Historia de la música heavy metal

1967 – Antes de la tormenta
Últimamente las cosas no parecen las mismas … (Jimi Hendrix Experience – Purple Haze)
A diferencia de la creación de, bueno, la creación, que (supuestamente) sólo tomó seis días, Heavy Metal tomó un baño un poco más largo en el guiso primordial antes de hacer su gran entrada en el escenario mundial. En aras de la brevedad, comenzamos nuestro viaje en los años 60. La primera mitad de la década fue testigo de una explosión sin precedentes de música popular. Los actores de la vanguardia, como The Beatles (Quiero tener tu mano), The Rolling Stones (Paint It Black), The Who (Mi Generación) y The Kinks (You Really Got Me) emergieron como la “tercera generación” del rock Y roll (detrás de los creadores de blues y la generación de Elvis Presely / Little Richard). Cada uno de estos grupos contribuyó a la creación del arquetipo de “banda de rock”: fuerte, impredecible, rebelde e incluso peligroso. En la segunda mitad de la década de 1960, la próxima generación de “estrellas de rock” comenzó a sembrar las primeras semillas de metal pesado protypical. Dibujando la inspiración de sus blues y rock-and-roll forebearers, “hard rock” actúa, como Cream (Cuentos de Bravo Ulysses), Led Zeppelin (Communication Breakdown) y The Jimi Hendrix Experience (Voodoo Child), proporcionó la banda sonora de una generación cada vez mayor Descontento por la injusticia social y la escalada de la guerra en Vietnam. Lo que diferenció estos actos de sus predecesores fue los avances tecnológicos que permitieron nuevas alturas en la interrupción sónica (Blue Cheer – Summertime Blues). Estos actos fueron marcadamente más altos no sólo en volumen, sino en el tejido de un comentario social brutalmente contundente en sus letras. El heavy metal empezó a tomar forma …

1970 – El nacimiento del heavy metal
¿Qué es esto que está delante de mí? (Sabbath negro – negro Sabbath)
Black Sabbath (1970) Así como los físicos apuntan al Big Bang como el origen de nuestro universo, también podemos identificar el momento exacto y la ubicación cuando el metal pesado irrumpen en la escena. ¿Ese lugar y tiempo? West Midlands de Inglaterra, Birmingham para ser exactos, en 1968. ¿Qué sucede cuando tienes una generación de edad en una ciudad industrial económicamente deprimida durante una era de inocencia perdida? Bueno, Black Sabbath (Paranoid) sucede. El cuarteto forjó un sonido que recordaba el clamor de las acerías (Iron Man) que dominaban el paisaje de su ciudad natal. En el proceso, desataron una revolución sonora. Black Sabbath logró sintetizar rock and roll, blues duros (Fairies Wear Boots) y el “Intervalo del Diablo” con una pesadilla y una larga línea de mecenas en un cine para ver una película de terror protagonizada por Boris Karloff (incidentalmente titulada Black Sabbath). Black Sabbath forjó una trayectoria musical completamente nueva y única, marcada por los riffs de guitarra de Tony Iommi, las letras inteligentes de Geezer Butler y el bajo trueno, tambores de Bill Ward y Ozzy Osbourne, y Ozzy. Sonicamente, la música era completamente oscura y ominosa, de pie en el yuxtaposición a la música pop “flower power” de los actos contemporáneos. Desde el punto de vista lógico, el Sabbath abordaba abiertamente temas socialmente tabú que iban desde la corrupción política (cerdos de guerra) hasta el uso recreativo de drogas (Sweet Leaf) hasta el ostracismo social (Children of the Grave). En comparación con los actos de rock duro de finales de 1960, las composiciones y actuaciones de Sabbath eran minimalistas en forma y ejecución. Sin embargo, lo que les faltaba en complejidad, Black Sabbath compensado en términos de poder e intensidad. Sin embargo, Black Sabbath estableció el estándar como la primera banda de heavy metal adecuada.

1972 – Los reyes de la velocidad consiguen serios
Va a romper la velocidad del sonido … (Deep Purple – Highway Star)
Mientras tanto, algo se estaba gestando en Hertford, justo al norte de Londres. Un quinteto con el nombre de Deep Purple (Smoke on the Water) estaba experimentando con muchas de las mismas influencias que sus compatriotas hacia el noroeste. Sin embargo, a diferencia de la naturaleza aficionada, trabajadora de Black Sabbath, Deep Purple contó con una colección de músicos profesionales, altamente calificados y codiciados por su habilidad instrumental (Space Truckin ‘). Lo que siguió fue una forma fuertemente conductora, turbo-cargada, altamente musical de metal pesado prototípico, impulsado por la pirotecnia de guitarra de Ritchie Blackmore y la vocación creciente de Ian Gillian. Las canciones eran igualmente intensas como las del Sabbath, sólo más complejas con numerosos floreos de virtuosismo instrumental (Burn). En última instancia, Deep Purple ayudó a establecer y definir el heavy metal como género al tiempo que desafiaba sus límites y convenciones. Ahora, si alguien pudiera hacer algo con respecto a la tonta ropa …

1978 – Hellbent para el cuero
Hay muchos que trataron de probar que son más rápidos … (Judas Priest – Hellbent for Leather)
Judas Priest (1978) Con el fundamento musical establecido por Black Sabbath y Deep Purple, era sólo cuestión de tiempo que alguien sintetizara el heavy metal en un ethos completo y apropiado. Ingrese Judas Priest (Víctima de Cambios). Como Black Sabbath antes que ellos, Judas Priest salió de Birmingham y sonaba cada parte.  El quinteto combinó con éxito la oscuridad y la intensidad (Dissident Aggressor) de Black Sabbath con la musicalidad y complejidad (Tyrant) de Deep Purple. Con el ataque de guitarra gemela de Glenn Tipton y K.K. Downing, así como la capacidad vocal no mundana de Rob Halford, Judas Priest introducido metal pesado en territorio desconocido (Exciter). Capitalizando sus talentos únicos, Priest inició una era de heavy metal que era a la vez altamente rítmica y melódica que intercambiaba entre ritmos rompedores y más reservados (a veces dentro de una canción). Sin embargo, el legado duradero de Judas Priest fue la introducción de la imagen indeleble del heavy metal: cuero y pernos. Rob Halford (quien es abiertamente gay), que fue elegido por la escena del club homosexual londinense Soho, incorporó la moda en el escenario de Priest a finales de los años setenta.

Nadie podía anticipar en el momento en que la mirada se convertiría en sinónimo de heavy metal. Sin embargo, el metal pesado ahora tenía una mirada que emparejaba la energía y la intensidad de su sonido (los dioses del metal) .1982 – La nueva ola del metal pesado británico (NWOBHM) Corra a las colinas, funcione para su vida … (Iron Maiden – Las colinas) Con el amanecer de la década de 1980 llegó el nacimiento de la segunda generación de heavy metal. Aún centrada principalmente en Inglaterra, esta colección de bandas ganó el nombre de “Nueva Ola de Heavy Metal Británico”, una obra de teatro sobre el nombre otorgado a la sensación de “nueva ola” en las listas de éxitos. Vanguardia actúa como Iron Maiden (Hallowed Be Thy Name), Motörhead (puño de hierro), Saxon (ametralladora) y Diamond Head (Am I Evil?) Desarrollaron una nueva y distinta marca de heavy metal. Aunque fuertemente inspirado por las bandas fundadoras de heavy metal, la música de estos nuevos actos eliminó efectivamente la influencia de los blues, incorporando elementos del punk británico de finales de los 70. El resultado fue un sonido más rápido y agresivamente bombástico. Lirica, las bandas NWOBHM se aventuraron en un nuevo territorio. Las canciones exploraron los reinos de la fantasía y la mitología (Rime of the Ancient Mariner), pero también mantuvieron la ira social de sus predecesores. Sobre la base de esta exploración creativa, las bandas de NWOBHM, especialmente Iron Maiden, se embarcaron en la creación de elaborados escenarios teatrales que complementaban temáticamente su música (Powerslave).

