En esta ocasión su grupo de acompañamiento será Los Colosos del Ritmo, y el lugar, Gruta 77 en la Calle Nicolás Morales, esq. Cuclillo, nº 6.

Completará la velada el grupo invitado Miss Moneypenny.

Reproducimos a continuación la nota de prensa que nos ha facilitado su representante, Adolfo Sánchez.

MICKY Y LOS COLOSOS DEL RITMO.

(Conjunto invitado: Miss Moneypenny)

Sabado 9 de julio de 2.011. 23 h.

Precio: 10 €.

Gruta 77. C/ Nicolas Morales. Esq. Cuclillo Nº 6. Madrid. Metro: Oporto.

MICKY
http://www.myspace.com/mickyelhombredegoma

http://www.webmicky.com

El fastuoso regreso del Hombre de Goma y Coloso del Ritmo! Micky, pionero del Rock´N´Roll en nuestro país junto a los míticos Tonys, ha grabado un LP con 12 hits en los estudios vintage Circo Perrotti de Jorge Explosión.

Para la grabación de este trabajo, el maestro se hace acompañar por una verdadera banda de amantes del Rock´N´Roll que cuenta con la presencia de miembros de Dr Explosión, Raunch Hands, The Kaisers, The Real McCoyson y Bubblegum, entre otros astros del underground garagero.  Y claro, Micky, a la armónica y voz.

En directo, reúne en el escenario a la auténtica explosión sónica de los  madrileños The Imperial Surfers bajo la batuta del maestro Paco Poza (Los Imposibles) quienes le acompañarán para presentar en directo su LP para Munster Records.

¡Hola amigos! Supongo que todo esto es en parte culpa mía, así que dejadme que os cuente cómo conocí a Micky y por qué decidí embarcarme en esta historia con él.

En 1997, con motivo de una actuación de Dr Explosion en el festival Actual de Logroño, desde la organización del festival nos propusieron que cada banda actuase esa noche junto a un cantante de un grupo de los 60 para tocar un par de temas. Así que ahí me tienes a mí, quedando con Micky en el Hotel Pathos y ensayando el ‘I’m over’ de Los Tonys. Aquella actuación fue memorable, y hasta una foto donde yo le ponía una corona de laurel a Micky en la cabeza (nosotros vestíamos de romanos) salió en toda la prensa nacional.

Después de eso pasaron once años en los que coincidimos en un par de ocasiones gracias a un amigo común, Miguel Escalada. Miguel es un mítico y entrañable amigo que en los años 60 lideraba su conjunto beat Los Sonys. Un domingo de junio de 2008 en el que yo estaba trabajando en el estudio me llamaron y quedé con ellos para tomar el aperitivo. Me encantó volver a ver a Micky y, respondiendo a su pregunta “¿Qué andas haciendo ahora?”, le conté lo de Circo Perrotti y pareció intrigarle mucho, como persona curiosa que es. Acabamos comiendo juntos y hablando de rock & roll, y una cosa llevó a la otra.

De golpe lo vi claro. Y es que uno ya está cansado de ver cómo antiguas estrellas del rock & roll de otras décadas se nos presentan de nuevo queriendo rememorar aquellos años con discos que suenan, por ser benévolos, “cero excitantes” o “bastante verbeneros”. Así que pensé: “¿No sería increíble hacer algo auténtico con Micky? ¿Sería Micky capaz de ponerse en mis manos y confiar en mi criterio? Tengo la idea de cómo hacerlo, tengo el estudio, tengo los instrumentos, tengo a músicos cojonudos para hacerlo y tengo a Micky aquí delante”. Sin pensármelo dos veces se lo propuse. Inmediatamente pensé en contar con mi amigo John Gibbs, fundador de The Kaisers, y me reí por dentro pensando, “Vaya gorda que la voy a armar”.

Micky fue pionero del rock & roll en este país con Los Tonys, y probablemente es la única persona de esa década con la energía suficiente para embarcarse en algo así. Siempre entusiasta, y lo suficientemente loco y cuerdo para llevar esto adelante. Un artista que contagia emoción escuchándole hablar y escuchándole cantar. Pero esta vez de forma brutal, cruda y honesta, sin producciones rimbombantes ni músicos tocones. Donde la grabación respira la urgencia y la excitación que debe tener el rock & roll. La urgencia de las decisiones rápidas, de las primeras tomas. La excitación que produce el disfrutar tocando todos a la vez. Por ello me siento muy orgulloso de este retorno de Micky en la que para mí es su faceta más interesante y más sincera como artista, la de cantar rock & roll.

