultad a la que se enfrentran. El bajista Bruce Palmer es detenido por posesión de drogas en un par de ocasiones, con lo que ha de ser sustituido en las actuaciones en directo. Aunque estas ausencias son esporádicas, a lo largo de 1967 se convertirán en un problema serio. Por otra parte, ya en esta etapa previa al éxito se va creando un doble liderazgo de Stephen Stills y Neil Young, que pronto hará que cada uno intente hacer las cosas a su modo. Además, Young padece epilepsia, y a veces sufre ataques sobre el escenario, o se ausenta repentinamente en plena actuación cuando presiente que va a padecer una crisis.

El éxito llega con For What It’s Worth

Pero la suerte de Buffalo Springfield está a punto de cambiar. Todavía en diciembre de 1966, Stephen Stills presencia en Los Angeles como la policía reprime violentamente una manifestación juvenil. Como reacción escribe For What It’s Worth, un himno pacifista que se convertirá en un icono de la cultura hippie.

En enero de 1967, el grupo se mete en el estudio y graba For What It’s Worth y una nueva versíon de Do I Have To Come Right Out And Say It (del primer álbum) que ocupará la cara B. El single se publica antes de que acabe enero, y en febrero alcanza el nº 7 en las listas americanas, convirtiéndose en su mayor éxito.

Atco reedita entonces el primer álbum eliminando el tema Baby Don’t Scold Me para hacer sitio a For What It’s Worth, de modo que el álbum reeditado se beneficie de las ventas del single.

Pero las dificultades no cesan: Bruce Palmer es arrestado de nuevo en enero y esta vez es expulsado del país. Su puesto será ocupado sucesivamente por Ken Forssi, Ken Koblun y Jim Fielder, sin encontrar sustituto estable.
Tras el éxito, los planes para un segundo álbum empiezan pronto, y se rumorea que su título será Stampede (Estampida). Sin embargo, más que una estampida lo que tiene lugar es una desbandada. Sin Palmer, el grupo ya no es el mismo, y la tendencia natural al liderazgo de Stills y Young les empuja a concentrarse cada uno en sus propias composiciones, rodeándose de los restantes miembros del grupo o de músicos externos según les conviene.

Inesperadamente, en mayo de 1967, Bruce Palmer vuelve al grupo tras entrar en el país ilegalmente, pero ahora el problema es otro: los roces entre Stills y Young van en aumento. En junio Neil Young abandona el grupo para concentrarse en sus propias composiciones, iniciando una colaboración con el productor Jack Nitzsche que se prolongará hasta bien entrados los años 70. Es sustituido por el guitarrista Doug Hastings.

Bluebird y Buffalo Springfield Again

Poco después se publica el single Bluebird / Mr. Soul , que ilustra perfectamente la situación del grupo en los meses previos: la cara A ha sido producida por el propio Stephen Stills, que ha utilizado a los músicos de estudio Bob West (bajo) y Charlie Chin (banjo). Neil Young grabó un solo de guitarra en otra sesión posterior, antes de abandonar. Doug Hastings grabó otro solo después … pero a Stills no le gustó el de Hastings, así que lo borró y dejó el de Young. A pesar del caos en el grupo, Bluebird es uno de los momentos más memorables de Buffalo Springfield. Sin embargo, comercialmente es un fracaso, y solo alcanza el puesto 58 en las listas.

Todavía durante la ausencia de Young, el grupo actúa en el histórico festival de Monterey en el verano de 1967. David Crosby de los Byrds (que también actúan en Monterey) se sube al escenario con ellos, anticipando la futura colaboración con Stills en Crosby, Stills & Nash.

Neil Young pronto se arrepiente de haber dejado el grupo, y en agosto se reincorpora, con lo cual Doug Hastings es invitado a marcharse. Con el quinteto original de nuevo reunido, se completan finalmente las sesiones de grabación del segundo álbum, que se publicará en diciembre de 1967.

Buffalo Springfield Again (1967) es el mejor álbum del grupo, y sin embargo, solo en unos pocos temas participa la formación al completo. Para hacernos una idea, podemos mencionar que en el álbum hay un tema producido por Greene y Stone, varios por Richie Furay (sus propias composiciones), otros por Stephen Stills solo, a medias con Neil Young o con el directivo de Atlantic Ahmet Erthegun, y otros por Neil Young solo o en colaboración con Stills o con Jack Nitzsche. En realidad, la variedad es uno de los puntos fuertes del álbum: Furay se inclina al country, Young elabora obras complejas y ambiciosas, Stills es el más rockero, pero también incluye influencias latinas, jazz, folk … incluso Dewey Martin interpreta un tema compuesto por Furay, Good Time Boy, de inspiración soul.

Bruce Palmer abandona, Last Time Around

Con el nuevo álbum en la calle y el quinteto original reunido otra vez, parece que todo debería funcionar bien. Pero en enero de 1968 Bruce Palmer es detenido por enésima vez y expulsado del país nuevamente. En esta ocasión, Palmer es reemplazado por Jim Messina, que había sido ingeniero de grabación en algunas de las sesiones de Buffalo Springfield Again.

Pero el grupo ya está sentenciado. En las sesiones de grabación de 1968, Neil Young apenas pisa el estudio. Stephen Stills graba con todo el grupo sin Young en alguna ocasión (Uno Mundo, que se publicará en single) pero casi siempre grabará sin varios de los miembros restantes o incluso lo hará él solo (Special Care, en el que Stills se ocupa de todos los instrumentos excepto la batería, tocada por Buddy Miles). Por su parte, Richie Furay ha formado equipo con Jim Messina, y ambos graban juntos varios temas, a veces con la colaboración de otros miembros del grupo, pero casi siempre con músicos de estudio.

Ya no sorprende a nadie que en marzo Neil Young anuncie a sus compañeros su decisión de dejar el grupo tan pronto finalicen las actuaciones comprometidas hasta la fecha, lo que ocurrirá en mayo. Para entonces, solo Furay y Messina parecen interesados en mantener Buffalo Springfield con vida: el tercer y último ábum, Last Time Around verá la luz en julio de 1968 gracias al esfuerzo de ambos, que recopilan las grabaciones disponibles y consiguen reunir material suficiente para un larga duración.

Si Buffalo Springfield Again tenía entre sus puntos fuertes su variedad, en Last Time Around la variedad es un punto débil debido a la heterogeneidad del material grabado, y al menor nivel general de las canciones. Pese a ello, todavía contiene grandes momentos como I Am A Child , grabada en solitario por Neil Young, Special Care, Questions y Four Days Gone de Stephen Stills y Kind Woman, grabada por Richie Furay y Jim Messina con músicos de estudio.

Tras la disolución, Neil Young reaparecerá en solitario. Stephen Stills formará Crosby, Stills & Nash, que poco después se convertirán en Crosby, Stills, Nash & Young (Pese a todo, Stills y Young han colaborado intermitentemente a lo largo de varias décadas ). Furay y Messina forman Poco, el primer gran grupo de Country – Rock. Dewey Martin forma New Buffalo Springfield hasta que Young y Stills le impiden en los tribunales que siga haciendo uso del nombre del grupo.

Como puede comprobarse, Buffalo Springfield figura en el árbol genealógico de tantos artistas importantes que podemos hacernos una idea de su influencia no solo en el pop de los 60, sino también en las décadas posteriores.

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