Estos elementos recién explorados resonaron con los aficionados más allá de Inglaterra. A mediados de la década de 1980, el heavy metal experimentó aceptación y popularidad en Europa continental, América del Norte y América del Sur.1986 – Crisis de Identidad: Cabello o Thrash? Ven arrastrarse más rápido … Obedezca a su maestro … (Metallica – Maestro de Marionetas) Interpretaciones a medida que comenzó a difundirse a nivel mundial. En ninguna parte esto era más evidente que la costa oeste de Norteamérica, especialmente Los Ángeles, San Francisco Bay Area y Seattle / Vancouver. En Los Angeles, muchas bandas desarrollaron un enfoque aerodinámico con un sonido neutro y simplificado y un enfoque en el teatro y el espectáculo. Bandas como Poison (I Want Action), Mötley Crüe (Live Wire) y RATT (Round and Round) dirigieron el movimiento afectuosamente (o ridículamente, dependiendo de su perspectiva) conocido como “Hair Metal”. producto. Metal es la encarnación más comercialmente exitosa, metal de pelo vendido buenos tiempos a través de estructuras de canción simple con contenido lírico con un enfoque aparentemente singular en los coches rápidos, fiesta y la buena vida.MetallicaMoving norte al norte de I-5, otras bandas se embarcó en un camino diametralmente opuesto a El movimiento del pelo. Inspirándose en las bandas de metal originales y el aumento de la intensidad de los actos NWOBHM, un nuevo subgénero de metal se fusionó: Thrash Metal. Conducido por el área de la bahía actúa Metallica, Exodus (Bonded by Blood) y Testament (Into the Pit), así como Megadeth (Hook in Mouth) y Slayer (Raining Blood) en Los Angeles, Seattle Metal Church Church) y Annihilator de Vancouver (Alison Hell), las bandas de thrash consideraron al NWOBHM como un desafío abierto que culminó en una carrera armamentista de metales pesados: más difícil, más rápido y más fuerte.

Thrash fue la encarnación más extrema del heavy metal hasta la fecha. Musicalmente más rítmico que melódico, su preocupación principal era riffs complejos jugados a la velocidad vertiginosa, iniciada por James Hetfield de Metallica, Dave Mustaine de Megadeth y el tándem de Slayer de Kerry King y Jeff Hanneman. Las bandas de thrash desafiaron la norma y expresaron abiertamente su vitriolo y descontento a través de letras socialmente conscientes y políticamente críticas. A finales de los años ochenta, el metal pesado se estaba convirtiendo en esquizofrénico, desarrollándose en dos direcciones convergentes, con cada convención empujando a los extremos.1990 – Un giro al ExtremeA nuevo nivel de poder y confianza … (Pantera – A New Level) Una encrucijada a principios de los años noventa. La novedad del metal del pelo se desvaneció tan rápidamente como estalló en la escena. Thrash seguía siendo demasiado extremo para las audiencias mainstream. Algunas bandas de thrash, especialmente Metallica (Enter Sandman) y Megadeth.

Este movimiento fue una reacción a la creciente popularidad de Grunge (más sobre eso en un minuto). Mientras que algunas bandas de thrash se volvieron a la luz de los focos, otros abrazaron la libertad desenfrenada de la clandestinidad. Un acto en particular, basado en Dallas Pantera (Cowboys From Hell), disfrutó de éxito comercial al explorar un evolucionado thrash-hardcore híbrido. Pantera defendió muchas de las mismas convenciones de thrash metal, sólo impulsadas por los extremos. El trabajo agresivamente melódico de la guitarra de “Dimebag” Darrel Abbot combinado con las voces de mazo de Phil Anselmo creó un sonido sin sentido, riff impulsado que representaba la progresión natural en la carrera de armas de metal. Irónicamente, Pantera era peatonal en comparación con el espectro de bandas explorando Extreme Metal. Este amplio subgénero representaba las convenciones tradicionales del metal llevadas a todos los extremos imaginables: guitarras severamente detunadas, voces guturales, ritmos inimaginablemente rápidos y contenido lírico radicalmente tabú. El metal extremo (que incluía el metal Negro [Immortal – Pure Holocaust] y Death [Death – Flattening of Emotions]) atrajo a audiencias limitadas, pero intensamente dedicadas, que querían explorar las posibilidades del metal. Un enfoque simplificado o racionalizado no satisfizo a tales oyentes. Sin compromiso: tomarlo o dejarlo. Simplemente, las masas optaron por dejarlo.1992 – Grungy Days en PurgatoryDown en un agujero y no sé si puedo ser salvo … (Alice in Chains – Abajo en un agujero) El público restante no alienado por el metal La desviación extrema siguió al éxodo creado por el movimiento del Grunge en el temprano a mediados de los años 90. La aparición de Grunge realmente marcó el golpe de la muerte para el metal del pelo. Llevado por el Nirvana de Seattle, el Soundgarden (Outshined), y Alice in Chains (Them Bones), Grunge recogió donde el metal del cabello se fue: un enfoque musical simplificado. Sin embargo, la comparación terminó allí. Se acabaron los temas líricos y optimistas líricos, reemplazados por un desnudo, progresión-conducido acercamiento junto con letras obsesionadas con disenfranchisement y angst. Coincidiendo con la recesión global de 1990-1993, Grunge resonó con las masas predicando un mensaje de resignada desesperación. Hablando de la renuncia, el principio a mediados de los años 90 consideró mucha agitación para algunos de los actos más acertados del metal. En 1992, Rob Halford abandonó abruptamente Judas Priest, que entró en un período prolongado de latencia. Del mismo modo, 1993 vio a Bruce Dickinson renunciar a Iron Maiden, que continuó con una mayor irrelevancia (Man on the Edge). Las vueltas de la corriente principal mencionadas por Metallica (hasta que duerme) y Megadeth (un lugar secreto) continuaron a mediados de los años 90 con los lanzamientos similar-veinados del seguimiento a sus progresos comerciales. Con las bandas de metal originales desde hace mucho tiempo (o soportando un carrusel sin parar de cambios en la alineación), el futuro del heavy metal no fue brillante. Para todos los efectos, como un producto principal, el metal pesado estaba muerto. Afortunadamente, siempre hay el underground … 2000 – Resurrección, Revolución y RebirthVendeme la infección … (Flames – Only for the Weak)

En FlamesDuring la mayor parte de los años 90, el heavy metal languideció en la oscuridad, mientras que Grunge y Alternative Rock dominaron el moderno Cartas de rock Irónicamente, la creciente popularidad del heavy metal fue en realidad una bendición disfrazada. A pesar de que las masas abandonaron el heavy metal en masa, los fans seguían siendo tan leales como siempre, anticipando ansiosamente la próxima evolución del género. Afortunadamente, las bandas de metal disfrutaron de una mayor libertad para buscar nuevas y no convencionales direcciones, debido a su absolución de las expectativas y obligaciones inherentes a los grandes contratos récord. Dejados a su suerte, muchas interpretaciones originales y vanguardistas (a menudo la síntesis de múltiples subgéneros) explotaron en la escena: Sinfónica (Kamelot – Marcha de Mephisto), Folk (Amorphis – Sampo), Death Melodic (En las Puertas – Masacre del Alma), Muerte Progresiva (Opeth – Blackwater Park), Muerte Técnica (Meshuggah – Bleed) … bien, usted consigue la idea. En testimonio de la creciente difusión mundial de los metales, los países nórdicos del norte de Europa fueron el epicentro de esta oleada creativa. Conducido por Sueldas en llamas (rastreo a través de cuchillos), Opeth (fantasma de la perdición) y Therion (Uthark Runa), el finlandés Nightwish (bendice el niño) y los niños del Bodom (Everytime I Die), y el noruego Dimmu Borgir , Estos actos empujaron los límites conceptuales del metal pesado a nuevos extremos. El éxito colectivo de estos actos clandestinos reafirmó el duradero atractivo de los metales pesados, impulsado por la lealtad de su fanática base de fans. Tal vez, este éxito influyó en las reuniones de Iron Maiden (El hombre de mimbre), Judas Priest (Judas Rising) e incluso Black Sabbath (War Pigs), que volvieron a reunir sus clásicos en varios puntos durante los años 2000.

Cuatro décadas más tarde, el heavy metal prospera como un género musical muy variado y en constante evolución. Esa variedad y crecimiento son cruciales para el atractivo duradero del heavy metal. Después de todo, en 1986 cuando Dave Mustaine, de Megadeth, declaró desafiante: “Si hay una nueva forma, yo sería el primero en la línea” (Peace Sells), lo decía en serio. A menudo confundido con punk o hard rock, el heavy metal puede ser un tema complicado abierto a muchos debates: parafraseando al juez Potter Stewart, el heavy metal es difícil de definir, pero lo sé cuando lo escucho. Si bien hay muchas diferencias técnicas y matizadas entre los subgéneros de metal en constante expansión, al final, todo es metal pesado. Sobre la base de los primeros cuarenta años de la historia del heavy metal, afortunadamente no muestra ninguna señal de desaceleración de la desaceleración en el corto plazo.