Jorge Explosion

MISS MONEYPENNY
http://www.myspace.com/moneypennyyeye

No se sabe exactamente la fecha en la que surgió Miss Moneypenny; el origen es tan misterioso como la dama del Servicio Secreto Británico que les da nombre. Algunos piensan que sucedió en 1982, cuando una recoleta Sixtina (voz) encontró un viejo LP con los hits de Conchita Velasco en el armario de su abuelo (La Velasco era una de las estrellas de la casa barcelonesa Belter, sello discográfico fundado en 1955 por su familia) Otros dicen que la culpable es Alba Castillo (guitarrista): fue una noche de 1987 mientras mordía su sonajero y sus padres estaban viendo aquel programa de “Qué noche la de Aquel año” en el que actuaba Tony Ronald; se puso a cantar a grito pelado “Perdóname amigo” y sus progenitores decidieron que era el momento de regalarle a la nena su primera guitarra de juguete.

El caso es que nuestras dos protagonistas acabaron coincidiendo a principios de 2009 en un conocido local de ensayo de la capital y decidieron unir toda su energía y espontaneidad en un conjunto instrumental y vocal, con el noble propósito de recoger todas aquellas canciones que cambiaron sus vidas para siempre. Con mucho cariño y la incorporación de una potente base rítmica (formada por Henar Lastres -bajo- y Rosali W -batería-), junto al guitarrista Antonio Umbría y el teclista David Cordero han ido preparando una acertada selección musical: junto a temas que hicieron de oro chicas Yé Yé ibéricas (como nuestra Gelu), italianas (como Patty Bravo) o francesas (como la aparentemente inocente France Gall), interpretan con mucha magia instrumentales de los españoles Relámpagos o de los norteamericanos Ventures. Si tu palabra favorita es FIESTA con Miss Moneypenny la tienes asegurada: no podrás dejar de bailar desde el primer segundo en el que empiecen a sonar.

Junto al Dry Martini, Miss Moneypenny son el Cocktail indispensable en los guateques más sonados.

La lista completa, hecha pública el 28 de septiembre de 2010, incluye también a Alice Cooper, los Beastie Boys, Bon Jovi, Chic, J.Geils Band, LL Cool J, Donna Summer, Tom Waits y Chuck Willis. No figuran, en cambio, los norteamericanos Canned Heat pese a su campaña para acceder al Salón de la Fama, de la que os informábamos hace unos meses.

En unas semanas se hará pública la lista de artistas nominados que finalmente accederán al R’n’R Hall of Fame en 2011.

25 años después de su fundación, el Rock’n’Roll Hall of Fame reconoce por fín el importante papel jugado por Donovan Leitch en la música popular de todos los tiempos, y desde 60 pop deseamos que la merecida nominación se acabe materializando en acceso al Salón de la Fama del Rock’n’Roll en 2011.

Entre los principales méritos del trovador escocés se puede citar su temprana fusión de elementos del folk, rock, pop, psicodelia, música india, etc… De ello ya hablábamos en el artículo Donovan – Hurdy Gurdy Man (1968) : Folk – Metal, Quien Tocó y Quien No y La Estrofa Perdida de George Harrison, tan solo una pequeña muestra del talento del folkie de Glasgow.

Por el lado negativo, debemos destacar que los expertos del Hall of Fame siguen dando la espalda a los pioneros del Blues – Rock Canned Heat, quienes en mayo iniciaban una campaña mediante Facebook y My Space que ahora se revela como infructuosa, y de la que informábamos en el artículo Canned Heat Inicia una Campaña On Line para Acceder al Rock’n’Roll Hall Of Fame.

Nos remitimos a dicho artículo para poner en antecedentes a los lectores acerca del R’n’R Hall of Fame, los artistas que han accedido desde su fundación en 1985, y los músicos de los años 60 que merecerían figurar en él … entre los que en su día citábamos a Donovan, al que esperamos ver finalmente en el Hall of Fame en 2011.