Origen música country

En 1910, el etnomusicólogo John Lomax publicó “Cowboy Songs and Other Frontier Ballads” (que siguió por dos años la primera colección conocida de canciones de cowboy), y en 1916 Cecil Sharp comenzó a publicar cientos de canciones folklóricas de las montañas de los Apalaches (o mejor Cumberland Mountains, en la frontera entre Kentucky y Tennessee), dos eventos que despertaron interés por la herencia musical blanca, aunque el mundo tuvo que esperar hasta 1922 antes de que alguien, el violinista texano Eck Robertson, cortara el primer disco de “música de antaño” . Estas colecciones crearon el mito de los Apalaches como remotos santuarios de vida sencilla y noble, cuyos habitantes, los “montañeses”, aislados de los males del mundo encarnaban el verdadero espíritu americano. Muchas de esas regiones no se establecieron hasta 1835, y luego fueron colonizadas por inmigrantes muy pobres, creando así un paisaje de comunidades más bien atrasadas, todavía atadas a sus tradiciones pero también preocupadas por la lucha diaria por la supervivencia.

conciertos en España

En 1922, una estación de radio con sede en Georgia (WSM) fue la primera en difundir canciones populares a su audiencia. Un poco más tarde, una emisora de radio de Fort Worth, en Texas (WBAP), lanzó el primer espectáculo de “danza del granero”. En junio de 1923, el violinista de Georgia, John Carson, grabó (en Atlanta) dos canciones “hillbilly”, un evento que a menudo se considera la fundación oficial de música country (aunque el violinista de Texas Eck Roberton había Ya registrado el año anterior). La industria de la grabación empezó a dividir la música popular en dos categorías: la música de la carrera (que era sólo negro) y la música del hillbilly (que era sólo blanco). El término “hillbilly” fue introducido en realidad por Hill “Billie Blues” de Dave Macon (1924). En 1924, la estación de radio WLS de Chicago (originalmente “el almacén más grande del mundo”) comenzó a emitir una danza del granero que se podría oír a través del Midwest.

Carl Sprague se convirtió en el primer músico importante en grabar canciones de cowboy (el primer “cowboy cantante” de la música country). Y, por último, en 1925, la primera estación de radio de Nashville (WSM) comenzó a transmitir una danza de granero que eventualmente cambiaría el nombre de “Grand Ole Opry”. La música country estaba avanzando. Las etiquetas se reunieron en el sur para grabar cantando a los vaqueros, y los vaqueros cantores fueron exhibidos en las grandes ciudades del norte.

Entre los compositores más letrados se encuentran Goebel Reeves, nacido en Texas, que escribió The Drifter (1929), Blue Undertaker’s Blues (1930), Hobo’s Lullaby (1934) y The Cowboy’s Prayer (1934), una mezcla de canciones hobo y cowboy Nacido en Tennessee Harry McClintock, el autor de las baladas de hobo Big Rock Candy Mountain (1928) y Hallelujah Bum Again (1926).

La música country era una federación de estilos, más que un estilo monolítico. Sus orígenes se perdieron en las primeras décadas de la colonización, cuando las danzas folklóricas (carretes escoceses, jigs irlandeses, danzas cuadradas, la versión pobre del francés “cotillón” y “cuadrilla”) y la balada británica se trasplantaron a la nueva Mundo y se contaminó con los himnos religiosos de las reuniones de la iglesia y el campamento. Los estilos musicales eran reminiscencias de sus antepasados británicos. Las letras, por otra parte, eran completamente diferentes. A los norteamericanos les disgustaba el tema del amor, al cual preferían cuestiones prácticas como las experiencias del mundo real (ganadería, tala, minería, ferrocarriles) y tragedias del mundo real (robos a bancos, desastres naturales, asesinatos, accidentes de trenes).

La instrumentación incluía el banjo, introducido por los esclavos africanos a través de los espectáculos de trovadores, el violín escocés (el violín del pobre, simplificado para que el violinista también pudiera cantar) y la guitarra española (un instrumento que se hizo popular en el Sur solamente Alrededor de 1910). Irónicamente, a medida que más y más negros abandonaban el banjo y adoptaban la guitarra, el banjo terminó siendo identificado con la música blanca, mientras que la guitarra terminó siendo identificada como música negra. Por ejemplo, Hobart Smith aprendió a jugar con el bluesman negro Blind Lemon Jefferson, pero siguió tocando el banjo mientras Jefferson tocaba la guitarra.

El papel de estos instrumentos era más rítmico que melódico, ya que la mayoría de las actuaciones eran solo, sin percusión. Algunas regiones agregaron sus propias especialidades (como el acordeón en Louisiana), pero la mayor parte de la música blanca se basaba en instrumentos de cuerda. Cuando no se interpretó en solitario, fue interpretada por bandas de cuerdas, sobre todo después de la década de 1920, cuando las primeras grabaciones permitieron a los músicos ganarse la vida con su “música de antaño”. Las bandas de cuerda de los años 20 incluyeron a los Ramblers de Carolina del Norte de Charlie Poole, que aumentaron el repertorio de la música vieja con las canciones de los demostraciones del trovador y del vodevil, de Dixie Mountaineers de Ernest Stoneman, y finalmente (pero los verdaderos set- Supergroup Skillet Lickers, formado en 1926 y con Riley Puckett en la guitarra, Gideon Tanner y Clayton McMichen en violines (y todos ellos en la voz),

El formato “hillbilly” (dirigido por la guitarra y un poco más “cosmopolita”) era más popular en las llanuras, mientras que el formato de “montaña” de los Apalaches (dominado por el violín Y el banjo) se mantuvieron relativamente protegidos de las influencias urbanas y afroamericanas. Los artistas de sátira, o “ramblers”, se hicieron populares después de la Primera Guerra Mundial, pero a menudo tuvieron que mudarse a Nueva York para hacer grabaciones. Algunos de ellos se especializaron en canciones de “eventos”, canciones que narraban eventos contemporáneos, como The Wreck Of The Old 97 (1923) de Henry Whitter, que pudo haber sido la primera “canción de ferrocarril” (pero en realidad utilizó la melodía del tradicional The (Quizás el primer éxito de la música country), Death Of Floyd Collins de Andrew Jenkins, también grabado por primera vez por Dalhart (1926), sobre un (1928), Dry Votin ‘(1929), y especialmente Twentyone Years (1930), quizás la primera “canción de la prisión”. Miller era, con mucho, el más prolífico, escribiendo miles de canciones de hillbilly.

Los músicos de Hillbilly también trataron con el género opuesto, la canción de la novedad: la novedad del ukulele de Wendell Hall No va a la lluvia ningún Mo (1923), Carson Robison que silba la novedad Nola Vernon Dalhart, Carson Robison y Bob Miller eran cantantes de Nueva York que se hicieron famosos cantando canciones de hillbilly (ya veces componiéndolas, Como en el caso de Robison y Miller). Los verdaderos músicos de campo habían sido conocidos principalmente por su bravura instrumental. Ya se había organizado un concurso nacional de violín en Georgia en 1917 (por la Old Time Fiddlers Organization). Dos músicos importantes en la transición de la “montaña” silenciosa y linear del estilo y del estilo “bluegrass” rápido y syncopated eran banjoists Charlie Poole de los Ramblers de Carolina del Norte (no deje su reparto abajo, 1925; White House Blues, 1926 , Más conocido como Cannonball Blues), y “Uncle” Dave Macon, el principal “coleccionista” de la música antigua y uno de los artistas más vendidos durante los años de los locos (Keep My Skillet Good and Greasy, 1924, Chewing Gum, 1924; Sail Away Ladies, 1927).