Aún cuando el mérito artístico del grupo, su influencia sobre otros músicos e incluso su repercusión comercial deberían avalar esta petición, no puede olvidarse que de la formación clásica de Canned Heat tan solo queda actualmente el batería Adolfo “Fito” de la Parra, y ningúno de los miembros fundadores. Las grandes figuras del grupo, además, llevan mucho tiempo fallecidos: Alan Wilson (1970), Bob Hite (1981) y Henry Vestine (1997), lo cual podría ser un argumento para restar prioridad al acceso de Canned Heat al Rock’n'Roll Hall of Fame.

Otros grandes grupos como Procol Harum, Manfred Mann o los Shadows tampoco han accedido todavía al Salón de la Fama del Rock’n'Roll.

El Rock’n'Roll Hall of Fame

Creado en 1985 en Nueva York, el Rock’n'Roll Hall of Fame and Museum estableció sus instalaciones en Cleveland (Ohio) en 1995. Desde 1986 viene incorporando (“inducting”) año tras año a las principales figuras de la música Pop y Rock del siglo XX. El único requisito para ser elegible es haber iniciado una carrera discográfica hace al menos 25 años, y en el proceso para la nominación de los artistas participan alrededor de 500 expertos. La incorporación al Hall of Fame se realiza durante una ceremonia anual en la que a menudo actúan los seleccionados, en ocasiones reuniendo grupos separados desde hace muchos años.

Entre los artistas de los años 60 que ya forman parte del R’n'R Hall of Fame podemos citar, sin ser exhaustivos: James Brown y Sam Cooke (1986) Aretha Franklin, Smokey Robinson y Marvin Gaye (1987), los Beatles, Beach Boys, Bob Dylan y las Supremes (1988), Rolling Stones, Otis Redding, Temptations y Stevie Wonder (1989), Kinks, Simon & Garfunkel, Who (1990), Byrds, Wilson Pickett, Ike & Tina Turner (1991), Booker T. & the M.G.’s, Johnny Cash, Jimi Hendrix Experience, Yardbirds (1992), Cream, Creedence Clearwater Revival, Doors, Van Morrison, Sly & the Family Stone (1993), Animals, The Band, Grateful Dead (1994), Allmann Brothers Band, Janis Joplin, Martha & the Vandellas, Led Zeppelin, Neil Young, Frank Zappa (1995), David Bowie, Jefferson Airplane, Pink Floyd, Shirelles, Velvet Underground (1996), Buffalo Springfield, Crosby, Stills & Nash, Young Rascals (1997), Fleetwood Mac, Mamas & the Papas, Santana (1998), Del Shannon (1999), Lovin’ Spoonful (2000), Solomon Burke (2001), Gene Pitney (2002), Righteous Brothers (2003), Traffic (2004), Percy Sledge y Buddy Guy (2005), Ronettes (2007), Dave Clark Five, Ventures, Leonard Cohen (2008), Jeff Beck (2009) y los Hollies (2010).

¿Debería Canned Heat figurar en el Rock’n'Roll Hall of Fame?

A la vista de algunos de los grupos que figuran entre los ya incorporados al Hall of Fame, no cabe duda de que Canned Heat merecería poner su nombre junto a muchos de ellos, al menos por su producción comprendida entre 1967 y 1970, cuando fueron liderados por el genial Alan “Blind Owl” Wilson.

Sin embargo, podría argumentarse que similar derecho deberían tener intérpretes en su misma situación como los Shadows, Searchers, Manfred Mann, Donovan, Procol Harum, Turtles, Joe Cocker, Fairport Convention, Deep Purple, Moody Blues, Poco o Jethro Tull, lo cual además nos indica que en los años venideros aún habrá una importante competencia para ganarse un puesto en el Hall of Fame … y eso sin contar los artistas de los años 50, 70 y 80.