Si estos dos ya usaban el banjo mucho más que un mero dispositivo rítmico, Dock Boggs fue quizás el primer banjoist blanco a tocar el instrumento como una guitarra de blues (en 1927 grabó seis números de blues de plantación y Sugar Baby, que era rockabilly ante- Litteram). Sam McGee fue uno de los primeros en tocar la guitarra como un bluesman, comenzando con Railroad Blues (1928). El guitarrista ciego de Georgia Riley Puckett, autor de My Carolina Home (1927), desempeñó un papel clave en la transformación de la guitarra del instrumento de percusión al instrumento de acompañamiento. Hasta finales de la década de 1920, los artistas de hillbilly eran considerados comediantes tanto como músicos. Muchos de ellos tenían un repertorio de canciones y sketches. El Skillet Lickers fue probablemente instrumental en la creación del carisma del músico del país, en contraposición a la imagen del payaso hillbilly. La guitarra de acero de Hawai, inventada por Joseph Kekuku alrededor de 1885 en Honolulu, fue una adición tardía a la línea de cuerda alzacuello. La música incidental a la obra de Richard Walton Tully Bird of Paradise (1912) popularizó el ukelele y la guitarra de acero en los EE.UU., al igual que el pabellón hawaiano en la “Exposición de Panamá Pacífico” de San Francisco en 1915. On The Beach At Waikiki ), Compuesto por Henry Kailimai y Sonny Cunha, comenzó una locura nacional. En 1916, todas las discográficas empezaron a vender discos de música hawaiana, incluyendo Everybody Hula de Sonny Cunha (1916), “Along the Way to Waikiki” de Richard Whiting (1917), Hawaiian Butterfly (1917), compuesto por Billy Baskette y Joseph Santly y Walter Blaufuss ‘My Isle of Golden Dreams (1919).

El virtuoso hawaiano de la guitarra de acero Frank Ferera viajó internacionalmente. Había debutado en el registro con My Old Kentucky Home de Stephen Foster (1915). La manía cayó en los años 20, pero la guitarra de acero (primero registrada por un músico del montañés en 1927) se haría más y más popular en el repertorio de la música country. Las primeras estrellas del género hillbilly eran los miembros Carter La familia, básicamente un trío vocal (Sara en voz principal y autohapr, Alvin en voz de bajo y Maybelle en voz de alto y en guitarra) que comenzó en 1926 y primero grabado en 1927. A diferencia de sus compañeros, que enfatizaron el sonido instrumental, La Familia Carter se centró en las canciones. Colectivamente, escribieron más de 300 canciones, incluyendo clásicos como Will You Miss Me When I’m Gone (1928), Keep On The Sunny Side (1928), una portada de la canción de Theodore Morse en 1906, Foggy Mountain Top (1929), My Clinch Mountain Home (1929), Worried Man Blues (1930), Puede El Círculo Ser Ininterrumpido (1935), No Depresión (1936), y especialmente Wildwood Flower (1928), un tradicional publicado por primera vez en 1860 que Maybelle se convirtió en una obra maestra de guitarra. Su estilo vocal era la quintaesencia del estilo de “estrecha armonía” de la música country. Más tarde, Maybelle formó su propio cuarteto con sus tres hijas (entre las que June escribió Ring Of Fire y Helen escribió Poor Old Heartsick Me). En 1924 con su primera grabación, Rock All Our Babies To El guitarrista de Georgia, Riley Puckett (ya una estrella de radio), introdujo el estilo “yodeling” de cantar (originalmente de los Alpes suizos y austriacos) en música country, el estilo adoptado en 1927 por la primera estrella de la música country, el Jimmie Rodgers de Mississippi , Que lo llevó a la guitarra de diapositivas hawaiana y, de hecho, inventó el equivalente blanco de los blues con T For Texas (1927), Waiting For A Train (1928), In The Jailhouse Now (1928), Mule Skinner Blues ).

Irónicamente (pero también revelador), Jimmie Rodgers se convirtió en la primera estrella de este fenómeno muy blanco por ser el más influenciado por la música muy negra de los blues. El año en que murió (1933) fue un año decisivo para la música country. Rodes fue influyente en la creación del mito del Lejano Oeste, que ya había sido alimentado por las canciones de vaqueros de Carl Sprague y Goebel Reeves. Así, la música country se convirtió en música country y western. Originalmente, la música country era principalmente de los estados del sureste (Virginia, Tennesse, Kentucky y estados vecinos). Pero ahora la audiencia se estaba volviendo fascinada con los estados del suroeste (estados de Texas y neihboring). El encanto romántico del habitante de la montaña estaba siendo reemplazado lentamente por el encanto romántico del vagabundo vaquero. Otro músico country que, como Rodgers, volvió al blues, fue el cantante y compositor de Luisiana Jimmie Davis cuyo cancionero no fue menos impresionante: Pistol Packin ‘Papa (1929), Blues de Grinder de órgano (1929), Pussy Blues (1929), Nadie es Darling But Mine (1935), no hace diferencia ahora (1938), You Are My Sunshine (1939). Los estilos emergían: honky-tonk y western-swing. Y dos instrumentos debutaron en esos años que se convertirían en el elemento básico de bandas de rock: Adolph Rickenbacker inventó (1931) la guitarra eléctrica y Laurens Hammond inventó (1933) el órgano de Hammond. La guitarra de acero fue electrificada poco después, y con entusiasmo abrazado por los músicos del país (otra señal de que la tendencia estaba lejos de los puristas de la montaña). Fue un gran hit que lanzó el Silver Hairde Daddy Of Mine (1931), del cantante y compositor de Texas Gene Autry “Honky-tonk” estilo de la música country. Debutando en la película Tumbling Tumbleweeds (1935), Autry (quien en la vida real no era un vaquero en absoluto) fue también el primero de los “cowboys cantores” de Hollywood (antes de Roy Rogers, Tex Ritter, Johnny Bond, Jimmy Wakely) que Contribuyó a mover la música country (originalmente un fenómeno oriental) al “lejano oeste”, al menos en la imaginación popular.

También grabó Mother Jones (1931), una canción de trabajo, además de una larga lista de canciones de sabor occidental, como Mexicali Rose (1936). Roy Rogers y los compositores Bob Nolan y Tim Spencer formaron el supergrupo del género, los Sons Of Pioneers, quienes compusieron algunos de los clásicos del género, comenzando con Tumblin ‘Tumbleweeds de Bob Nolan (1927) .Clyde “Red” Foley era la estrella de Chicago popularizando La música country en la gran ciudad con Old Shep (1935) y Chattanooga Shoeshine Boy (1950). Ahora “hillbilly” ya no era un atributo positivo, sino más bien un derogatorio, y por lo tanto “country & western” llegó a connota todos los blancos Música del sur. Los intérpretes vestían trajes de campo e imitaban la jerga de los vaqueros. La fascinación con Occidente se extendió a las grandes ciudades del norte gracias a las falsas canciones de hillbilly escritas por compositores profesionales de Tin Pan Alley, como The Last Roundup de Bill Hill (1933), en realidad una melodía pegadiza en el estilo de Broadway, pero sin embargo influyente en Creando la moda del Lejano Oeste. Esto permitió a Tex Ritter, que nunca había sido un vaquero sino simplemente una atracción rodeo, convertirse en una estrella en Nueva York, gracias a su acento texano, y luego (1936) en Hollywood (Rock’n’Rye Rag, 1948). -tonk y western-swing fueron, de hecho, subproductos del cambio de música country hacia los estados occidentales (es decir, Texas). En 1932, el vocalista Milton Brown y el violinista Bob Wills cortaron los primeros discos de una especie de música country influenciada por Jazz que más tarde fue doblado “swing occidental” (por Foreman Phillips en 1944). Básicamente, el país y la música occidental de las ciudades rurales se fusionó con el swing de las grandes bandas de jazz urbano. Los dos pioneros entonces se dividieron. Brown, con el violinista Cecil Brower (que introdujo el estilo de Joe Venuti a la música country), el pianista de jazz Fred Calhoun, Bob Dunn en una de las primeras guitarras de acero amplificadas y una sección rítmica influenciada por el ragtime, gobernada en Texas. Wills ‘Texas Playboys, con sede en Oklahoma y con una sección de cuerdas de país y una sección de trompa de jazz, y ahora dirigida por Tommy Duncan.

Qué hacer en Barcelona

Después de pasar un mes en Barcelona realmente creo que hay suficientes cosas que hacer en Barcelona y sus alrededores que todo el mundo puede pasar al menos tres días llenos de acción de turismo en esta ciudad y todavía se sienten como que necesitan para volver por otros tres días en un desnudo mínimo.