Las razones para figurar en el Rock’n'Roll Hall of Fame las expone el propio grupo en una página creada al efecto en Facebook:

“La Banda de Boogie /Blues Rock Canned Heat ha influído e inspirado a incontables músicos desde su formación en 1965, algunos de los cuales ya figuran en el Hall of Fame, incluyendo a ZZ Top (que accedieron en 2004). También han actuado y grabado con otros muchos miembros del Hall of Fame, incluyendo la grabación de “Hooker and Heat“, el muy aclamado e histórico álbum doble con John Lee Hooker, miembro del Hall of Fame desde 1991. Además, no solo actuaron como cabeza de cartel en Woodstock en 1969, su éxito mundial “Going Up The Country” ha sido adoptado por muchos como el himno no oficial de Woodstock 1969, y aunque la mayoría de los que tocaron en Woodstock en 1969 están en el Hall of Fame, Canned Heat, que es elegible desde 1992 todavía no lo está. Otros éxitos mundiales incluyeron “Let’s Work Together” y “On The Road Again“.

El grupo se hace eco también de esta petición en la página oficial de Canned Heat en MySpace.

Mientras tanto, el grupo sigue en activo y actuando en directo. Para 2010 tienen previsto realizar algunas actuaciones escogidas en las que participarán como invitados los ex- miembros históricos del grupo Larry Taylor (bajo, miembro de la formación clásica) y Harvey Mandel (guitarrista, sustituyó a Henry Vestine en 1969) .

Actualización 31/05/2010 : Continúa la ofensiva. El 28/05/2010 Canned Heat ha creado una nueva página de grupo de MySpace titulada CANNED HEAT Must be inducted in the Rock N Roll Hall of Fame. Su objetivo es conseguir la adhesión de  5000 usuarios de MySpace que respalden la petición de acceso al Hall of Fame.

Después de casi 10 años vuelve a estar on line la web de Buffalo Springfield en Español, en esta ocasión alojada por 60 pop en la nueva dirección http://buffalospringfield.60pop.com.

En esta web encontraréis información sobre la historia del grupo y sus miembros: Stephen Stills, Neil Young, Richie Furay, Bruce Palmer, Dewey Martin y Jim Messina. También hay reseñas de los álbumes del grupo y letras de canciones traducidas al español.

Buffalo Springfield es uno de los grupos cruciales de la década de los 60. Su influencia sobre la música posterior es enorme, y muchos de sus miembros desarrollaron con posterioridad interesantes carreras en solitario o crearon nuevos grupos. En 60pop les dedicamos hace tiempo un artículo: Buffalo Springfield: Primeros Pasos de Neil Young, Stephen Stills y Richie Furay.

La web de Buffalo Springfield en Español estuvo on-line a partir de agosto de 1999, en un momento en el que la información en español sobre los grupos musicales de los años 60 no abundaba precisamente, desapareciendo pocos años después. En 60pop hemos decidido rescatarla, pues pese a los años transcurridos, la información en castellano disponible sobre este gran grupo sigue siendo escasa. Aún peor, muchas de las webs en inglés que sirvieron para documentar Buffalo Springfield en Español en 1999 han desaparecido también. Podéis acceder mediante el siguiente enlace:

Buffalo Springfield en Español

Y la inevitable pregunta es: Después de cuatro décadas de voraz explotación por parte de las discográficas de todo lo que Jimi Hendrix grabó en vida, ¿realmente queda algo que merezca la pena y que no haya visto la luz todavía?

Tendremos que esperar hasta el 9 de marzo de 2010 para comprobarlo, aunque para abrir el apetito el 9 de febrero se publicó en single la canción que da título al álbum, y el 1 de marzo salió a la venta como segundo single Bleeding Heart.

Por cierto, Experience Hendrix aprovecha la ocasión para reeditar la discografía de Jimi Hendrix al completo ¿Casualidades de la vida?

La discografía póstuma de Jimi Hendrix

En el momento de su muerte el 18 de septiembre de 1970 Jimi Hendrix se encontraba trabajando en el que debía ser su siguiente álbum, First Rays Of The New Rising Sun. Como otros grandes de la música, Hendrix era un perfeccionista casi obsesivo que no consideraba terminado un corte hasta que este estaba realizado a su plena satisfacción. Su prematuro fallecimiento marcó el inicio de una de las labores de explotación musical “post – mortem” más exhaustivas de la historia, cebándose en la legión de fieles seguidores de Hendrix.