No dejes que la palabra “libre” te desanime. Caminatas gratuitas se celebran en toda Europa, en lugar de cobrar por el tour, es práctica normal dejar un consejo si te gusta el tour. 5-10 euros es estándar pero estás obligado a pagar nada.

Los recorridos a pie son geniales, ya que le ayudan a entender la historia de la ciudad, las direcciones, y sobre todo se puede pedir consejos sobre dónde comer y tomar una copa más tarde en el día.

En el paseo gratuito que tomé del Barrio Gótico mi guía fue el entusiasta Carson que se enamoró de Barcelona y se mudó aquí. Ella nos dejó saber dónde le gusta ir a la fiesta, así como su lugar favorito para tapas.

Lo que me inspiró fue la cultura de las torres humanas (ver nº 9) en Cataluña, que no habría considerado ver a menos que hablara de ellas.

Visit Barcelona FC’s Home, Camp Nou Qué hacer en Barcelona
“Más que un club”.

Camp Nou para los aficionados al fútbol es el hogar del equipo de fútbol de Barcelona. Su gran lema “más que un club” es reconocer cómo el club ha ayudado a los inmigrantes a integrarse en la cultura catalana durante el siglo pasado, así como el club tomando una postura sobre varios otros temas políticos.

Si no te encuentras en la ciudad para un partido, la gira de Camp Nou definitivamente vale la pena una visita independientemente de si te gusta el fútbol o no. El tour te cuenta mucho sobre la historia del club y de Barcelona, y la tecnología interactiva también es impresionante. En el peor, te aburres y dirígete al bar para tomar una cerveza.

Excursión de un día a Go Excursión a Montserrat Cosas que hacer en Barcelona
Visita el monasterio y caminata alrededor.

Ivana escribió recientemente sobre las mejores excursiones de un día desde Barcelona. Me sentí aliviado al ver que Montserrat hizo la lista ya que es verdaderamente uno de los mejores excursiones de un día completo de una ciudad en la que he estado. Nunca.

Mientras estoy seguro de que puede ir en un tour organizado a la montaña, puede hacer el viaje por su cuenta. Cogiendo el tren desde Plaza Espanya, una hora más tarde bajar en el fondo del teleférico que te lleva a la cima de la montaña.

Desde aquí, usted tiene el monasterio que puede pasar algún tiempo caminando, pero seamos sinceros que estás aquí para los senderos. Sant Jeroni es el pico más alto, y el más común para los turistas a caminar también. La caminata de regreso toma 2-3 horas a un ritmo casual.

Usted debe hacer un día entero del viaje sin embargo. Traiga un picnic y encontrar un lugar en una de las muchas rutas de senderismo en la zona y almorzar con una vista.

Si usted está buscando el mejor lugar para una foto de Instagram, definitivamente cabeza a Escalera al cielo por el monasterio.

No llegué a Costa Brava, pero me encantaría ir por ahí como Ivana & Gianni.

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Disfrute De La Puesta De Sol En Bunkers Del Carmel
Independientemente si prefiere los amaneceres sobre puestas de sol, diríjase a los Bunkers Del Carmel aproximadamente 60 a 90 minutos antes de la puesta del sol. Los búnkeres son uno de los mejores lugares en Barcelona para obtener vistas panorámicas de 360 grados, lo que le permite tener una idea de lo grande que es la ciudad, así como el tamaño de la Sagrada Familia.

Habrá un montón de gente allí disfrutando de la vista también, pero todo el mundo está de buen humor con un aperitivo y una cerveza o vino mientras disfruta de toda la belleza.

Take A Break en Montjuïc Cosas que hacer en Barcelona
Tomar un descanso.

¿A dónde ir en Barcelona si necesitas un descanso del caos del centro de la ciudad de Barcelona? Usted puede escapar fácilmente a Montjuïc donde encontrará colinas, mucha vegetación, la antorcha olímpica de 1992, museos, estadios y vistas más épicas.

Pasé una tarde aquí y tres horas pasaron muy rápido. Hay un montón de espacio y por cualquier razón, la mayoría de la gente pasa por alto el viaje corto a la cima de la colina de La Rambla. Este es uno de los muchos hermosos parques de Barcelona, algo que hacen muy bien.

Visita Sagrada Familia Qué hacer en Barcelona
Pura genialidad.

Esta es la atracción número uno en Barcelona de acuerdo con TripAdvisor basado en el número puro de comentarios. De hecho, tiene más puntos de vista que cualquier otra atracción en el mundo habiendo marcado más de 100.000 en 2017.

Ahora, dado que este es aparentemente el mejor lugar para visitar en Barcelona, habrá un montón de turistas alrededor no importa cuando planeas visitar (¿has notado un tema a este post?). Trate de reservar sus entradas en línea de antemano, de lo contrario podría quedarse esperando unas pocas horas, si no días hasta que pueda obtener un tiempo para visitar que funciona para usted.

El edificio todavía está en construcción que me confunde, pero mientras que en el interior es bastante mágico. Si tienes poco tiempo, puede ser dentro y fuera de la iglesia en 10-15 minutos y se siente como si tuviera un buen gusto para it.Hang Out en las playas de Barcelona Cosas que hacer en BarcelonaBeach tiempo en Barcelona.Barceloneta es el La más famosa de las playas de Barcelona, a 10 minutos a pie de la estación de metro más cercana ya 25 minutos a pie de La Rambla. Cuando llegas, no será el único allí, pero la zona de playa fue construido durante los preparativos para los Juegos Olímpicos, así que es un muy bien preparado para una tarde en términos de comida, borrachos y las instalaciones. En lugar de no tener una playa llena de mermelada, o preferiría evitar cualquier extranjeros borrachos a las 1 pm en un lunes o te disgusta la gente tratando de vender algo cada 20 minutos, es posible que desee cabeza más lejos de la ciudad.puedo recomendar tomar el L2 Púrpura) de metro y va a la parada más al norte, Badalona. Cuando te bajas de la cabeza directamente a la playa y tienes unos pocos kilómetros de territorio de la playa de oro. Garantizado, la playa seguirá ocupado en el verano, pero el ambiente es mucho más relajado con sus vibraciones locales. Realmente me encanta la playa Embrace El Caos de La Rambla Cosas que hacer en BarcelonaLa avenida arbolada de La Rambla.La Rambla es posiblemente la calle más concurrida de Barcelona para los peatones. La avenida arbolada tiene más de 1 km de largo y está inundada de turistas y lugareños. Algunas de las paradas que pueden entretener a usted mientras pasea por La Rambla son:

● Bar Marsella también conocido como Hemingway Cafe. Donde Ernest a menudo se sentaba y tomaba un trago mientras vivía en la ciudad ● Mercado de la Boquería. Una vez más turístico, pero divertido con una variedad de alimentos frescos y delicias en oferta, así como pequeños restaurantes y bares que ofrecen un lugar para sentarse y tomar un descanso ● La NBA Cafe, que es obviamente temático alrededor de baloncesto. Esto no es un lugar de niños cursi. El bar y restaurante en sí es elegante y un buen lugar para tomar una cerveza o vino para cualquier fanático de los deportes ● El Museo Erótico de Barcelona. No voy a mentir, si tuviera más tiempo en mi último día, la chica vestida como Marilyn Monroe bailando en uno de los balcones era una obra de marketing genial y me habría hecho ir para una visita. La Rambla es un área concurrida y llena de gente, este es uno de los lugares más populares para los carteristas en Barcelona. Manténgase alerta. Vigile con asombro las torres humanas que se están construyendo cosas que hacer en Barcelona. Una representación de la Torre Humana. Las torres humanas están profundamente arraigadas en la cultura catalana y todavía se practican activamente hoy en día. La mejor parte es durante los meses de verano, hay varias actuaciones cada semana que puede ir a lo largo y ver de forma gratuita. Ver la gente trabajar juntos para formar las torres es difícil de explicar. Dirígete a uno de los centros de información turística, y te ayudarán a averiguar dónde está el próximo rendimiento is.Visit All The MuseumsI mencionó en la introducción que Barcelona tiene algo para todos. Eso también vale para los museos. No soy una persona grande del museo, pero sí visitar el Museo Olímpico, el Museo de la motocicleta, Museo del cáñamo (realmente impresionante!), Museo de Historia de la Ciudad de Barcelona y el Museo de la Música de Barcelona.