Para empezar, la discográfica Polydor publicó en 1971 The Cry Of Love, probablemente el mejor de los álbumes póstumos de Jimi Hendrix, en el que sin embargo se mezclaban sin muchas contemplaciones canciones completadas por Hendrix antes de morir con algún out-take de dos años antes (My Friend) e incluso piezas inconclusas a las que se habían añadido instrumentos tras la muerte de Jimi (Drifting).

Pese a todo, gran parte de las canciones estaban en su forma definitiva, y respecto a las restantes, el perfeccionismo de Hendrix tenía como consecuencia que el material que él mismo no consideraba terminado solía presentar un nivel altísimo. La mayor parte del álbum se grabó en el verano de 1970, poco antes de morir.

A The Cry Of Love siguieron a lo largo de los años 70 álbumes de cada vez menor calidad, como Rainbow Bridge, War Heroes, Crash Landing, etc… Y eso tan solo por parte de su propia discográfica. También proliferaron álbumes de otras compañías en los que aparecía Jimi Hendrix en papeles secundarios con otros artistas antes de alcanzar la fama en 1967. Así, se publicaron una serie de decepcionantes álbumes: Jimi Hendrix con Little Richard, con Curtis Knight … Y a lo anterior hay que sumar la legión de discos piratas, en su mayoría en directo, que proliferaron también durante los años 70 y siguientes.

En 1994, los sucesores de Jimi Hendrix recuperaron los derechos sobre su obra y constituyeron la empresa Experience Hendrix, que mediante acuerdos con compañías discográficas vienen reeditando los álbumes oficiales de la Jimi Hendrix Experience y algunos álbumes nuevos.

Así, en 1997 vió la luz en Compact Disc First Rays Of The New Rising Sun utilizando el título que el propio Jimi quería dar a su siguiente disco, aunque limitándose a empaquetar juntas las mejores canciones de los álbumes póstumos de Jimi Hendrix. Poco después se publicará South Saturn Delta, de nuevo con material extraído fundamentalmente de la discografía póstuma y alguna que otra rareza.

Valleys Of Neptune

En esta ocasión, Experience Hendrix nos trae un álbum de material de estudio inédito, grabado en su mayor parte durante los primeros meses de 1969, en un periodo de transición en el que junto a Jimi Hendrix (guitarra, cantante) y Mitch Mitchell (batería) participa por última vez Noel Redding (bajo), apareciendo en escena Billy Cox (bajo) para sustituir a aquel.

En realidad, muchas de las grabaciones de este periodo son nuevos arreglos sobre canciones ya publicadas (Stone Free, Red House, Fire) o versiones de estudio de canciones habitualmente interpretadas en directo (Sunshine Of Your Love, versión de Cream, Hear My Train A Comin’ …).

Además de las 10 canciones procedentes de los primeros meses de 1969, el álbum incluye Mr. Bad Luck, un out-take del L.P. Are You Experienced? (1967), y la canción que dá título al álbum, Valleys Of Neptune, de la cual existen varias versiones incompletas, algunas de las cuales ya había visto la luz en ediciones pirata.

En la versión ahora publicada, Valleys of Neptune se grabó en dos sesiones en septiembre de 1969 y mayo de 1970, más próximas cronológicamente a las sesiones que se publicarían en The Cry Of Love (1971) que al resto del álbum que verá la luz el 9 de marzo de 2010.

De todo lo anterior se desprende que no se puede decir que estemos ante un auténtico álbum perdido de Jimi Hendrix, como la publicidad parece insinuar, pues las canciones proceden de sesiones diversas, cronológicamente dispersas, e incluso con músicos diferentes.

Pero además, y a excepción de la canción Valleys Of Neptune (que podemos considerar simplemente como inconclusa) el resto del material, presumiblemente, se consideraba no solo inacabado, sino también desechado por el propio Hendrix, como se desprende del hecho de que este no volviera a trabajar sobre tales grabaciones después de abril de 1969.

En cualquier caso, tendremos que esperar a escuchar el álbum completo para poder emitir un juicio fundamentado, aunque a priori da la impresión de que se trata de un nuevo “sacaperras” a costa de los incondicionales de Jimi Hendrix.