Hay una gran variedad de museos en Barcelona para satisfacer a todos Preferencias. Hay mucho más para visitar también. ¿Mi favorito de estas cosas que hacer en Barcelona? No puedo ir más allá de Camp Nou. No pude ver Barcelona F.C. Jugar, pero llegué a ver el Barcelona Legends jugar Manchester Utd. Leyendas y me hizo querer ver el equipo superior jugar aún more.Barcelona rápidamente se convirtió en una de mis ciudades favoritas en el mundo. Fue una combinación de cosas, pero estas son tres cosas que me selló para mí que la amplia variedad de actividades en Barcelona: ● cuando vi los lugareños eran siempre muy activo por las tardes (que no sería cuando el clima es Perfecto en el verano ● el gran número de actividades deportivas organizadas que tienen (ver el sitio web de Meetup) ● comen fuera tan tarde (creo que 9 pm), como un búho de la noche, esto funciona un encanto para mí.La única razón por la que debe Me pregunto qué hacer en Barcelona es porque tienes muchas opciones, pero tan poco tiempo.La próxima vez, definitivamente voy a descubrir Costa Brava como se mencionó anteriormente y más de la escena del vino alrededor de Barcelona en lugar de comprar botellas baratas de El supermercado.

Locales de ocio en Barcelona

La ciudad de Barcelona cuenta con diversos locales de ocio en los que disfrutar de una buena copa o la mejor música en directo.

La galerista: Natalia Foguet

La galerista de arte contemporáneo Natalia Foguet es una patriota de su barrio, Gràcia, donde su ecléctica Galería Safia ha estado mostrando el trabajo de artistas internacionales emergentes durante más de una década. “Gràcia ha conservado un ambiente de pueblo pequeño”, dice, y está llena de carriles peatonales y plazas pequeñas donde las bodegas del vermú del viejo mundo como Vermutería del Tano (bebidas por dos $ 15) conviven con tiendas boho-chic como la boutique de moda Naftalina (34/93 – 236 – 2567). También recomienda los caprichosos juguetes tradicionales de Bateau Lune y elegantes cortes de pelo en el Anthony Llobet Salon, que cuenta con estilistas multilingües y entrenados en Londres.

El director: Pau Miró

El dramaturgo y director Pau Miró, de treinta y cinco años, es una estrella en ascenso en la escena teatral española. Jirafas (la última instalación de su Trilogía de lo Animal, trilogía tragicómica con tonos absurdos) se realizó en la Sala Beckett y se sitúa en el barrio del Raval, que inspira su trabajo con su “cóctel urbano cargado” de frescura y sencillez. Miró comparte a menudo un stand de cuero en Bar Raval (bebidas por dos $ 18) con gente de teatro y cine, y dice que le encanta el servicio personal en Discos Castelló, parte de “una raza desaparecida” de tiendas de música verdaderamente independientes. También recomienda la papelería Paperam, “una de esas tiendas que te transportan en el tiempo”.

 

El Emprendedor: Helena Garriga

Nacida en Cataluña y egresada del Fashion Institute of Technology, en la ciudad de Nueva York, Helena Garriga ha trabajado para artistas como Moschino y Jean Paul Gaultier. Ahora es comisaria de comestibles, reuniendo los mejores comestibles locales e internacionales en su nueva tienda, La Cuina d’en Garriga. Los deliciosos bombones pan-con-tomate de La Cuina provienen del pastelero Carles Mampel de Bubó; Los panes de pan con mantequilla tachonados con frutos secos y frutos secos son de Forn Baluard. Garriga también le encanta los platos de marisco y arroz en el neo-tradicional El Suquet de l’Almirall (cena por dos $ 83) y la cocina ecléctica servida alrededor de la mesa común en el arty pero acogedor Tapioles 53 (cena de precio fijo por dos $ 104). Su selección para el mejor lugar de picnic? La piscina de agua salada con vistas al Mediterráneo en el nuevo Parc del Fòrum.

El Hotel Gurú: Bel Natividad

Con una ubicación inmejorable en el Passeig de Gràcia, el nuevo Mandarin Oriental de 98 habitaciones (dobles desde $ 756) es la apertura de la ciudad más alto perfil de hotel en algún tiempo. El director de comunicaciones del hotel es Bel Natividad, un nativo de Barcelona que tiene su dedo en el pulso de la ciudad de estilo. Para pantalones y pantalones de cuero “uno-de-uno-tipo, hecho a mano”, recomienda Eden Lun, mientras que Complementos Carmina Rotger es su fuente de aretes y collares. Le encanta pasear por el mercado de Galvany, donde recoge la coca de espinacas y piñones en la antigua panadería Forn Roura y se abastece de servilletas de algodón de todos los colores y tamaños en el stand de MyDrap.

Fotografiado en el Mandarin Oriental Barcelona.

Chaqueta, falda y suéter de Chanel; Zapatos, Sigerson Morrison Brown; Pendientes, Ippolita .—>

El Ilustrador: Jordi Labanda

Es difícil ir muy lejos en Barcelona -o en cualquier otro lugar de España- sin encontrar el trabajo del ilustrador Jordi Labanda, cuyas imágenes glamorosas y retro-tingidas se pueden ver en todo, desde papelería y camisetas hasta anuncios de Adidas. Originario de Uruguay, el prolífico artista y diseñador de moda de 42 años reside en Barcelona desde que tenía tres años: “Mi vida aquí es equilibrada y tranquila, pero perfectamente moderna”, dice. Cuando no está dibujando o viajando, Labanda puede visitar el museo de la Fundació Joan Miró, admirar la serenidad modernista del Pavelló Mies Van der Rohe o tomar café en Els Quatre Gats (café por dos $ 12). También recomienda los electrodomésticos en el concepto En Línea Barcelona y la colección de alta costura de Jean-Pierre Bua. Los productos propios de Labanda se pueden encontrar en la emblemática tienda de diseño Vinçon y en el centro comercial Corte Inglés.

El Arquitecto: Guida Ferrari

Arquitecto, diseñador de joyas, organizador de eventos culturales y bailarín swing “adicto a los zapatos”, la guida Ferrari de 25 años ejemplifica el espíritu creativo de Barcelona. Ferrari dice que admira al Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona por su fachada de cristal y por sus inspiradoras exposiciones en el interior, y adora la emblemática Casa Batlló de Gaudí. En sus rondas de compras, Ferrari comprueba Iguapop Gallery, una galería de arte que funciona como una tienda de ropa de moda; Revisa el calzado en Casas International; Compra libros de arquitectura y diseño en Galería Ras; Y vagabundea en la calle Verdi, en el barrio de Gràcia, “un destino de una calle para boutiques de jóvenes diseñadores”.

Fotografiado en la Casa Batlló. Escudo de Peter Som; Vestido, Rebecca Taylor; Pantalones, Joe’s Jeans; Collar, Susan Hannover diseña .—>