Mientras tanto podemos hacernos una idea con el vídeo de Valleys Of Neptune que Spinner.com ha publicado como anticipo del álbum, con la canción íntegra que le dá título:

Vídeo de Valleys Of Neptune de Jimi Hendrix En Spinner.com

No en vano, los Who han sido calificados como uno de los mejores grupos de rock en directo, si bien la formación actual del grupo difiere bastante de la de sus mejores tiempos. Del cuarteto original quedan con vida el vocalista Roger Daltrey y el cantante / guitarrista Pete Townsend, ambos camino de cumplir los 70 años¹. Junto a ellos en el escenario se encontraban el bajista Pino Palladino, el teclista John “Rabbit” Bundrick, el guitarrista Simon Townsend y el batería Zak Starkey (hijo del Beatle Ringo Starr y discípulo de Keith Moon, batería original de los Who).

En cuanto al repertorio, estuvo formado por un largo medley de algunos de los grandes éxitos del grupo: Pinball Wizard (1969), Baba O’Riley (1971), Who Are You (1978), See Me Feel Me (1969) y Won’t Get Fooled Again (1971); dos de ellas procedentes del doble álbum Tommy (1969), otras dos de Who’s Next (1971) y una del álbum Who Are You (1978). Sin embargo, la elección no es del todo casual, pues tres de ellas son sintonía de programas emitidos por la cadena estadounidense CBS, la misma que retrasmite la Super Bowl: CSI (Who Are You), CSI: NY(Baba O’Riley) y CSI: Miami (Won’t Get Fooled Again).

Respecto a si la actuación realmente mereció la pena, la prensa en general ha mostrado una opinión favorable, y hay quien apunta que el año próximo la organización se va a ver en dificultades para mantener el gran nivel de esta 44ª edición.

En cambio, en los diversos foros de internet existe división de opiniones entre los que piensan que la edad no perdona y los que se sorprenden por la increíble vitalidad de unos sexagenarios Townsend y Daltrey.

Personalmente creo que en la breve actuación hubo momentos para apoyar ambas posturas. Pero nada mejor para formarse una idea que contemplar los vídeos de la actuación, para lo que os dejo este enlace:

Vídeos de los Who en el intermedio de la Super Bowl 2010

Por cierto, el partido lo ganaron los Saints.

Notas:

1. El batería Keith Moon falleció en 1978, y el bajista John Entwistle en 2002

El pasado 10 de julio asistí al concierto inaugural de la gira europea 2009 de John Fogerty, iniciada en España, y más concretamente en la localidad de San Javier (Murcia). La actuación, soberbia, ha sido ampliamente comentada tanto por la prensa como por los aficionados que asistieron, a través de diversos foros de internet. Por este motivo, no entraré en los detalles, ampliamente difundidos, sobre la banda que le acompañó y el repertorio interpretado (procedente en su mayoría de la discografía de Creedence Clearwater Revival). Baste decir que el grupo rebosaba tablas, pues venia de terminar su gira norteamericana el 4 de julio en el Hollywood Bowl de Los Angeles. Las siguientes actuaciones en España tuvieron lugar el 11 de julio en Córdoba, el 13 en Madrid y el 14 en Barcelona.

De lo que no se ha hablado tanto (al menos en detalle) es del amplio despliegue de guitarras con el que John Fogerty nos puso los dientes largos a los aficionados a las seis cuerdas. Por ello creo que se merece un artículo especial en 60pop, no solo por tratarse de un personaje fundamental de los años 60, sino también porque algunas de las guitarras exhibidas por el líder de los Creedence fueron también ampliamente utilizadas durante dicha década.

Guitarras modernas: PRS, MusicMan, Kubicki Bat-Guitar

Durante su actuación, John Fogerty empleó dos guitarras PRS (Paul Reed Smith). Estas guitarras parten del mismo concepto de las Gibson Les Paul en lo referente a los materiales de construcción: cuerpo de caoba y tapa curvada de arce, y están consideradas entre las mejores guitarras de su categoría que se fabrican actualmente. Uno de los modelos de PRS era “clónico” de una Les Paul, mientras que el otro presentaba doble cutaway, con una apariencia más contemporánea.

En cuanto a las Music Man, si mi memoria no falla empleó al menos dos de ellas, una con pastillas humbucker y la otra con pastillas de bobinado simple. La primera presentaba cuerpo tipo Stratocaster, mientras que la segunda parecía ser un modelo “Axis”, con un solo cutaway y contorno estilo telecaster pero más ondulado. Las guitarras MusicMan se identifican visualmente por el peculiarísimo clavijero, con 4 clavijas a un lado y 2 al otro (frente a las 6 clavijas en fila tipo Fender o las dos filas de 3 clavijas de otros fabricantes). En el aspecto sonoro, debo decir que la Axis sonaba más Fender que las propias Fender, si tal cosa es posible: gran brillo y tono afilado, especialmente al distorsionar. Una MusicMan con pastillas dispuestas al estilo stratocaster, aunque diferente a las que empleó en el concierto de San Javier, ilustraba la entrada al concierto, y sirve de portada a este artículo.

Por último, una de las guitarras era semejante a una Steinberger, sin clavijero y con un cuerpo delgado, mínimo, apenas lo suficiente para albergar las pastillas y potenciómetros. En realidad la guitarra imita un bate de beisbol, y según esta web está dotada con pastillas Seymour Duncan y fué fabricada a medida para Fogerty por Geoff Richardson y Phil Kubicki.

Guitarras de siempre: Gibson Les Paul … tres nada menos

John Fogerty empleó nada menos que tres Gibson Les Paul durante su actuación, y las tres diferentes: Una Gibson Les Paul Standard con acabado sunburst, una Gibson Les Paul Custom de color negro y una Gibson Les Paul Goldtop. Respecto a la primera, y tratándose de un modelo similar, el lector puede acudir a este artículo sobre la Gibson Les Paul Standard de Eric Clapton. Sobre la segunda recomiendo leer este estupendo artículo de la web de José Perdición sobre la Gibson Les Paul Custom de John Fogerty, donde también se nos ilustra acerca de la peculiar afinación empleada por John Fogerty en algunos de sus instrumentos.

Pero fué la Goldtop, con la tapa de arce de color dorado, la que más me impactó en cuanto a sonido, pues los solos realizados con ella sonaron realmente espectaculares, con un perfecto equilibrio entre sustain, cuerpo y brillo, incluso en las posiciones de pastilla intermedia y superior (pastilla del mástil). Por lo que leo en internet, se trataría de una reissue de la custom shop de Gibson basada en el modelo de 1956. La diferencia de sonido con las otras dos Les Paul y con todas las demás guitarras que desfilaron durante la noche fue, al menos para mis oidos, abismal, y probablemente se debe a las pastillas de bobina simple P-90 con las que está equipada, a diferencia de las restantes Les Pauls.

Una joya retro: Eastwood Airline Map

La guitarra más difícilmente identificable de las empleadas por John Fogerty en su primera actuación en España fué una Eastwood Airline Map, reproducción de un modelo de los años 60 que dejó de fabricarse hace décadas. Entre 1958 y 1968 se comercializaron con las marcas Valco, National y Supro una serie de guitarras de cuerpos realmente llamativos y peculiares, fabricados incluso con materiales no convencionales, como el Res-O-Glas. Uno de estos modelos es el reproducido en el ejemplar propiedad de Fogerty, una National Newport de 1962. Eastwood ha reproducido varios de estos modelos, todos ellos de formas estrambóticas, bajo la denominación Airline, y se pueden contemplar en la web de Eastwood Guitars

Otras guitarras

Además de las anteriores, John Fogerty utilizó una guitarra acústica Taylor con cutaway, concretamente en Have You Ever Seen The Rain y Who’ll Stop The Rain. Me llamó la atención la forma ondulada del golpeador de la guitarra, que me facilitó localizar a posteriori la guitarra de la que se trataba, aunque llegué a pensar que se trataba de una Guild. Uno de los miembros de la banda también empleó una guitarra acústica Taylor, si bien sin cutaway.

Y no puedo dejar de mencionar algunas de las guitarras empleadas por los “sidemen”: en concreto una Gretsch Duo Jet negra con vibrato Bigsby imponente, el bajo MusicMan Stingray de David Santos y, especialmente, una preciosa Gibson SJ-200, guitarra acústica tipo jumbo, de enorme cuerpo y conocida sobre todo por ser un modelo usado frecuentemente por Elvis Presley.

En resumen, una actuación inolvidable de una banda de lujo con un impresionante desfile de guitarras.