Los chefs: Sergio y Javier Torres

Javier y Sergio Torres, nacidos en Barcelona, han inaugurado Dos Cielos (cena por dos doscientos cincuenta dólares) y sus ratios creativos por la comida catalana. En sus días de descanso, los hermanos desayunan a menudo en el legendario mostrador Pinotxo (desayuno por dos $ 25) dentro del mercado de la Boquería. Xemei (cena por dos $ 110) es “un lugar divertido y funky veneciano con buena música y fantástica pasta de tinta de calamar”. Por “tradición renovada”, es Via Veneto (cena por dos $ 213) Un gran clásico dirigido por un joven y excitante chef, Carles Tejedor; Y para tapas super-frescas, especialmente mariscos, es el Bar Mut (tapas por dos $ 69) .Casa Batlló La Casa Batlló fue terminada en 1907 y representa el mejor ejemplo del modernismo de principios del siglo XX. La influencia del mar (algunos piensan que las 20.000 Leguas bajo el Mar de Jules Verne fue una inspiración) es evidente en la fachada que un famoso crítico catalán llamó “una cueva submarina”. Por favor, no se pierda el recorrido de los interiores.Bar RavalSlide en una cabina de cuero en este agujero de riego y usted se sumergirá en la camaradería habladora de los profesores, escritores, artistas y tipos de teatro que viven cerca en las calles que rodean el Meseu d’Art Contemporani.Suquet de l’Almirall Conocido por su vista al mar, este restaurante portuario de la Barceloneta aporta ingredientes frescos del mercado de pescado, situado a sólo 100 metros. Ubicado en un antiguo astillero, el interior del restaurante está lleno de novedades marítimas, pero los asientos al aire libre es especialmente popular. Una pizarra muestra platos diarios, que pueden incluir suquet, un guiso de mariscos catalán tradicional; Ensalada xató, hecha con endivias rizadas y bacalao salado; Y arròs negre, arroz negro. Los vinos son exclusivamente de España, y más de 200 selecciones están disponibles; Ninguna botella cuesta más de 50 €. Fundació Joan Miró Con sus techos altos, sus arcos y sus amplios pasillos, este innovador edificio alberga la colección más grande del mundo de la obra de Miró más el arte británico, de 1945 a 1968, es decir, la posguerra hasta Pop.Jean-Pierre Bua Y las mujeres se abastecen con los éxitos más grandes de la pista, entre muchos otros, Valentino, Alexander McQueen, y Jean-Paul Gaultier.VinçonAficionados del diseño apreciarán el Vinçon dos-storied. Lleva muebles y objetos decorativos para cada habitación, excepto el dormitorio; Que está a la vuelta de la esquina en la tienda spin-off Tinçon.Cal PepPied piper Pep Manubens ha estado tirando de magia culinaria en esta ranura delgada de un restaurante para el último cuarto de siglo. La fórmula es simple: apriete por la puerta y disfrute de una botella de Albariño mientras espera por algunas de las mejores tapas de la ciudad. Pep y su personal están dotados de averiguar quién es el próximo y qué partido encaja donde, y cuando llegue su tiempo, lo que será (una vez que te dejan en, estás en), pronto entender por qué muchos gourmets conocedores pasan por Este proceso para un tiro en los mariscos deliciosos de Pep servidos en porciones pequeñas para compartir. El mostrador es el lugar para estar, con los quemadores de seis pies de distancia, en el calor y la emoción de la cocina. Los visitantes naturales de FoodsIsland que desean un descanso de los alimentos pesados, “turístico” a menudo buscan este edificio de estaño para ayudar a almacenar los armarios y Frigoríficos de sus casas de alquiler. Fundada en 1987, la pequeña tienda de alimentos saludables cerca del centro de Kaunakakai lleva frutas cultivadas en la isla durante la temporada (como las papayas de Molokai) y una variedad de verduras, hierbas, cosméticos y vitaminas. Para una rápida comida sana, el mostrador de almuerzo en la parte de atrás prepara las comidas del mediodía para ir, como sándwiches, lasañas vegetarianas con tofu y espinacas y batidos de frutas elaborados con sandía cultivada localmente o bananas.PinotxoA Barcelona institución, Bar Pinotxo se encuentra dentro de la Mercat de la Boqueria. Este pequeño bar de tapas es propiedad y está operado por Juanito Bayen. La cocina es catalana, y no hay menú; Juan o un servidor simplemente salen de las ofrendas del día. La comida de Pinotxo ha mantenido el restaurante en el negocio por más de 50 años, y algunas ofrendas pueden incluir platos tradicionales tales como estofado de cordero, lentejas y garbanzos con botifarra, una salchicha blanca catalana. Los platos se complementan con el propio vino espumoso del restaurante, llamado Pinotxo. ZutzAntxón Gómez lanzó este mítico club en los años 80.Mon Key ClubMuntaner 385Condiciones para el conjunto de moda de la ciudad, Muntaner 385 es una tienda de ropa de lujo para hombre que almacena prendas de diseño y accesorios en Una ultra-elegante tienda de varios niveles en el barrio del Eixample. La tienda en sí es casi enteramente blanca, con acentos de mármol beige, estantes a contraluz, cubículos de madera toscos y paredes colgadas de un puñado de fotografías en blanco y negro. Las prendas van desde trajes a medida hasta camisas a cuadros casuales, mientras que los accesorios incluyen bufandas de piel de serpiente, zapatos de vestir de cuero y gafas de sol de concha. Los servicios de sastrería están disponibles bajo petición.Galería SafiaLa galería de arte contemporánea Natalia Foguet tiene abeja

Evolución en la música moderna

Entre 1960 y 2010, las frecuencias de los temas en el Hot 100 variaron mucho: algunos temas se hicieron más raros, otros se hicieron más comunes, otros se hicieron de bicicleta (figura 2). Para ayudarnos a interpretar estas dinámicas, hicimos uso de asociaciones entre los temas y artistas en particular, así como las etiquetas de género asignadas por los oyentes de Last.fm, un servicio de descubrimiento de música basado en la web con aproximadamente 50 millones de usuarios (material electrónico suplementario, M8). Considerando los H-topics en primer lugar, el más frecuente fue H8 (media ± IC del 95%: q¯ = 0,236 ± 0,003q¯ = 0,236 ± 0,003) -major acordes sin cambios. Casi dos tercios de nuestras canciones muestran una frecuencia sustancial (> 12.5%) de este tema, especialmente aquellos marcados como country clásico, rock clásico y amor (tablas en línea). Su presencia en el Hot 100 fue bastante constante, siendo el H-tema más común en 43 de 50 años.

Evolución de temas musicales en el Billboard Hot 100. Frecuencias temáticas medias (q¯q¯) ± IC del 95% estimado por bootstrapping.
Otros H-temas eran mucho más dinámicos. Entre 1960 y 2009, la frecuencia media de H1 disminuyó en alrededor del 75%. H1 captura el uso de acordes de séptima dominante. Inherentemente disonantes (debido al intervalo tritónico entre el tercero y el séptimo menor), estos acordes se usan comúnmente en el Jazz para crear tensiones que eventualmente se resuelven a acordes consonantes; En la música de Blues, las disonancias típicamente no se resuelven y por lo tanto se suman al característico color “sucio”. En consecuencia, encontramos que las canciones etiquetadas blues o jazz tienen una alta frecuencia de H1; Es especialmente común en las canciones de artistas de Blues como B.B. King y artistas de jazz como Nat ‘King’ Cole. El declive de este tema, entonces, representa la muerte persistente de Jazz y Blues en el Hot 100.

Los H-temas restantes capturan la evolución de otros estilos musicales. H3, por ejemplo, abarca acorde menor-séptimo usado para el color armónico en funk, disco y soul. Este tema está sobre-representado en funk y disco, y artistas como Chic y KC & The Sunshine Band. Entre 1967 y 1977, la frecuencia media de H3 se duplica. H6 combina varios cambios de acordes que son un pilar en las melodías de rock modal y por lo tanto común en artistas con grandes ambiciones de estadio (por ejemplo, Mötley Crüe, Van Halen, REO Speedwagon, Queen, Kiss y Alice Cooper). Su aumento entre 1978 y 1985, y posterior declive a principios de los años noventa, marca la edad de Arena Rock. De todos los H-temas, H5 muestra el cambio más llamativo en la frecuencia. Este tema, que capta la ausencia de estructura de acorde identificable, apenas aparece en los años sesenta y setenta cuando, aparte de algunos collages de música de palabras habladas (por ejemplo, los de Dickie Goodman), casi todas las canciones tenían acordes claramente identificables. H5 comienza a ser más frecuente a finales de los años 1980 y luego se eleva rápidamente a un pico en 1993. Esto representa el ascenso de Hip Hop, Rap y géneros relacionados, como ejemplificado por la música de Busta Rhymes, Nas y Snoop Dog, que todos utilizan Acordes particularmente raramente (tablas en línea).

Las frecuencias de los Temas Tímbricos, también, evolucionan con el tiempo. El T3, descrito como ‘energético, habla, brillante’, muestra la misma dinámica que H5 y también está asociado con el surgimiento de géneros relacionados con Hip Hop. Varios de los otros tópicos del timbre, sin embargo, aparecen levantarse y caer repetidamente, sugiriendo maneras recurrentes en la instrumentación. Por ejemplo, la evolución de T4 (‘piano, orquesta, armónico’) parece sinusoidal, lo que sugiere un retorno en los años 2000 a las cualidades timbrales prominentes en los años setenta. En 1966 y 1985, T5 (‘guitar, loud, energetic’) experimentó dos ciclos completos con picos, volviendo a subir en 2009. El segundo pico más grande coincide con un pico en H6, los cambios de acordes también se asocian con grupos de rock de estadios Tales como Mötley Crüe (tablas en línea). Por último, T1 (“tambores, agresivo, percusivo”) se eleva continuamente hasta 1990, lo que coincide con la difusión de nuevas tecnologías de percusión como las cajas de ritmos y el efecto de reverberación popular que Phil Collins usó en el aire esta noche de 1981. En consecuencia, T1 está sobre-representada en canciones etiquetadas de danza, disco y nueva ola y artistas como The Pet Shop Boys. Después de 1990, la frecuencia de T1 disminuye: el reinado de la caja de ritmos había terminado.

Evolución de la música

La historia de la música popular ha sido debatida durante mucho tiempo por filósofos, sociólogos, periodistas, bloggers y estrellas del pop [1 – 7]. Sus relatos, aunque ricos en vivos conocimientos musicales y juicios estéticos, carecen de lo que los científicos quieren: pruebas rigurosas de hipótesis claras basadas en datos cuantitativos y estadísticas. Los científicos sociales de mentalidad económica que estudian la historia de la música han hecho mejor, pero están menos interesados en la música que los medios por los que se comercializa [8 – 15]. El contraste con la biología evolutiva -una ciencia histórica rica en datos y modelos cuantitativos- es sorprendente, tanto más cuanto que la variedad cultural y la organísmica son consideradas como el resultado de procesos de modificación por descendencia [16-19]. De hecho, lingüistas y arqueólogos, estudiando la evolución de las lenguas y la cultura material, comúnmente aplican las mismas herramientas que hacen los biólogos evolutivos al estudiar la evolución de las especies [20-25].

Hasta hace poco, el mayor obstáculo para un relato científico de la historia musical ha sido una falta de datos. Eso ha cambiado con la aparición de grandes colecciones digitalizadas de grabaciones de audio, partituras y letras. Los estudios cuantitativos de la evolución musical han seguido rápidamente [26 – 30]. Aquí, utilizamos un corpus de música digitalizada para investigar la historia de la música popular estadounidense. Inspirándonos en los estudios de la evolución orgánica y cultural, vemos la historia de la música pop como un “registro fósil” y hacemos el tipo de preguntas que un paleontólogo podría: ¿ha aumentado o disminuido la variedad de música popular con el tiempo? ¿El cambio evolutivo en la música popular es continuo o discontinuo? Y, si es discontinua, ¿cuándo ocurrieron las discontinuidades?

Para delimitar nuestra muestra, nos enfocamos en canciones que aparecieron en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos entre 1960 y 2010. Obtuvimos 30 segmentos largos de 17 094 canciones que cubrían el 86% de los 100 Hot, con un pequeño sesgo hacia la falta de canciones en Los primeros años. Debido a que nuestro objetivo es investigar la evolución del gusto popular, no intentamos obtener una muestra representativa de todas las canciones que fueron lanzadas en los Estados Unidos en ese período de tiempo, sino sólo aquellas que tuvieron mayor éxito comercial.

Al igual que los estudios anteriores de la música pop-historia [28, 30], nuestro estudio se basa en características extraídas de audio en lugar de puntuaciones. Sin embargo, cuando estos primeros estudios se centraron en aspectos técnicos de audio como sonoridad, estadísticas de vocabulario y complejidad secuencial, hemos intentado identificar características musicalmente significativas. Para ello, hemos adoptado un enfoque inspirado en los recientes avances en la extracción de textos (figura 1). Comenzamos por medir nuestras canciones para una serie de características cuantitativas de audio, 12 descriptores de contenido tonal y 14 de timbre (material complementario electrónico, M2-3). Estos fueron discretizados en “palabras”, resultando en un léxico armónico (H-lexicon) de los cambios de acordes, y un léxico timbral (T-lexicon) de los grupos de timbre (material complementario electrónico, M4). Para relacionar el T-léxico con los rótulos semánticos en inglés, llevamos a cabo anotaciones de expertos (material suplementario electrónico, M5). Las palabras musicales de ambos lexica se combinaron en 8 + 8 = 16 ‘temas’ utilizando la asignación de Dirichlet latente (LDA). LDA es un modelo jerárquico generativo de un corpus de tipo texto, en el que cada documento (aquí: canción) se representa como una distribución sobre una serie de temas, y cada tema se representa como una distribución sobre todas las palabras posibles (aquí: Del H-lexicon, y racimos de timbre del T-lexicon). Se obtiene el modelo más probable mediante inferencia probabilística (material suplementario electrónico, M6). Cada canción, por lo tanto, se representa como una distribución sobre ocho temas armónicos (H-topics) que capturan clases de cambios de acordes (por ejemplo, “cambios de acordes de séptima dominante”) y ocho temas de timbre ‘Batería, agresiva, percusiva’, ‘voz femenina, melódica, vocal’, derivada de las anotaciones de expertos), con proporciones de tema q. Estas frecuencias temáticas fueron la base de nuestros análisis.

La música en España

No es de extrañar que la evolución de la música española sea tan extensa y diversa como la historia de la música en España. Ningún otro país europeo cuenta con una mezcla tan única de elementos musicales, cada uno extraído de las diversas culturas del pasado español.

Primeros días

Parte de lo que hace a España tan fascinante es la amplia gama de culturas que han tejido su camino en su historia y cultura. Durante las primeras épocas de la existencia de España, las culturas de mallazo se impactaron inadvertidamente en cada nivel y sin duda contribuyeron significativamente a la historia de la música española. Los romanos tempranos trajeron las ideas y la música de la vecina Grecia, el surgimiento de los visigodos vio el florecimiento de la música sagrada y los cantos que provenían de la Iglesia, y bajo los tolerantes musulmanes, judíos, cristianos y musulmanes a la vez floreció. La música regional estaba en alza, pero con la reconquista esa subida llegó a un alto bruscamente cuando el gobierno declaró una prohibición de tal música.
Renacimiento

La historia de la música española continuó evolucionando con el amanecer del Renacimiento. La música instrumental emergió y floreció, sobre todo con la influencia de la música árabe y el desarrollo de la guitarra española. Después de la reconquista del siglo XVI, el estilo de canto polifónico, con voces complementarias, se desarrolló probablemente a través del contacto con los vecinos del norte de España, Francia y Flandes. A medida que la movilidad en todo el continente europeo mejoró, los músicos comenzaron a viajar de un país a otro, especialmente a Roma, y recogieron ideas y estilos a lo largo del camino. Estos años de desarrollo exponencial sacaron a España del anonimato y lo colocaron firmemente en el mapa musical, mientras grandes compositores clásicos como Francisco Guerrero y Tomás Luis de Victoria salieron a la vanguardia.

Siglos XVII y XVIII

Una de las mayores manifestaciones de los talentos musicales españoles apareció durante este próximo período de la historia de la música española. La zarzuela -una forma de operación española más ligera- se desarrolló y floreció, convirtiéndola en el fenómeno cultural que sigue siendo hoy. Contrastando con los desarrollos del siglo anterior, el desarrollo de la música clásica se detuvo bruscamente y entró en un declive de dos siglos. La historia de la música española vio, en cambio, la oleada de música popular y folclórica en las distintas regiones de España.

siglo 20

Después de la Guerra Civil Española y del subsiguiente gobierno represivo de cincuenta años, el dictador Francisco Franco, con la intención de crear un país uniforme y nacionalista, prohibió todo lo referente a las culturas regionales. Las lenguas regionales, la literatura y la música fueron prohibidas, quemadas y reprendidas. Como resultado, la amplia gama de música folklórica española que se había desarrollado a lo largo de los siglos pasados no desapareció, pero su práctica se mantuvo oculta a los ojos vigilantes del gobierno de Franco.

A medida que España se acercaba al final del régimen franquista, el auge de la música pop y del rock ‘n’ roll marcó otro importante hito en la historia de la música española. Americanos y británicos estaban asaltando la escena musical internacional y ni siquiera Franco podía impedir que España finalmente siguiera su ejemplo. El pop español más temprano imitó esencialmente el pop francés, lo que curiosamente ya estaba imitando al pop estadounidense y británico. Los artistas españoles añadieron la pasión y los ritmos flamencos a la mezcla, dándole un auténtico toque español que todavía se puede encontrar en la música pop de hoy. El boom del turismo en España de los años 60 y 70 trajo estilos musicales de todo el mundo, mientras que los años 80 vieron el auge de la movida. Después de la muerte de Franco, los jóvenes se metieron en una nueva libertad y estilos de vida alternativos no evitados por el gobierno democrático restaurado. El rock ‘n’ roll español, el punk y la música pop se lanzaron a la vanguardia y han sido imparables desde entonces.